勋伯格与他弦乐十二音序列之旅.docVIP

勋伯格与他弦乐十二音序列之旅 　　阿诺德·勋伯格——一位真正具有创新与探索精神的时代先驱，他的音乐与创作理念不仅颠覆了传统意义中的调性蕴意，更对二十世纪的音乐发展产生了极为深远的影响。 　　1874年，勋伯格生于奥地利维也纳的一个犹太家庭。虽然家境较为窘困，父亲又于他十六岁时离世，但这些不利因素都未能熄灭一颗炙热的音乐之心。八岁时，勋伯格开始学习小提琴。之后，他学习了大提琴并逐渐尝试作曲。那时的勋伯格是音乐会的常客，每当有音乐会或歌剧演出的信息传来，这位少年便会如饥似渴地赶往演出场地，并不断得到音乐艺术的熏陶。在一次偶然的机会中，勋伯格结识了作曲家亚历山大·策姆林斯基，在他的指导下学习了几个月的对位法。自此，勋伯格便开始了自己的音乐创作生涯。让人不可想象的是，这竟是勋伯格所受到过的唯一的正式音乐教育了。 　　历史或许是偶然，更或???是必然？ 　　1897年，勋伯格的处女作《D小调弦乐四重奏》问世。由于深受十九世纪末几位德奥作曲家的影响，这部作品体现出晚期浪漫主义半音化的特点。顺着这条线路发展下去，勋伯格于两年后完成了他的传世之作《升华之夜》，该作品在首演后获得了巨大成功。与此相同，1900年他开始着手创作的《古雷之歌》也为他赢得了广泛的声誉。1910年，勋伯格到维也纳担任了音乐学院的和声老师。此后，他频繁穿梭于两地之间，教学活动也从未终止。 　　对于普通人来说，未来似乎就此定位。但在命运力量的推动下，勋伯格却注定异于常人。随着创作中调性扩张与分裂的越发淋漓尽致，他的作品在音调结构上变得越发让人无从捉摸。终于，在1908年所作的《钢琴曲三首》及声乐套曲《空中花园之篇》中，矗立百年的调性音乐规则在勋伯格的世界中轰然倒塌，无调性的大旗被高高举起并与从绘画、诗歌中萃取的表现主义美学思想遥相呼应。这两部作品的上演曾在当时激起广泛的争议，反对者对其进行猛烈地抨击，拥护者则显示出强烈的推崇。勋伯格本人也由此成为了一种新的音乐流派——表现主义乐派的奠基人。其后的十几年中，这种无规则重表现的创作手法亦在他的作品中不断深化。独幕独唱剧《期待》（1909）、白说唱《月迷皮埃罗》（1912）等，均表现了人物主观的复杂情感，如绝望、恐惧、紧张、痛苦，音乐语言夸张、变形、怪诞。 　　第一次世界大战时，一腔热血的勋伯格曾应征进入奥地利军队中服役。战后，他又在柏林的普鲁士艺术学院继续着自己的教学生涯。1918年，勋伯格在维也纳成立“非公开音乐演出社”，谢绝评论家参加，事先不公布节目，禁止鼓掌。1920年后，经过长期探索，他在无调性音乐的基础上，找到了一种组织音乐材料的新方法，形成了所谓的十二音序列音乐。作曲家用半音阶中的十二个音，自由组成一个音列，音列可以原形使用，也可以逆行、倒置、倒置逆行。这四种音列形式可移置于半音阶的任何高度，从而形成四十八种样式。音列中的各音（全部或部分）既可相继出现形成曲调，也可同时出现形成和弦，以此构成全曲。勋伯格后期基本上采用十二音序列技法进行创作，而这种作曲方式也成为了二十世纪几种最为知名的作曲技法之一。其中较为重要的作品有：《乐队变奏曲》（1926-1928）、《小提琴协奏曲》（1935-1936）、《钢琴协奏曲》（1942）、《一个华沙的幸存者》（1947）、《摩西与亚伦》（1951）等。1933年，由于其音乐被纳粹指责为毒害德国青年，勋伯格被迫远赴美国。在那里，他继续着自己的教学活动，并先后任教于南加利福尼亚大学和洛杉矶加利福尼亚大学。 　　在音乐创作以外，勋伯格的教学与理论也达到了极高的水准。他的两位学生贝尔格、韦伯恩都成为了二十世纪重要的作曲家，并和他一同被称为“第二维也纳乐派”，以有别于海顿、莫扎特与贝多芬的“第一维也纳乐派”；而他的理论著作《和声学》（1911）、《音乐创作基础》（1948）、《配器学》（1949）、《和声的结构功能》（1937-1948）也都具有很高的学术价值。 　　唱片所收录的第一首乐曲是勋伯格在1926年所作的《第三弦乐四重奏》（作品30号）。这是一首完全采用十二音序列技法写作的作品，1927年在维也纳进行了首演。全曲共分四个乐章：第一乐章为中板，乐曲开头由最初的序列音型作为乐章发展的主要动机。之后，第一小提琴与大提琴奏出了音列中其他稍作自由调整的音，表现出了粗犷的主要旋律，这两种要素成为了第一主题发展的主要动力。经过活跃节奏型的发展部，乐曲进入了再现部，第一主题由大提琴率先奏出，在其后大部分时间内音乐的进行以音列的反向排列作为动力。最终乐章进入尾声，八分音符俨然是这里的第一要素。第二乐章为慢板，由主题与不同变奏组成。在主题中，前半句为缓慢的节奏，后半句则常使用较小的音型进行表现。变奏曲中，节奏的进行越发细小与零碎，而当又回到开头的音乐形态时，乐章却神秘地消失了。第三乐章