迪斯尼动画电影音乐的研究.docVIP

... ... 迪斯尼动画电影音乐研究 绪?? 论 在我国，提起动画电影，人们对它的评价大都只局限于对画面的探讨，而动画电影当中的音乐却很少被提及，即使是在动画制作技术高速发展的今天，这个状况也没有得到明显的改善。 但事实上，动画影片当中的音乐是相当重要的。最早意识到动画音乐的重大意义的作曲家英哥夫·达尔（Ingolf? Dahl）说过，“如果说忽略或者误解了类型片中的音乐是不幸的，那么忽略了动画影片中的音乐无外乎犯罪”，这种说法并不夸张。在动画影片当中，音乐和画面是紧密结合的，缺少任何一个因素，动画影片都会失去其特有的魅力。 也正因为如此，我们有必要对动画影片中的音乐及其与画面、剧情相结合的方式进行归纳和总结。在本文中，我将尝试以迪斯尼动画电影音乐作为研究个体，并按照历史的发展顺序，探讨迪斯尼动画电影音乐各个阶段的特征。虽然，这一研究仅仅是动画电影音乐这一广泛领域中的一个个案，但鉴于迪斯尼动画电影巨大的影响力及音乐风格的独特魅力，对它进行专门的研究应当具有较大价值和一定的普遍意义。 第一章音乐在迪斯尼动画电影中的诞生 第一节动画电影与沃尔特·迪斯尼 动画电影的英文名称为Cartoon Movie（也称Animation Film）。作为电影当中的一种特殊类型，动画电影与真人电影的差别就在于其拍摄对象本身不是生命体，而是用造型艺术手段制作的假定性形象，即“以画在平面上的图画或者立体的‘偶’以及物品作为拍摄对象的电影”。 [1]这些假定性形象为我们营造出了一个幻想的空间，使得动画电影最大程度的集中了“综合艺术”的种种特征--造型艺术的影像风格、文学的内涵、戏剧的叙事规律、音乐的境界、电影语言的结构，而成为一种非常特别的艺术样式。 美国是世界上动画电影产量最大的国家之一，而迪斯尼公司出品的动画电影又以其独特的风格特征成为美国动画电影的旗帜。迪斯尼的动画电影将幽默的喜剧趣味融入了动画这个幻想的空间，借助想象中的神奇世界，夸张变形的动画形象使绘画和电影的蒙太奇手段得以发展，以幽默的形式负载了开放的美国文化的自由精神，使其得到充分的施展空间。经过数十年的发展，它的叙事方式由最早的幽默短片发展到后来的长篇剧情片，以引人入胜的故事情节和优美灵动的音乐将观众带入幻想的世界。 沃尔特·迪斯尼是凭着自己的创意起家的。由于技术的限制，在二十世纪二十年代初，电影尚处于黑白、无声的阶段，而动画影片只不过是摆在电影开演前的娱兴节目。那时的迪斯尼作品也就是一些商业动画短片，都只有短短十几分钟而已。沃尔特·迪斯尼的处女作是1923年一系列根据里维斯·卡洛尔（Lewis Carroll）小说改编的，由真人和动画共同合演的《爱丽斯游历卡通国》（ the Alice in Cartoonland）。在二十年代，他还制作过一系列的短篇动画，如：《小欢乐》（Laugh-O-Grams）、《小红帽》（Little Red Riding Hood）等，它们都是无声、黑白的短片系列动画。 沃尔特·迪斯尼的早期作品还是需要四处推销才有公司愿意买来播映的。直到1927年，沃尔特·迪斯尼终于创出了一个颇受欢迎的动画人物《幸运兔奥斯华》（Oswald, the Lucky Rabbit），在当时获得不少回响。1928年2月，沃尔特·迪斯尼的发行人查尔斯·敏茨（Charles Mintz）却告诉迪斯尼一个残酷的事实：他已经高价买通所有《幸运兔奥斯华》的幕后人员，照样可以继续推出奥斯华，就这样迪斯尼失去了影片的版权。而这个遭遇似乎是个好事，促使沃尔特·迪斯尼脑中萌发出了另一个动画角色的灵感，那就是：米老鼠（Mickey Mouse）。接下来的故事就是众所周知的了，米老鼠成为了迪斯尼历史上最为著名的动画形象。 第二节迪斯尼动画电影音乐在试验中诞生 米老鼠诞生的年代，正好是电影声音技术的革命性变革时代。据动画影片的历史记载，是沃尔特·迪斯尼首先将同步声音（音乐）引入动画影片，这一发明确立了有声动画影片的初步形态，即：“滑稽的动作加上与之相适合的音乐”。这个标准让一定数量的模仿者苦苦追随。 同步发声是1927年在美国华纳兄弟影片出品的电影《爵士歌手》中首次出现的，虽然影片中只有几段道白和一首由主角唱出的歌曲《妈咪》（《Mammy》）是同步录音制作的（其余部分还是使用默片的“标准配置”——循环配乐＋提示字幕），但已经能够对看惯默片的观众产生足够的震撼力和冲击感，这种冲击标志着有声时代的来临，同时也在敲响着默片时代的丧钟。 《爵士歌手》被公认为是电影史上第一部有声片，它的成功促使敏感的沃尔特迪斯尼迅速的意识到听觉的流行就要来临了，他想要模仿《爵士歌手》的混声技术，并且将它引进到动画电影中。而所谓的引进，仅仅指的是同步发声这一技术，而不是对其声音形式——录制人物的同步对白和歌曲——的简单模仿。同