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眼见不为实―暗室与明室中摄影 　　2012年10月份，纽约的大都会博物馆举办了一个名为《伪造：Photoshop之前的摄影操控》（Faking it： Manipulated Photography before Photoshop）的摄影展。顾名思义，这里展出的所有的照片都是在某种程度上被修改、处理（manipulated）过的。与此同时，在它对面的展厅里举办的是名为《Photoshop之后：数字时代的摄影操控》（After Photoshop： Manipulated Photography in the Digital Age）的摄影展。值得注意的是，《伪造》这个展览的赞助商是Adobe公司―Photoshop软件的发明者，这是他们第一次赞助博物馆里的大型展览。在Adobe公司所做的展览陈述中提到，“自从Photoshop在1990年发行的20多年以来，Adobe就被斥责这款软件破坏了摄影的真实性。”而他们之所以对这个展览感兴趣，就是想借此机会来让人们看到，在Photoshop诞生之前，修改照片就已经被广泛地应用于新闻、政治、广告、商业、艺术等各个摄影领域，只不过那时的修改是在暗室中实现的。摄影的真实性所遭到的质疑自从其诞生之初就一直相伴左右，Photoshop的出现只不过是将这个问题再一次带到了公众眼前，所有相关的问题从暗室挪到了明室。 　　最早的“后期”处理 　　摄影的真实性最初依赖于其自然性，也即摄影是一种脱离人们主观控制的纯粹客观复制。无论是尼埃普斯（Niepce）还是塔尔伯特（Talbot）都将摄影归功于自然的手笔，尼埃普斯称其为“阳光书写”（Sun Writing），塔尔伯特则称它为“自然的画笔”（Pencil of Nature）。不过他们都无法解决的问题是，照片是单色的，这是与所谓真实的彩色世界不同的。于是最早出现的对照片进行处理的手段就是手工着色。这完全是为了克服摄影最初的局限性而诞生的，摄影师们在试图通过着色来让摄影更加接近人们所看到的世界。不过即便如此，此时摄影的真实性还没有遭到质疑。随着技术逐渐完善，摄影师们开始考虑摄影在艺术中的地位，于是各种“后期处理”技术也就随之出现了。由于早期的感光材料对于蓝色和紫色比较敏感，使得摄影师们几乎无法拍出一张曝光正常的风光照片，他们为此找到的解决方法则是在同一地点拍摄两张照片，分别对天空和地面上的静物进行正确的曝光，再在后期通过合成将两张照片叠加在一起，这就是现在Photoshop里面HDR技术最早的应用。19世纪中叶，对于运作更加成熟的商业摄影师诸如美国的卡尔顿?E?沃特金斯（Carleton E. Watkins）和法国的爱德华?巴尔杜斯（EdouardBaldus）来说，他们会专门拍摄各种各样的天空作为自己的素材库，以便在后期合成的时候使用。这一方面可以解释为他们希望以此来“真实”地表现出他们眼睛所见的风景；另一方面，这些风光照片多数有商业目的的，一幅如此“完整客观”地复制出自然景观的照片更加符合当时人们的画意审美传统。 　　提到早期的合成照片，有两个英国人是肯定绕不过去的，奥斯卡?古斯塔夫?雷兰德（Oscar GustaveRejlander）和亨利?佩奇?罗宾逊（Henry Peach Robinson），两个人的代表作也都出现在了这次展览之中，分别是《人生的两条道路》（The Two Ways of Life，1857）和《弥留》（Fading Away，1858）。如果说沃特金斯的合成更多的还是为了商业目的，雷兰德和罗宾逊则纯粹是为了艺术的目的。由于摄影的易操作性和可复制性，19世纪末的评论家们将它视为一种机械手段而非艺术形式，这里面话说得最绝的一位就是查尔斯?波德莱尔（Charles Baudelaire），他认为摄影只是艺术和科学的奴仆。为了证明摄影的艺术性，雷兰德和罗宾逊在构图和主题上都采取了模仿传统绘画的形式，让摄影不是简单的按一下快门，而是需要精确技艺的艺术手段。罗宾逊的这张照片由5张原始照片合成，而雷兰德的素材则有30余张照片之多。罗宾逊认为摄影的真实性并不体现在被镜头捕捉到的那一刻，相反，他认为通过后期处理将一种想象中的真实（幻象）以一种令人信服的形态表现出来才是真实的。这是毕加索口中的“一个讲述了真实的谎言”。一方面，雷兰德和罗宾逊对于传统绘画的模仿体现了他们对于摄影自身语言的不自信，合成方法的背后是纽约现代艺术博物馆前摄影部主任彼得?加拉西（Peter Galassi）在1981年出版的《摄影之前：绘画和摄影的发明》（Before Photography： Painting and the Invention of Photography）一书中所说的绘画时代的构图理念；另一方面我们也能从中看出，在摄影史的早期人们对于影像操控的