创新，是戏曲直面挑战的必要姿态.docVIP

创新，是戏曲直面挑战的必要姿态 　　继承与创新，是一个常说常新的话题。它发生在几乎每一个领域与行业，尤其是戏曲，近几十年甚至上百年来，似乎从来没有停止过争论。从理论上说，这其实算得上是一个伪命题，因为二者的关系早已从逻辑上有着清晰的结论：继承与创新是相互依存、相互转化的关系，没有继承就谈不上创新，没有创新，继承也就失去了意义。但之所以我们今天仍然需要认真严肃地探讨这个问题，正在于戏曲艺术的继承与创新不仅仅是一个理论问题，更是一个需要不断展开的实践过程。尤其在戏曲艺术仍然面临诸多困境的当下，需要厘清思路，提振信心，在传承保护与创新发展的道路上艰难前行。 换个角度来看待这个问题。我们之所以要传承保护戏曲，是因为其蕴含着中华传统文化的精粹，是祖先给予我们的珍宝，值得我们一代代人长久地葆有；而创新，从来不是为创新而创新，而是在继承发展的过程中，沉着应对不断变化的环境，力图解决新出现的问题，找到新的方向与方法，从而创新发展，并最终沉淀、积累，成为原有传统的一部分。从这个意义上说，创新，是观念，是思路，也是直面挑战的正确姿态。不改变自己去适应环境，就必然要被环境改变直至淘汰。 从戏曲萌芽、发生之日起，它所生存的环境与条件就在不断发生着变化。以剧场来说。戏曲艺术从勾栏瓦舍，到乡村戏台，从庭院楼台，再到今天的现代化大舞台，物质硬件已经发生了太多的改变。而剧场的改变也必然带来戏曲表现内容与形式的改变。在乡村庙会及世俗生活中，目连戏是广受欢迎的剧目之一，带有很强的宗教性与仪式感，可以连演七天七夜，类似于一种祭祀活动，互动性极强，观众也是这个仪式活动的一个组成部分。但在现代化大都市中，不可能把?@样近似于宗教仪式的目连戏原封不动地搬上舞台持续数天，观众也无法参与其中。因此，这样的剧目只适合整理、改编或者仅作为学术研究式的展示。另外，舞台的空间大大增加了，可以容纳的布景装置也极大丰富起来，绝不局限于一桌二椅，舞台科技的运用成为必然，也扩展了戏曲舞台的表现能力。舞美、灯光、音响甚至服装、化妆，也都发生了极大的改变。以音响为例。从几十人的剧场，到如今多则上千人的戏曲舞台，不充分运用音响又如何可能？而一旦有了现代音响设备，演员们不必像过去在广场、庙会上的声嘶力竭，谁的嗓门大、调门高，并不是成名成角的首要条件，转向谁唱得入味、情感投入，谁的人物塑造生动准确，这才是今天观众评判的标准（基层剧团到北京演出，往往会让人觉得音量过大，有时候成了噪音，这是因为对音响的运用没有根据剧场的特点来调整到位）。再从观众来说。随着城市化进程的加速，戏曲艺术与其他传统艺术一道，经历了断崖式的观众流失。这是一个不争的事实。如果不是如此急速的现代化、城市化、全球化进程，戏曲艺术本可以慢慢地培养新的观众，在时间的缓慢推进中移步换形，再续青春。可惜时间不允许！迅速改变的生活方式强行带走了原本可以成为观众的年轻人，乡村戏台难现当年风光。另一方面，受各种艺术门类与娱乐方式的冲击，戏曲早已不是一花独放，独占鳌头。更重要的是，观众审美能力的不断提升，东西方艺术的碰撞与交融，都使得今天观众的艺术品位与艺术口味发生了极大的变化。戏曲是演给观众看的，如果剧场的形式改变了，观众的口味改变了，戏曲还能不有所创新发展吗？ 想应对挑战，就必须创新。创新，是戏曲进入当代生活的唯一途径。但如何创新？这是我们今天思考的关键。所谓创新，绝不是标新立异，为新而新，而是应对戏曲当下面临的困境，应对外部环境改变而相应地进行变化，找到合理的解决方案，寻找一切可能的突破。近些年来，戏曲表现题材的不断拓展，表现内容的不断深入，二度创作包括导表演以及舞美灯光的发展，都是继承创新的结果。创新每天都在发生，却不可能瞬间脱胎换骨，而是在一次次移步换形中不断积累，从量变到质变。如果从十年、二十年、三十年的时间长度来看，今天戏曲艺术的舞台呈现，完全可以用焕然一新来形容。就以戏曲题材开拓来看，这几十年的成果是有目共睹的。以泉州为例。没有剧作家王仁杰就没有今天梨园戏的多部新创剧目；王景贤可以写出用提线木偶表演的《钦差大臣》《越氏孤儿》这样的题材，这难道不是对戏曲剧种的极大丰富与创新？所以说，对三十多年来戏曲艺术的发展成就的肯定，应该成为戏曲界的共识，增强戏曲界的自信。但同时也要思考，今天 的戏曲能否适应现代社会的需要？是否紧跟观众审美的变化？能否在新的时代获得生存发展的空间？特别是在互联网时代，戏曲发展创新的步伐是否跟得上观众口味的变化？这就要求我们，首先要创新思维，一方面在戏曲艺术自身寻找创新的可能，另一方面，还必须在市场营销、戏迷（粉丝）汇聚、商业模式、科技运用等等一切方面，寻找戏曲创新发展的可能性，绝不能顾步自封，止步不前。 那么，创新从何处着手？首先，最大限度地继承传统，挖掘一切可以挖掘利用的传统资源，这是创新的必要前提。李可染说：“