康定斯基绘画艺术中表现形式.docVIP

康定斯基绘画艺术中表现形式【摘 要】“各门艺术同出一源。因此，凡艺术都大同小异。”这是抽象绘画鼻祖康定斯基的艺术观点，从中我们可看出他的思想已远远超过了单纯绘画的范畴。在康定斯基的作品中我们既能感受到点、线、面、汇聚成的音乐美感，也能体会到色彩构成的音乐旋律。他可称为绘画元素与音乐元素的最佳融合者。一个优秀的画家可以把听到的声音或对音乐的感悟通过联想，创造性地用色彩、线条和图形表现出来。这是一个音乐与绘画的撞击过程，也是设计理念更人文、更富内涵的升华过程。 【关键词】音乐 绘画 联感 共性 个性 【中图分类号】J205 【文献标识码】A 【文章编号】1006－9682（2012）06－0103－01 一、点、线、面汇聚成的音乐元素 1926年，康定斯基发表了他的第二部重要论文《点、线、面》，是《论艺术的精神》的有机延续。康定斯基在《点、线、面》中对绘画的各个要素都做了详细的论述。我们在此做一个简单的描述，说明这些绘画要素和音乐要素之间的对应关系。 点，具有最简洁的外在形态，而内在地理解时，又体现为向心的紧张性。点在纯粹的绘画中的内涵是无限之大的。从点的外在性和内在因素的多容性来看，纯粹的点就能过构成一幅作品：当一个点被置于平面的中心，或非中心的构成，或者在平面上逐渐增多点的构成，但产生出来的效果却不同，这取决于不同的需要。音乐的点的作用不管是用来定音还是用来伴奏，都是必不可少的。所有的单音都是单个的点，它的非连续并置即构成曲子。 线，是由点在连续并置或者运动而产生的，它体现了内在活动的性质及方向。线在康定斯基作品中的意义，以及它带来的音乐效果同点一样是积极的。线的波动、线的粗细变化体现了一定的音乐意义，线的多重复合又产生更加复杂的音乐意义。与此对应，音乐又具有线的性质，各种乐器固有的音的高度，可以用线的宽度来表示，小提琴、长笛、短笛等发出的音形成极细的线条。中提琴、单簧管则发出略粗的线条。再者，低音乐中那幅度慢慢由窄变宽的线，也就是达到低音大提琴、铜喇叭的最低音的线。不仅是宽度，而且在色调上，给人以各种色彩感的线，也可以由各种乐器音色来表现。而旋律本身也体现为线。 二、绘画实例分析 1910年康定斯基创作了第一幅抽象水彩画，同时这也是现代绘画史上第一幅抽象绘画。画面上，所有具象的绘画的描绘性因素都不见了，大小不同跳跃的点，不同方向和力度的运动的线，粗野、激荡。色彩与线条、形状相互穿插，让我们感受到一种内在的力量从画面中涌现出来。这一年，康定斯基完成了他的关于抽象绘画的重要论著《论艺术的精神》，开启了抽象绘画的序幕，明确了他的创作原则，即内在需要原则。 所谓的“内在需要”原则，在康定斯基的理解中，与音乐在本质上有相似性。康定斯基认为音乐和绘画一样都是表达和宣泄感情的最佳工具，正因为如此，他认为这两种方式是相同的，或者说在一定程度上他们是可以相互表示的。康定斯基不但在《论艺术的精神》中，大量用音乐来作为论证中普遍存在的抽象性，更在他的艺术实践中把音乐与绘画糅合在一起。他将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，在他看来，色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。他用色彩来展现音乐中的心灵震荡的效果，并直接到达精神深处，是那些只将眼光盯着客观世界的艺术家们所不具备的能力，这是一种直接倾听和再现“内在声音”的能力。 三、色彩构成体现了音乐的美感 康定斯基在1913年创作的《构成第七号》可称为音乐狂想曲。这是他作品中画幅最大的一幅，也是超越他以往其他作品的杰出成就的作品之一，因此用“狂想”来形容也不为过。初看这幅画时，给人的感觉是异常迷乱，同时也可以感受到康定斯基构图的技巧，因为画面中有着无数的重叠和变化的布局。并且每一个形体都有着自己的法则，每一个法则又在这个整体中发挥着强大的冲击力，使画面本身充满着律动感，又如同一部伟大的交响乐。在画面中较为突出的是，画面中央出现的黑色的点和线，像旋风一样牵动着整个画面的色彩，具有强烈的倾向性。 康定斯基强调了绘画和音乐之间的联系。他认为，虽然音乐必须在时间中产生，绘画必须建立在平面之上，但这两者之间的共性依然存在。例如心理学的实验表明：当一个受测验者随着乐曲的弹奏，他能够准确地根据声音来选择放在他面前的各种与之相对应的颜色。比如当弹奏高音区时，他往往选择明亮而温暖的色阶；当弹奏低音区时，他则选择深谙和寒冷的色阶。这就是心理学的“联感”理论所指的，从一种感觉反映到另一种感觉反映的直接转移。由于人们内心中存在着这种“音乐——绘画”之间的“联感”，所以，康定斯基认为绘画也应像音乐一样，不是通过事物的表象，而是以各种基本的色彩，通过形式的规定，来反映和表现人们的内在感情。康定斯基的绘画艺术经历了几个探索的阶段，逐渐从表现的和即兴的，向构成和