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论西方艺术中色彩文化内涵 　　人类对色彩的感觉源于一种先天和本能。早在远古时代，就出现了色彩明艳的岩石壁画和用矿物质颜料涂染的骨器、陶器和劳动工具等。伴随着艺术的发展，人类对色彩的认知也经历了漫长的历史演进过程。如今，色彩已经成为视觉艺术中最重要的构成符号之一。马克思曾说：“色彩的感觉在一般美感中是最大众的形式。”经典的艺术佳作通常都在色彩上给人以深刻震撼。 　　在视觉艺术中，色彩所呈现出的文化内涵远远超越了色彩原理本身，它更是艺术家内在精神气质、心灵情感的流露与表达。色彩的演变过程不仅体现了西方艺术史的伟大变迁，同时也折射出艺术与科学、宗教、神学、心理学、医学等文化领域的相互影响和渗透，具有跨文化性内涵。 　　 　　一、从“色彩偏见”到“色彩解放” 　　――色彩演变的文化内涵 　　 　　在上千年的西方艺术中，人们对色彩的认知经历了从“偏见”到“解放”、从“客观描绘”到“主观表现”的文化演变。这种演变恰恰体现了西方艺术史由“再现”向“表现”、由“传统”向“现代”的跨越，具有时代性的文化意蕴。 　　西方传统文化艺术的发展源于公元前6世纪的古希腊时期，并在16世纪的文艺复兴运动中达到了辉煌。从古希腊哲学家亚里士多德的“模仿说”到文艺复兴奇才达?芬奇的“镜子说”；从关注解剖学的研究到对透视学、明暗学的掌握，皆有力地推动了西方写实艺术的发展，体现了追求真实与和谐的艺术审美准则。 　　西方传统艺术在面对色彩问题上也形成了独特的色彩法则，而这种色彩法则无疑是带有一定偏见性的。一方面，人们认为在绘画中素描永远是第一位的，色彩只是素描的一种补充。另一方面，色彩的选择应以表现事物的自然属性为准。在以“客观地再现自然”为宗旨的传统审美准则中，色彩是否自然逼真无疑是评价艺术作品优秀或粗制滥造的永恒标准。 　　西方传统艺术大师在色彩的运用和选择上，也时常体现出这一倾向。文艺复兴的达?芬奇、丢勒、曼坦纳等人的艺术都以素描为主，色彩仅处于辅助和从属的地位。米开朗琪罗在面对雕刻和绘画艺术时，曾说“雕刻是绘画的指??，前者是太阳，后者是月亮”。可见，他更偏爱线条而轻视色彩。19世纪法国古典主义大师安格尔认为色彩应服从于古典，并称“素描才是艺术的真谛”。德国古典美学家伊曼纽尔?康德在1790年出版的《判断力批判》中也对色彩做出了评价：“色彩自身决不能使画更美。”这些都似乎向色彩下达了最后的判决书，“色彩这个结构的仆人，构图的随从，从此只能待在厨房里了”。①当然，，在西方传统艺术中，还有众多的色彩大师，如波提切利、提香、维米尔、庚斯勃罗等在色彩革新的道路上勤奋探索。 　　西方艺术史上对色彩的解放完成于古典艺术向现代艺术转换的时期。当时的先锋派艺术家以自己的理论和实践逐渐改变着人们对色彩的认识。浪漫派大师德拉克洛瓦提出，画家应“放弃一切现有的色彩”；印象派画家让我们体味到了大自然的纯色组合；塞尚潜心研究、探索出“色彩造型”的方法，色彩取代了线条和素描的地位，成为绘画的第一构成要素；高更在1888年也清晰地感受到色彩的表现力，称“色彩能够作为一种密码来传递信息”；梵高更是借助色彩表现内心精神世界的一位高手。1905年的法国秋季沙龙展上，以马蒂斯为首的野兽派艺术家郑重地把解放了的色彩展现在世界的面前，色彩终于成为艺术王国里的自由公民了。 　　从“色彩偏见”到“色彩解放”，再到后来出现的“色彩至上”，人们对色彩的逐步认知体现出不同时代的文化特性，西方艺术中色彩“身份的转变”不但标志着现代派艺术的粉墨登场，而且体现了色彩自身的潜在能量。色彩就像是一个先锋家和鼓动者，不断地挑战着人类审美文化与艺术表现的边界。 　　 　　二、用色彩体味人生、诠释情感――深化色彩的人文关怀 　　 　　当色彩的功能从再现转向表现，从真实模写转向情感表达时，色彩也开始逐步与人的情感、精神联系到一起。在艺术的世界里，色彩可以承载艺术家的情感冲动、心灵体验甚至神秘的幻想。这极大地丰富了色彩的性格和表现力，深化了色彩的人文关怀和文化内涵。 　　约翰?拉斯金曾说，“最纯洁、最有创见的人是那些最热爱色彩的人”。的确，西方现代艺术大师大都是色彩表现的高手，在他们的艺术图谱里，色彩的力量总是最动人心魄的。 　　荷兰画家梵高擅长运用纯色表现内心最深处的痛苦和激情。纯粹的黄色是梵高艺术图谱中的经典用色，著名的《向日葵》正是其黄色画风的代表。黄色的向日葵被梵高赋予了一种神秘的精神力量和永不褪色的光辉，这满眼的金黄色既是他热爱生活、对艺术执著追求的写照，又是其苦难生命体验的缩影，体现了他人生全部的理想、热情、痛苦和挣扎。 　　此外，梵高还经常运用对比强烈的互补色作画。《夜间咖啡馆》《星?月?夜》《乌鸦群飞的麦田》等皆体现了某种恐怖、不安的心理暗示和与命运搏斗、抗争的精神力量。