１９世纪西方艺术歌曲“表情”摭谈.docVIP

１９世纪西方艺术歌曲“表情”摭谈 　　来自心灵深处，体现身体与心灵之和谐，谓之歌唱。它以最简便、直白的方式植根于每个时代、每片土地、每个心灵的角落，反映着不同的生活体验，各异的情感需求。古今中外，莫不如是。然而，当自然地创作与歌唱上升到艺术的高度，当艺术地创作与歌唱成为充分表达个体人性化意念的重要方式时，它便有了新的历史时期的新面貌――艺术歌曲。以笔者的西方音乐研究视角而言，无论通史或声乐门类史中，19世纪艺术歌曲(广义而言，18世纪末至20世纪初叶)所焕发出的艺术光芒与人性魅力，无疑使它成为此时期音乐向更高的艺术境界乃至自由的人文境界迈进的重要标志之一。 　　艺术歌曲(Art Song)，是与民歌相对的、由专业作曲家以严肃的艺术性为目的创作的歌曲。尽管各国就此体裁的称谓不尽相同(如Lied，Melodie，Romance或统称Song等)，发展状况不一，但总体艺术特征是相似的，即歌词往往采用浪漫诗人的诗篇(有时是民歌加工而成，也有作曲家自己创作的诗篇)；旋律以抒情为主；伴奏声部常用钢琴(后期也用管弦乐队)，并与旋律内容密切相关；一般篇幅较为短小，结构多为分节歌、变化分节歌或通体歌，它和调式、调性、音色及和声等手段一样依据诗篇内容而定。有些作曲家还将一组在内容或总体情感上有联系的歌曲编为一套，形成了情感复杂、音辞更为丰富的声乐套曲。为论述清晰，本文将此体裁统称为“艺术歌曲”。它并非19世纪作曲家独创，而是将之提升至新的艺术高度，同时，具有深刻的人文思想内涵和广泛的社会影响。 　　“表情”，顾名思义，是对感情的表达，是客观事物在人的内心产生反应后的外部显现。在心理学意义上有语言表情、身段表情、面部表情，当然，它的对象是“人”。而此文中，笔者以19世纪“艺术歌曲”体裁为对象，试图从史学角度、运用些许美学及社会学的研究方法，将其成长发展的历程、表现形态以及在客观现实影响下所呈现的多样化情感内容予以剖析，试图探究其形成之艺术性及社会性根源，以期对此时期艺术歌曲做到深层解读与准确评介。 　　 　　一、艺术根源 　　 　　自古以来，无论是我国原始的南方情歌“候人兮猗”，表现人们劳动、狩猎的“弹歌”，还是西方古代的颂歌、叙事诗及悲喜剧等，都可证明“歌唱”作为人类传达情感的途径，是人们生活中最早出现的艺术形式之一，它以各种方式伴随着人类的生存与发展。 　　 　　(一)艺术传承 　　古希腊古罗马时期的诗歌、音乐及舞蹈三位一体的歌唱，尽管原始粗糙，然，无论颂神、颂人均洋溢着自由的天性和智慧的灵光。随后的一千多年中，歌唱(世俗音乐除外)戴上了沉重的枷锁，从情感内容到形式只涉及一件事，即对上帝虔诚的信仰。此时的歌唱尽管万众一心，却心如止水，尽管不乏美感，却压抑、空洞。然而毋庸置疑的是，它参与并见证了众多对后世音乐发展有重要影响的音乐理论成果的形成，如调式、和声、织体、记谱法、音阶等，当它在16世纪再次以带有世俗性情感的面貌出现时，显然已不是古希腊时期那个纯洁、生动的形象，而更像阅历丰富并有着成熟魅力的中年人。随后，通奏低音时代的到来及器乐的逐步发展，使多声合唱的部分声部开始由乐器代替，从而出现了由数字低音伴奏的独唱，但其间人声并不总是唱主旋律，且情感表达也趋向类型化。 　　在18世纪，器乐艺术第一次超过声乐，发展至前所未有的高度，各种大型音乐体裁成熟并传达着崇高的艺术性。而艺术歌曲创作也非空白，此时期，作曲家就艺术歌曲体裁的创作观念和特征不甚统一，但也不乏重要作品，并初步显示诗歌对音乐的支配作用，从而预示了艺术歌曲发展方向。尽管海顿写第一首艺术歌曲时已年近半百，但被认为已有19世纪艺术歌曲的基本轮廓，如代表作《美人鱼之歌》等；莫扎特对此体裁创作的兴趣并不长久，但他伟大的抒情天资，使他创作了舒伯特之前的第一批代表作，如《紫罗兰》等；贝多芬则在创作技法及音乐与歌词的关系上做了更多探索，如《阿德拉伊德》等。19世纪前后，随着追求个性、以自我为中心、强调个人关怀的情感表达的音乐观念的推展，这种以独唱形式体现的艺术歌曲应运盛行。它一方面体现了音乐体裁在19世纪的丰富多样，另一方面，也说明了艺术家表达情感的方式开始从外在的公众化向个体的内心化发展，从18世纪对完善音乐形式的重视转而把目光投向对内心感受的观照。这不仅源于此时社会的动荡让他们在不断的失望和希望中倍感疲惫，不能改变这个世界，只有回归自我，于是，这种将音乐与诗歌结合的、类似室内乐风格的声乐体裁便成为艺术家表情达意的重要方式。而且，当时“综合艺术”理念的出现也对其发展起到推动作用。 　　 　　(二)音乐与诗 　　19世纪上半叶，一些艺术家开始认为一门艺术已经不能满足他们情感表达的需求，因此，包含文学、诗歌、戏剧、绘画及音乐等一切艺术的“综合艺术”观念开始萌生。很多作曲家不同程度