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剖析中国画之墨色观及语言形态 　　经过多年来的传承和发展，中国画已经成为我国独特的优秀传统艺术文化表现形式，而且在世界艺术文化宝库中也是美丽的瑰宝。对于中国画而言，墨色是极为重要的视觉元素，中国画的精髓也就是墨色相衬，不浮不滞。实际上，墨也是一种色，墨色独特的表现力赋予了中国画独特的丰富意味，如果将墨色作为一种语言形态探究中国画的发展，相信会进一步推动中国画艺术的快速发展。 　　中国画是我国历史比较悠久的传统绘画形式，风格比较独特，艺术成就极高，民族特色比较鲜明，备受中国人的喜爱，是世界绘画艺术的一大瑰宝。中国画在长期发展过程中已经形成了自己独特的艺术风格以及表现形式。中国画并不是水墨画，也不是色彩画，是介于两者之间的一种画种，对于中国画而言，墨、色是极为重要的视觉元素，而且墨色两者是相互映衬的，色中有墨，墨中有色，墨色不浮不滞。中国画的意象性非常强，不管是点、勾、染、擦，还是中国画表现的面状、线型等都具有一定的意象性，艺术表现力非常强。中国画的画家创作主要是为了将客观描绘对象的神韵传达出来，表达画家的内心情感，进而营造一幅幅意境。下面笔者主要介绍了在不同时期，中国画的墨色观发展情况，分析了中国画墨色表现力的基本特征，最后分析了墨色在中国画中的实际运用。 　　不同时期中国画墨色观发展分析 　　1.传统中国画的墨色观发展 　　在我国奴隶社会就已经开始出现中国画墨色，人们在那个时期仍然处于初级人类文明发展阶段，因此当时的人们对于墨色的认识并不深入，以单纯的黑白为主。黑色两种简单的颜色可以算是最原始的一种色彩直觉，那时候的人认为黑色将自然界万物都包含进来了。到了秦代，这种黑白审美观念成为了一种非常重要的用色之道，但是随着朝代的不断更迭，墨色也在不断发展。墨色在南北朝时期的发展有了进一步递进。宗炳曾经在《画山水序》中说过，“以形写形，以色貌色”，这句话实际上也是在说明色彩对于塑造对象、表现对象、突出对象的重要意义。谢赫（南齐时代）曾经也在《古画品录》中说过“随类赋彩”的理论，这对于我国古代绘画墨色的应用发展造成非常深远的影响。“随类赋彩”提炼、概括了客观对象的形象、色彩等多种因素，从而展现出画家自己主观情感下感受到的物象，进一步升华了自己当前掌握的自然规律。“随类赋彩”中的“随类”要求画家必须自己深入观察、分析客观物象表面的色彩，掌握客观物象的内在色彩规律性，然后再根据自己的审美趣味以及主观情感提炼出客观物象表面的色彩进行应用，确保色彩和绘画作品的和谐、统一。墨色在隋唐时期得到了飞速发展，特别是在盛唐时期发展到了顶峰，在这个时期内，很多文人墨客在创作中不单单会广泛应用到墨，同时也应用了各种各样的矿物质色彩，比如盛唐时期的重彩工笔画以及敦煌壁画等都是比较优秀的作品。其次，在这个时期，青山绿水画、花卉画、人物画等作品也往往习惯性的采用色彩进行铺排、晕染，为整幅绘画作品增添了很多活力以及艺术魅力，这对于我国中国画发展而言也具有极其重要的推动作用。比如，李思训的山水画风格素来都是以青绿为衣，以金碧为纹。因为中国画中增加了色彩的用量，也使得中国画色彩的艺术表现力大大增强。进入中晚唐时期后，中国画墨色的作用越来越突出，墨色的应用也越来越广泛。对于这个时期墨的运用，张彦远用六个字进行了概括――“运墨而五色具”（出自《历代名画记》）。通过长期历史的发展，墨的运用已经演变成中国画的一种主体语言，以墨代色，随之也衍生出了“墨分五色”的说法，实际上“墨分五色”就是指墨的变化，具体是指清、淡、浓、焦、重。将墨作为一种色彩，描绘形貌，如果在绘画艺术角度分析也是强调应该在创作的过程中将自己的主观意识充分发挥出来。 　　自从定格了“五代双钩填彩”以及“落墨画法”后，五代十国的绘画墨法也越来越丰富，而在整个时期，水墨画、水墨淡着色山水画也逐渐发展成熟。到了两宋时期，相对于隋朝、唐朝以及五代而言，中国绘画墨色又得到了一个新的发展，绘画墨色风格越来越多。在这个时期，宫廷绘画发展非常繁盛，而且也兴起了文人画。“水墨渲染”对于笔墨意韵非常注重，也是当时国画的一种主流趋势。到了元代，墨色又继续朝着水墨领域进一步发展，墨法也是越来越丰富，当时的人们非常推崇抒发主观意兴，这也大大提高了墨色的审美境界。很多画家在创作写意花鸟画的过程中，会采用墨色将多姿多彩的物象生动的表现出来，其实墨色实质上是指彩色。进入明清时代后，水墨大写意得到了很大的发展，在明代花鸟画领域中，最有代表性的水墨写意画法画家就是青藤和白阳，他们也使水墨发展到了高峰。而清代石涛、八大山人的墨色可以将画者的审美观念以及内心情感表达出来。 　　2.近现代中国画墨色观的发展分析 　　墨色的运用及其表现力在近现代更加丰富，比如，我国著名近现代画家――张大千他多次临摹敦煌壁画，绚烂多彩的色彩应用也启发了他对于