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中国油画语言中的写意精神 　　摘要：中国的油画发展到了当代，不断地涌现出具有个性特质的风格、语言及油画图式。人们在越来越多的图像涌入的过程中，探索种种创作方式的可能性，过去单一的创作模式在不断地被冲击和打破。人们开始重新审视西方的艺术，重新审视现实主义和自身所具有的传统精髓。在当代的油画界，众多的油画家们在油画语言的探索中主动吸收和借鉴中国传统绘画中的写意精神来丰富自己的语言深度和凸现自己的文化特质，将中国的写意精神用不同的方式和情感嫁接在画布上，使凝重艰涩的画布上充溢着中国文人的气质和魅力，使中国油画在语言上的民族化探究步伐也在不断地成熟和向前迈进。 　　关键词：油画语言；吸收；探索；写意精神；艺术特征；美学意义 　　中图分类号：J213 　　文献标识码：A 　　文章编号：1003-9104(2009)07-0119-04 　　 　　一、写意精神作为传统中国文人画的精髓 　　 　　“意象”一词最早见于刘勰的《文心雕龙?神思》“使玄解之宰，寻声律而定墨；独照之匠，窥意象而运斤。”这是一种依靠人独特内心的审美观的写照，是在想像与情感的共同作用之下把主体性的审美意象与形象的外在特征共同融合而成的审美心象，这种意象观在中国古代的文学、哲学、艺术等不同领域都起着极为重要的作用。古人在艺术作品的创作过程中把意象建构于主体的思维过程之中，将现实的感受进行主观联想式的加工、重组和变形，最后创造出新的审美形象。这种创作方式在中国古代的文人画创作中显得尤为突出，古代文人画家把意象中的超越感性而又不脱离感性，超越自然而又不脱离自然的方式作为创作的基本法则。通过在自然中的观象，以达到主观意义上的取象，把客观的存在转化为主观的情感意象。 　　在中国文人画的三大类别，即山水、人物、花鸟这三大传统画科的发展进程之中，意象始终做为一根主线贯穿始终，魏晋时期的宗炳《画山水序》中提出“旨微于言象之外者，可心取于出策之内”，表达了象外之象，象外有意的观点，此后的中国画家便把这种象外之意作为艺术追求的最高理想，而佛教和道教的哲学思想更把意境说推向高潮。苏东坡则在他的诗句中生动地流露出了自己对绘画中存在的意境说的看法，他说：“论画以形似，见于儿童邻”，这种在当时极富个性的论点，深深地影响了之后历代的中国画家，在齐白石“作画应在似于不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”的观点中，我们仍可以看到苏东坡绘画意境说的深刻影响。把意象作为首要的表达对象的创作方式，成为历代文人画创作的根本立足点。我们从历代的文人画作品中，都可以深刻地体会到古代的画家们心与自然、主观与客观融合的无间、圆满自足，以实现由传物之神到传我之神，从象中求意到象外求意的转变。在老庄的道家思想及禅宗的空灵境界的影响下，中国的文人画达到了一个精神内化的极致之美，也从而窥探出中国的知识分子心灵中的幽情壮彩。而这种心与物化、神与物游，心与道冥、神与禅示的意境感受也奠定了中国的艺术家最为根本的精神特质，使得后来的西学东渐的油画之风吹拂神州大地之后，也并没有把这种意象情怀从这些油画家的心灵深处抹去。 　　 　　二、写意精神在中国现当代油画语境中的呈现 　　 　　写意精神作为中国传统文化艺术中的典型特征，这种精神特质也就自然成为和西方文化艺术的特征拉开距离的一个依据。在中国油画的发展过程中，这种文化艺术的差异性吸引着几代中国油画家去冥想、思考和探索，并为此付出了大量的精力和心血。探索两种完全不同的绘画在融合中的种种可能性，对中国油画家而言，中国绘画中的写意精神便成为首先思考并取而用之的基本元素。 　　中国传统绘画中的写意性自宋代起开始有了初具规模的面貌，在山水、花鸟、人物画中都有较为突出的表现样式和画家，宋代的绘画在较为理性的儒家文化的政治强压下所展现出来的艺术形式大多是较写实的工笔画。作品整体来看都是理法森严，这一方面是因为宋代理学的盛行，另一方面也是因为宫廷画院的倡导。更多的画师来自于宫廷画院，为皇帝和政治服务。在思想上就会相对紧张，其表意性就会大大减弱。然而，这种画风的盛行同时也催生了一批具有野逸反叛式的艺术家，他们不同于宫廷画师的严谨细致、富贵气息和完备周全的技法程式，而更多的是以抒发内心的情感为主要目的，将内心的冲动和情怀用最为简洁的语言来展现。由此，写意画风便逐步浮出水面，继而在以后的几百年中统领着整个中国画坛，使写意精神成为中国绘画的灵魂。 　　中国的油画发展到了当代，油画界不断地涌现出颇具个性特质的风格、语言及表现图式。人们在越来越多的图像涌入的过程中，探索着种种创作方式的可能性，过去相对单一的创作模式在不断地被冲击和打破，权威也被一股股创新的浪潮所颠覆、推翻和重建。人们开始重新审视西方的艺术，重新审视现实主义和自身所具有的传统精髓。新的样式在不断地取代旧的模式，而愈