话剧《松子的爱》导演侧记.docVIP

话剧《松子的爱》导演侧记 　　话剧《松子的爱》的创作缘于一部日本电影《被嫌弃的松子的一生》，当熊源伟导演看完这部电影并将其推荐给孙宁芳（本剧制作人和“松子”的扮演者）时，她立即被其深深地吸引，后来创作团队的成员看了这部作品后也都非常喜欢，于是最初的感动成为大家创作的动力和源泉。 　　从在日本热销百万册的小说，到五光十色的电影，再到今天的话剧，不同的载体，不同的文化背景，不同的主创人员，自然会呈现出代表个体生命体验和风貌的作品。一切要从舞台剧本出发，要排除小说和电影留下的先入为主的印象。 　　在原小说和电影中，出场人物众多，故事跌宕起伏，情节盘根错节，情感微妙甚至怪异，如何将这样一个日本题材搬上上海的话剧舞台？于是，创作初期的主要任务就是对全剧的人物、故事以及情节脉络进行梳理，斫芟枝蔓、集中笔墨，以松子为主线，选取了妹妹、父亲、彻也、赤木以及龙洋一这五个人物，并按时间顺序将一组组人物关系片断式地串在一起，呈现出松子充满勇气和让人悲叹的一生。细心的朋友可能会发现：话剧在小说和电影的基础上，构思发展了几场全新的戏，例如松子与龙洋一在桥洞下贩毒那一场，寥寥几笔就将两人紧张、甜蜜、痛并幸福的生活常态勾勒出来。又如全剧的结尾：新年夜的忘川边，松子看着倒映在水里的美丽的烟花，仿佛看到了曾经的亲友，她满怀着幸福一步步走入水中，恍惚间，爸爸、妹妹、彻也、赤木和龙洋一都笑盈盈地看着她，每一位亲友都是松子的牵挂，每一位亲友也都是松子选择的机会……在人生的节点上，松子的选择如果不是当初那样，她应该会拥有完全不同的命运，但是，所有的可能都是泡影，现实中的松子却是一个一直都在追寻真爱的人，她永远满怀希望地行走在“回家”的路上，在苦难中寻求幸福。“爱”是松子悲惨的源泉，也是她获得幸福的金钥匙，这便是松子命运的悖论。 　　面对这样一个题材和文本，导演在剧组建组会议上提出“小戏大作”的攻略：不走小说网络版心理描写的路子，不走电影广告喜剧的路子，而是从戏剧的特质出发，走风格化的诗化唯美的路子，构建自己的舞台时空，形成独特的意境表达。未来演出的总体处理原则是“大虚小实”，于是表演、舞美设计、制景、灯光、音乐、音效、服装、化妆等各部门都在这个原则的基础上统一行动。 　　例如：舞台的主体结构是立体平台加箱式布景，再与平面的镜框和花卉景片相结合，既有面的诗意渲染，又有点的细节刻画。走进剧场，观众首先看到的是一个大大的镜框，大幕拉开，后区天幕的位置则挂着高高低低、大小不一的镜框，光是静态地观看，便给人一种直感：这不是一个传统写实的戏。舞台上灵活运用了大大小小三十多个镜框，有的是留作背景（如从开场到尾声的天幕镜框群），有的点明环境（如居酒屋），有的划定表演空间（如每场室内具象箱式布景的镜框），有的渲染特定气氛（如彻也死后溅满鲜血的白布镜框），有的升华意境（如最后松子登上天堂时楼梯后区的镜框），还有统一风格样式的镶嵌在舞台假台口的大镜框，等等。箱式布景的镜框，既是拘束，又是拓展，既缩小了演员的活动空间，让表演区域捉襟见肘；又像一个个特写镜头，聚焦观众的视线，放大演员的表演，抽象舞台空间，形成整体的诗化语言。再加上配在镜框边上的一朵朵绚丽的鲜花景片，或雏菊，或玫瑰，或紫荆……以及尾声时的巨大的鲜花群，更为本剧平添了绚烂多彩而又灵动浓烈的味道，形成自己独有的风格。 　　这个戏对演员的表演要求很高，既要有日本戏的味道，导演又要求日本风貌点到为止，不予强调，再加上整体风格是诗化唯美，所以演员对表演分寸的拿捏十分不易，多一分则假，少一分则弱。从建组的第一天起，导演就一再强调，演员的语言要有音乐性，要有雕塑感。还声情并茂地举出北京人民艺术剧院的例子：如表演艺术家于是之、郑榕的台词，乍一听非常夸张、不生活，可是在整出戏中，所有演员的表演风格协调统一，就会让观众觉得真实可信，而且形成了北京人艺独特的演剧特点。导演还要求全体演员必须注意真实体验与非生活表演状态相结合，关注“能量”的收放，常态下能量聚敛而凝重，转折点能量爆发且浓烈。这些要求看似简单，但在排练中要将六个角色演员与八个舞蹈演员的分寸调和一致，形成具有合力的剧场空间，这真算是很严苛的表演要求了。 　　在我们的戏中，共用到八个舞蹈演员，演绎了九段舞蹈，有的是为情节性的场景服务，更多的则是情绪性的意向表达。灵动的流线感的舞蹈与静态的凝重感的戏剧形成了动与静的互补，共同完成了从剧到诗的升华。 　　《松子的爱》是个日本题材，但究其深层的内涵，它却是一个具有普世价值的现代话题。我们生活在一个物质丰富、科技发达、社会多元的网络时代，在这个什么都讲求效率、效果，对时间、对生活、对婚姻，甚至对爱都讲究成本管理的时代，走近被人“嫌弃”的松子，走近终其一生全力付出、追求真爱，寻找“回家”道路的松子，对人们来说，是一件有意义的事情。这绝不仅