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当代艺术原创性就是观念性 　　原创性是当下一个被频频提及的话题，原因在于这一概念在当代艺术中所遭受到的种种尴尬处境。原本笼罩其尊贵华丽、光芒四射的灵晕似乎越来越黯淡，失去其灿烂如炬的光芒，本文试图简单追溯这一概念的前世今生，重点论述其在当代语境下的意义转换和嬗变，即：当代艺术的原创性就是观念性。 一、古典主义艺术的原创性 严格来说，古典主义艺术家们并没有“原创性”这一自觉意识，他们所赖以创作（无论是绘画、雕塑还是建筑）的源头始终是指向一种外在的终极的真实性，这个外在终极真实无外乎上帝、自然或者绝对真理（理念），古典艺术家们不是为了创新而工作，而是千方百计去继承前人传统，强调规范和原则，以期无限接近于那个终极的真实。终极目标既已确定，那么，这一时期的“原创性”更多的只能是指向一种技法层面的推进，古典艺术也得以长期保持一个基本稳定的风格面貌。 二、现代主义艺术的原创性 随着15、16世纪西方宗教日益式微，个体意识逐渐觉醒，艺术家们把目光从遥远的天国和彼岸投向了尘世的生活和自我的内心，不再追求一种超然世外的外在真实，转而寻求一种内在的主观的真实性，他们疯狂地攻击古典主义、学院主义的矫揉造作和陈规俗套，将自我主体看成是一切创作的源头，至此，基于具有强力意志的“超人”主体之上的天才、想象力、独创性、风格、灵感等概念成为现代美学的核心词汇，康德说：“美的艺术只有作为天才的作品才有可能。”原创性成了所有现代艺术的代名词，德拉克洛瓦就宣称自己不需要模仿任何人，自己就是别人的楷模。塞尚说：“我的这种方式，我是首创。”可见，艺术家都把是否具有原创性作为衡量自己艺术价值的重要标准，他们都在竭尽所能地寻求建立一种只属于个人的艺术风格或艺术形式，这也是现代主义艺术从印象派、后印象派、立体派、表现主义、野兽派、未来主义、达达主义到抽象表现主义、极简主义流派更迭、眼花缭乱的根本原因。 现代主义艺术家们的这种原创性努力可谓艰苦卓绝、竞争激烈，他们对于艺术本体的艰难探索，对于艺术语言的创造革新极大地拓宽了艺术的表现领域，拓展了艺术家的想象力和创造力。但是，这种时间性的、线性的逻辑发展框架注定了其无法超越的终极命运，现代主义在经历了晚期极简主义之后终于彻底掏空了主体自己，它所赖以维系的原创性风格也在历史的滚滚车轮中极不情愿地让位给了当代艺术的观念性。 三、当代艺术的原创性 我所说的当代艺术是指那种植根于当下文化与现实处境，关注当代人的生存和精神状况，质疑一切既定规则和界限，探索各种可能性，对现实保持介入性和批判性的文化艺术实践，本质上它就是一场文化政治实践。那么，什么是当代艺术的原创性？ 前文提到，现代艺术讲究艺术本体意义上的风格语言流派的线性叙事和演绎，其价值就体现在对最终艺术作品进行原创性风格考察的基础之上，考察其在造型、色彩、构图等形式语言图式上的独创性。而当代艺术则完全消解了这一语言形式层面的原创性，这种消解从两个维度分别同时展开，与这种消解同步进行的是另一种原创性的建立，即观念的原创性。 第一层消解体现在媒介技术层面。复制技术的发明使得艺术作品的本真性和原创性失去了赖以存在的物质基础，本雅明在《机械复制时代的艺术作品》中说：“复制技术把复制的东西从传统领域中解脱出来，由于它制作了许多的复制品，因而，它就用众多的复制物取代了独一无二的存在。”显然，复制技术让艺术作品的灵光消逝了，“原作”与“摹本”的区分丧失了意义，艺术作品的原创性也随之消失。比如沃霍尔创作的《坎贝尔的汤罐头》《可口可乐瓶子》和《玛丽莲·梦露》等作品就是由大量复制品创作而成。其中《玛丽莲·梦露》就是用梦露的底片复制出五十张颜色层次不同的照片加以排列而成。显然，我们再也没法找到作品在内在形式语言上的原创性了。但是与此同时，另一种原创性也随之诞生，即沃霍尔试图彻底抹平精英艺术与通俗艺术的界限，去个性化，去精英化的波普美学观念使得这样一个作品与众不同，具有了无与伦比的思想魅力。在这里，其观念性就是原创性，就是作品的价值和意义所在。英国汉密尔顿创作的《到底是什么使得今日的家庭如此不同，如此有魅力？》，通过把一个肌肉健壮的男人和搔首弄姿的裸女，以及日常传播媒介和文化产品诸如电视录音机、照片、报纸、放大的连环画和真空吸尘器广告等拼贴在一起，构建了一个普通家庭的日常生活场景。就作品而言，每一个元素几乎都是复制品和现成品的挪用和拼贴，没有任何原创性可言，但不可否认的是，整个作品弥漫出作者对消费社会和商品社会的某种态度，这一“态度”或“观念”正是作品的灵魂，也是其原创性的体现。在当今信息社会和图像时代，图像的任意挪用和拼贴乃至鲍德里亚所说的“仿真的逻辑”下的拟像都使得原作和原创性越来越难以寻觅，要探求它的意义，我们就必须认真分析这些挪用和拼贴背后的创作思