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中国画从状物走向写意经典技法转换 　　【内容摘要】从中国画的发展来看，其走过了一个从状物到写意的转变过程。在这个过程中，中国画从笔墨到技法上发生了历史性的蜕变，其章法、材料、风格、主题也相继产生变化，这表明中国画经历了一个推陈出新以及自身完善的过程。 【关键词】中国画 写意性 墨法 一、中国画的起源与发展 从原始艺术来看，艺术起源于劳动，历经了彩陶时代和青铜时代，于轩辕时代出现了“仓颉造字，史皇作画”。到了商周就有了壁画，周代设官执掌绘事。到春秋战国时期“诸子蜂起”，主要学派各自阐述美学新主张：孔子重视艺术在社会中的作用；老子主张虚无主义、神秘主义色彩的审美观念；庄子主张艺术活动应当随心所欲，最大限度地适应身心自由。受以上艺术思潮的影响，战国绘画艺术在自由争鸣中得到发展。当时的宋国有专门从事绘画的“画图众史”，即专职画家，这就是以后各朝代院体画派的萌芽。 汉代大力提倡绘画艺术在宣传、教育方面的重要作用。东汉中期以后，少数上层人物也开始参与美术活动，从生活中发现美，表现丰富而生动的现实内容，这表明那个时期绘画已经被广泛使用。两汉晚期我国已经成为统一的、多民族封建制度的国家，当时绘画在各民族的文化交流中起到了不可磨灭的作用，尤其在语言不通的状况下，绘画成为了传递信息的重要工具。 魏晋时期确立了士族制度特权。在士族制度的影响下，文学艺术受到的影响也是巨大的，涌现出了很多优秀文学家、艺术家。这一时期美术获得了长足发展，佛教、儒学、玄学对艺术的发展产生了巨大的促进作用，展现出一片艺术繁荣景象。 绘画艺术在中国的唐代逐渐走向成熟，人物绘画方面尤为显著且获得重大发展。唐代的贞观之治后，社会稳定，经济恢复，文化艺术百家争鸣、百花齐放。 北宋的建立结束了五代十国的纷争局面，有利于经济文化的发展。首都汴京，画家云集，名手如林，是继唐代长安之后的又一古代绘画中心。 清朝处于我国封建社会的末期。明清的改朝换代并没有造成艺术传承的中断，清初的绘画中心仍在江南。到清代中期，绘画中心变成了两个：北京与扬州。 进入19世纪后，随着扬州经济地位的衰落，在江南一带比较富庶的城市中又出现了以黄易为代表的讲求“以书法金石入画”的金石书画家。近代画家的高峰期以“三任”（任熊、任薰、任颐）为代表，此时工笔线描技法理论知识已经很普遍了，如“人物十八描”的灵活运用都给重彩人物画打下了坚实的基础。 二、写意画的概念 写意实质上就是利用简练的绘画笔法对景物的一种描绘方式。写意画使用的材质多是生宣，纵笔一挥，墨彩扬起。与工笔画相比较，写意画更能突出体现笔下景物所具有的神韵，也更能直抒胸臆。写意画在笔墨运用方面要求粗放、简练，绘画出景物的形与神。 三、中国画从状物到写意的转变 随着中国画的不断发展，其墨色发生了很大变化，这一变化是中国画从状物到写意的一个重要表现。 墨本身所具有的韵味与节奏能够表达各种不同的艺术趣味，如素净、沉厚、丰富、滋润等，还可以将物象所具有的形体与质感、情趣与意境表现得淋漓尽致。用墨的原则要求在变化中追求整体的统一性。这里所指的“变化”包含各类墨色的对比以及墨色本身具备的肌理感、韵律感、丰富感。因此在用墨方面一般有两种描绘的倾向：或是在对比中追求整体的统一；或是在整体统一里追求变化。前者追求的特色是丰富多彩、亮丽鲜明，后者则保持整体和谐、不乏单调。 中国画大致可分为破墨、积墨、泼墨、宿墨、胶墨、指墨等几种墨法。 （一）破墨法 破墨法在墨法中最常用，鲜墨与宿墨、胶墨，用破墨法都会达到与众不同的绘画效果。若选取的纸质优劣或渗化性不同，即便使用相同的水分与墨色，也会产生不同的效果；不同性质的墨水使用，会因纸的质地不同艺术效果也会大相径庭。因此，墨法的掌握不单单是理论性的了解，更需要绘画的实践和个人绘画经验的长期积累。 （二）积墨法 积墨法多是用在山水画中。积墨实质是指运用各种不同的墨色和笔触，通过相互之间不断的交错重叠，进而产生的一种特殊的艺术绘画效果，能够表达浑然质朴、厚实有力和丰富多彩的情感。积墨要求一定要在前一层的绘画晾干后再进行下一层的复叠，而笔触的相叠兼具形式感和物象性。积墨时，相对于渴笔而言，湿笔更难运笔，湿笔易臃肿，不易达到淋漓的艺术效果；而渴笔易疏松灵秀，有败笔易补救，也要注意防止松散。最常用湿渴混积的技法以追求浑、秀并呈之效果。在人物画中，运用这种笔法主要是描绘毛发、具有粗质特点的物件或衣物、皮肤上的皱纹以及表现某些对比技艺和特殊的气氛效果等。 （三）宿墨法 宿墨通过偏热的室温效果使所研的墨胶与墨发酵分离。画家偶然中发现变质的墨可能会产生特殊的艺术效果。宿墨因胶发酵、墨粒游离后沉淀，在宣纸上时凝时化，笔痕清晰，不易渗化或覆盖