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在欣赏中理解中国山水画特点 　　中国山水画是描写大自然景物的图画，是中国画分科中的一门，简称“山水”，以描写山川自然景色为主体而得名，在中国绘画史中占有极其重要的地位，在中国人的传统观念中，山、水、“江山”，都不仅仅是自然风貌，还是祖国的象征。 　　在初中美术教材中，对于中国山水画的学习，教材选择了不同时代、不同风格的中国山水画作品供学生欣赏。目的在于让学生对中国画的精神与特点有一个整体的了解，逐步体验山水画特殊的韵味和审美情趣，从中感受中国传统文化的魅力，认识美术的文化性与历史继承性。下面笔者就教材中的作品欣赏，谈谈对中国山水画特点的理解。 　　一、讲究意境，达到情景交融 　　“意境”是山水画的灵魂。意境并非山水画所独有，但对山水画来讲显得尤为重要，对意境的创造也是山水画家毕生追求的艺术境界。因为画家描绘的景色总寄托着一定的思想感情，即将自然视为有生命的、有灵性的物体来对待，将情与景有机地结合起来，包含进深厚的、耐人寻味的意蕴。李可染先生说：“意境是客观事物精粹部分的集中，加上人的思想感情的陶铸，经过高度艺术加工达到情景交融，表现出来的艺术境界，也就是诗的境界。”唐代诗人王维说：“画中有诗，诗中有画。”画中的诗境也就是意境。自古以来，中国山水画家笔下的山水画是理想化的山水，诗化了的山水，他们将自己的理想和情感同客观的景物相统一，进行巧妙的构思，以诗人的情怀匠心独运，进行高度加工处理，创作了许多优秀的山水画。 　　教材中的《渔庄秋霁图》，作者倪瓒以平实简约的构图、剔透松灵的笔墨，表现出的是一种幽淡荒寒的意境。整幅画不见飞鸟，不见帆影，也不见人迹，一片空旷孤寂，却给人一种林泉生活的闲情野趣，一种平淡天真、高洁空疏的思想境界。而林风眠的《秋鹜》，画家在方形的构图中，创造着令人神往的意境。清淡的笔墨，表现了风吹芦苇和逆风中仓惶飞离苇塘的秋鹜，画面给人以广阔的遐想天地。由此可体会到“意境”是山水画的灵魂。中国山水画讲究意境的创造，如果没有作者的理想和感情同客观的景物相统一而产生的境界，只用技法，不用思想感情作画，画出来的是没有生气、没有灵魂的，因为它缺乏感染力，绝不是一幅好的山水画。 　　二、讲究笔墨用线，达到写形传神 　　“形”是指可以被视觉和触觉感知的景物的实体外貌。“神”是指审美对象内在精神的本质属性和外在神态情状的个性特征，以及作者创造艺术形象所注入的主观思想感情。大自然的一草一木、一山一水皆有其形，又有其神，写形传神乃是中国山水画创作的基本要求。然而，中国山水画是以墨线为造型的主要表现方法，虽然笔墨在画面上所表现的形式有点、线、面相互配合应用。但是，用以表现画面上的基础形象是以墨线为主体。所以，中国山水画的造型特点，主要见于笔墨用线上，用线离不开对笔墨的运用。古人说：“有笔有墨谓之画”，中国山水画对笔墨的运用十分讲究，尤其讲究用笔，并表现出各种景物的形象轮廓、质感、神采。另外，山水画还讲究墨法，俗话说：“笔为墨之骨，墨为笔之肉”“笔为墨帅，墨为笔充”。笔墨两者不可分，而墨法在于用水，正如“用墨之妙全在水”。因此，笔、墨、水三者是鱼水关系，笔墨关键在于水，用笔用墨的同时，决不能忽视水的作用。 　　如中国现代画家李可染，他在40年代的作品中留有朱耷、董其昌的影子，清疏简淡，是一种线性笔墨结构。50年代以后的作品，借助于写生塑造新的山水意象，由线性笔墨结构变为团块性笔墨结构，以墨为主，整体单纯而内中丰富，浓重深厚。他从古今大师那里汲取了沉雄风格的营养，又迥然不同于他们，形成自己的艺术风貌。如教材中的《万山红遍》，其用浓重的积墨法画出的浑厚，又如傅抱石、关山月的《江山如此多娇》，千变万化的笔墨趣味，形成高度艺术性的线条美，运用轻重、粗细、虚实的墨线，表现了气势磅礴、雄伟壮美的祖国山河。而吴冠中的《山村》，用传统的笔墨，描绘了山下的小村，通过线的流动，墨与白的穿插，表达了对祖国山河的一片深情。这一切都充分体现了画家十分讲究笔墨用线，加上中国绘画工具的特殊性能的配合，使画家高度提炼的线性得以充分发挥，获得千变万化的笔墨趣味，形成高度艺术性的线条美。故此，山水画要达到写形传神，要用好线，必须重视笔墨的运用。 　　三、讲究构图，不受透视的束缚，以表现丰富的艺术效果 　　中国山水画在构图上的特点，是不受焦点透视的限制的。作者可以根据自己的创作意图，打破焦点透视的视域范围去摄取景物，可以用以大观小之法，从宏观角度俯瞰世界；也可以用以小见大之法，从微观角度挖掘自然的精华，在有限的画面上，表现出无限的景与情，表现丰富的景物和大的境界气势，即“咫尺千里”，要非常慎重地利用有限的画面，讲究构图。在《渔庄秋霁图》中，其构图具独特的“三段式”平远构图法。上段为远景，三五座山峦平缓地展开；中景是一片浩瀚而平静的水面，不着一笔，以虚为实；下段为近景，坡丘上几