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光影和透视创造咏物诗 　　摘 要：从公元14世纪开始，直到19世纪末，西方的绘画语言形成了以光和透视为主的艺术语言。光是表达形体与空间的最重要的手段，文艺复兴时期的绘画创造了光影法。在光的来源和被照射物体产生的明暗关系上，有明确的、严格的规律可以遵循。正是在这样的严格的规律中，物体形成了由光与影相互衬托所呈现的立体形象。 　　关键词：文艺复兴；平面描绘；透视；光影；色彩 　　中图分类号：J205 文献标识码：Ａ　　 文章编号：1005-5312（2012）21-0029-01 　　从新石器时代开始一直到中世纪，绘画是在描绘着人们所“知道”的形象，而不是在一个确定的时刻所“看到”的形象。所谓“知道”的形象，就是对某个形象的整体轮廓的感知。在这种理念下，人们所要画的是一个事物应该有的形象，而不是去刻画一个偶然情景中的具体形象。所以那时的绘画，人观看事物的视点是不重要的，自然光线对事物形象的影响也是不重要的。那时的绘画追求的是平面的描绘，从未设想去描绘处于立体空间中的有深度的形象。 　　文艺复兴开始，人们产生了新的关于“真实”的看法，过去的那种平面的画法是追求“知道”的真实，现在，人们开始关注“看到”的真实。这样，“视看”的自身特殊方式就被纳入到了画面之中，这就是透视。视看时的光线也同样被看作是绘画必备的元素，这就是绘画中的光。这彻底改变了几千年来人类绘画描绘事物的基本方式，而获得了一种新的方式。从公元14世纪开始，直到19世纪末，西方的绘画语言形成了以光和透视为主的艺术语言。 　　意大利文艺复兴的开创者乔托，他的绘画里虽然已经明显地渗透了透视法的完整意趣，但透视法却不是他系统总结出来的。真正系统地将透视法则颇具科学精神地总结出来的，是意大利文艺复兴早期、晚于乔托一百多年的建筑家菲利波·布鲁内莱斯基，他是第一个复兴古希腊、古罗马建筑之壮观、典雅、优美式样的先驱者。他把“视看”一个事物时，由于距离的变化而发生的视觉形象的变化规律，称为“焦点透视法”。站在一个固定的视点，向远处看，距离眼睛近的事物比距离远的事物看起来要大，无论这个远处的物体实际上有多大，甚至是一座远处的山，它在我们视看的视野中，也不会有近在咫尺的树叶大；而极目远眺，我们视看的视线会在极远处，消失于天地之间的地平线。布鲁内莱斯基的发现，获得了一个完整的透视聚焦理论：在我们的视野中，物体按数学原理有规则地向一个固定的消逝点缩小。如果说乔托对透视的描述是经验的、直觉性的尝试，那么，布鲁内莱斯基的揭示却是合理的、科学的、逻辑的诠释。 　　透视作为一种系统的、科学的表现视觉空间的方法，除了焦点透视法外，还包括短缩法。一个平放的有长度的物体，当它的纵向线与视觉光线处于重合平行状态时，它的长度将缩短为一个点。有长度物体的纵向线与视线之间的交叉度越小，它在视觉中就越短，交叉度越大，视觉中物体的长度也就越长，当交叉度为90度时，物体在视觉的长度则为最大，即它的实际长度。按照此规律来画平放的有长度的物体，就是短缩法。过去的人们却并不理解这一点，在古埃及、古希腊，为了描绘人所知道的事物的完整形式，人们不会考虑实际视觉中有长度的物体的视觉短缩，所以他们会把有长度的物体安排成永远不会与视线重合或平行的状态。古埃及人只画从侧面看到的脚，即使这个人的上身是按正面画的；古希腊人也是到很晚，才学会用短缩法画正面看到的脚。 　　如果我们只画我们知道的东西，那么，光线怎样是无关紧要的。但如果我们要画当下我们的视觉中呈现的事物，那光线就变得至关重要了。光线在绘画中的重要性是随着对视觉真实的追求产生的。有光才有色，有光才有层次，有光才有形体的不同的面。有光即有影，有影即有光，光与阴影相互依存，光是表达形体与空间的最重要的手段。一束光照在物体上，会出现复杂的反光、折射，当来自不同方向的光线出现时，处理事物形体上的明暗就更为复杂。不过，也正因为光线的挑战，文艺复兴时期的绘画在迎接这一挑战中，创造了一种非凡的艺术——光影法。 　　光虽然是变化最快的、最自由的，但光在物体上的反射却是最遵循规律的。在光的来源和被照射物体产生的明暗关系上，有明确的、严格的规律可以遵循。正是在这样的严格的规律中，物体形成了由光与影相互衬托所呈现的立体形象。当然，对这种规律的掌握需要观察和练习。西方绘画在文艺复兴时期，由于需要对光线下实景的描绘，就产生了新的训练方法：安排某种固定的物体，在固定光线下来画。这就是我们现在所熟悉的石膏像、头像或人体素描。这种素描训练的主要目的，就是学会在光与影的辩证关系中，描绘物体的具有立体感的形象。 　　光线下的物体除了明暗的变化，物体不同的面在受光以及自身材质的特点，会使物体形成更为复杂的色彩变化。因此，要描绘光线下的物体，就必须去描绘这种色彩的变化。文艺复兴时期的画家发明了一种叫做“透明色层”的技巧，去