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试论音乐表演与呼吸 　　中图分类号：J602 文献标识码：A 文章编号：1672-8882（2014）05-012-01 　　音乐是一种声音符号，是一种思想的传递。音乐是有目的和内涵的，其中隐含了作者的生活体验，思想情怀。 　　同时音乐也是一种社会行为，人们通过音乐交流生活与情感，尤其在歌唱中体现得更加明显。 　　音乐的表演是一个复杂的课题，不同类型的音乐，有着不同的技巧和方式去表现。需要通过人本身的认知能力以及天赋去完成整个表演，这需要一个纷繁复杂不间断练习的学习过程。 　　我们对音乐表演中这种整体结构力的把握，不是通常性的指对于表演者姿势、动作、表情等技术层面的认识，而是指表演者对于内在心理和内在感觉的理性升华。从表演美学的本质上看，表演者的外部形态均是源于内心状态所决定的，它是主体内心状态外化的一种具体呈现，正如《毛诗序》有“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。情动于中，而形于言” ，能否对作品注入生命力，将音乐中所蕴含的美通过音响方式传递给听众，是表演者成功与否的标志。 　　所谓“气”就是我们赖以生存的“呼吸”，音乐表演中常常有人评价说“气韵生动”，用来形容声乐管乐表演中对气息的运用与控制。所谓“气”，我们可以把它理解成在音乐表演中句与句之间的“呼吸”，是对乐句或者乐段之间平衡力度的把握，是连接所有乐句的纽带，是每个音乐作品中延绵不绝的生命力的不间断的循环枢纽，是表演者艺术生命力的完整体现。人如果失去了呼吸，也就失去了生命；同理，“没有呼吸的音乐就是没有生命的音乐”。“气”，就像是一条纤细却充满韧性的白线，把所有毫无关联毫无生命的音符像珍珠一般串在一起，变成了一条华美的珠链，永远透着音乐世界里美妙的光芒。 　　具体的说，音乐表演主要展现的是歌唱与演奏 　　歌唱者动听的声音与好的气息控制力密不可分。好听的声音需要运用到正确并且恰到好处的气息作为源动力，而而所有声乐的演唱技巧都与呼吸有着千丝万缕的关系，因为无气就无声，有声才有气。 　　呼吸是在双重作用下进行的。一方面它是自动运作的，就像是心跳，它是无声的存在的，心跳不能够被意识控制，而呼吸在某处程度上，呼吸的深浅和频率是可以通过意识控制而产生变化的，而歌唱的过程实际上是一种运用意识控制和调整呼吸的一个过程。 　　歌唱者需要通过意识的控制去呼吸，并把所吸入的气息有意识的分在每个需要安放的音符上或者乐句中。因为每个音的长短节拍不同，强弱变化不同，所以在唱一首歌曲的时候，歌唱者需要在小节休止的时候和歌词的意境允许以及乐句的转换时，才能去换气。 　　歌唱呼吸是一个既紧张又松弛的过程。吸气时，需要的是一种兴奋却又放松的状态，这种兴奋是一种正面的精神饱满的状态，这里的放松是体现身体自然舒展的感觉。这种良好的状态，首先要有正确的歌唱姿势：适度的抬头挺胸，肩颈放松、 双眼平视远方并且略带神采、面带微笑（自然得体的微笑）。如果可以保持这样的姿势，再运用恰当的呼吸方法，就一定能自然的唱出美妙的音。 　　关于演奏，这里主要谈谈钢琴演奏中的呼吸 　　赵晓生把钢琴演奏的技术问题分为：指、腕、臂、身、耳、心、气、神、化这样九层境界。 　　钢琴演奏的中的“气”，即音乐里的呼吸。 　　呼吸，首先要通畅，运气需要上下贯通。呼吸不贯通谓之“阻塞”。音乐的呼吸决于演奏者的气息是否顺畅、贯通。 　　有的音乐需要缓慢而绵长的气息。比如演奏一句有几十小节长的大起大落的旋律，必须以缓慢而又绵长的气息为根本，不可以随意换气或在短小的句子中使用绵长的呼吸。 　　要达到呼吸的舒畅，就要学会“贯气”，贯气，即达到全曲的气息贯通。这样一个显而易见的道理，真要做好实在不容易。 　　首先要掌握乐曲的完整性 　　乐曲的完整性表现为：准确、协调、连贯。首先演奏者必须准确的把每个音符的长短高低体现清晰；其次演奏者需要把每个节奏的长短、停顿、快慢都诠释到位；最后整个乐曲需要连贯熟练的完成。演奏者若能把乐曲演奏得准确、协调、连贯、完整，那就是达到了贯气的第一步。 　　要求演奏者对作品的大结构有着贯彻始终的整体把握 　　练习时，演奏者会分为一小段一小句的反复研究演奏练习，而一首作品需要大气的完成，所以当所有细节反复熟练之后，还是需要大段落或者从头至尾一气呵成的完成。这种完整性的体现，为贯气的第二步。 　　演奏者在技术与表现上达到完美的一致与融合 　　在困难片断的练习阶段，演奏者常常卡在技巧练习的泥潭里。想要把这些难以克服的技巧难点完全自然融入到整个乐曲的完整演奏中，首先需要消除自身的紧张感，要把注意力从难点中转移，尝试身体的放松，调整心态。这样才能达到贯气的完整性。 　　演奏者要正确的掌握呼吸 　　在演奏的过程中呼吸需要讲究时机，要时刻注意呼吸与音乐之间的联系。不要太急促也不要太缓慢