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浅谈自画像中精神 　　【摘 要】 本文透过对艺术家自画像这一人类历史文化现象的研究分析，揭示出艺术家自画像背后的意蕴。艺术家的自画像是艺术史上一处不被后人重视的田园，这里曾流淌过许多艺术家辛勤工作的汗水，也是艺术家们内在的情感、精神、意志的、内心的独白，流露出他们对交流的渴望、对生命的眷恋。 　　【关键词】 自画像；自我审视；精神品质 　　 　　一、自画像历史概述 　　 　　艺术家为自己所绘的肖像作品，称为自画像。 　　自画像是肖像画中的一种形式，是画家通过对镜子里的影像来观察、刻画自我的形象。美术史上许多画家都喜欢这个题材，艺术家在这一形式上有很多很早就有尝试。在以往学者的研究中我们得知，“以往的艺术家自画像的历史可以追溯到埃及法老艾赫那吞（Akhenaten）的雕塑家巴克（Bak）早于公元前1365年前后已完成雕刻自己与其妻塔和里（Taheri）的作品；法国艺术家让、富凯（Jean Fouquet）于1450前后创作的自画像或为西方传统中现存的最早的自画像。”自画像在文艺复兴时代为人瞩目。当时，艺术家被视为优秀乃至卓越的个体。复兴时期的三位杰出的艺术家，达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗，都为自己做过精美的自画像，从16世纪中起，艺术家们开始选择表现他们自己工作的场景，在画架旁边，手持调色板和画笔，拿着画杖的状态。几个世纪以来，无数画家耕耘于这一题材，文森特凡高、雷诺兹（Joshua Reynolds）、弗里达、卡洛（Frida Kahlo）等尤其留下数量可观的自画像。卡洛竟然画了一辈子的自画像，一个患小儿麻痹残疾人 　　，她以这种形式记录了自己的一生，顽强的与疾病抗争的一生。艺术史上我们还可以看到出现了更多的画家自画像。艺术家喜欢描绘自己的形象，是自我意识的觉醒，在寻求人的自身价值。艺术家从工匠中独立起来，体现了个人的社会地位。起初，画家是在一幅主题性绘画 　　[TP;S*2;X*2;Y1,Z,PY] 　　中把自己的肖像留在某一角落里，就像中国画家完成作品后在画的角落里盖上一枚自己的名章似的。这样的自画像不仅张扬了艺术家独立的意识和个性，并保存了有价值的文献。17世纪荷兰伟大的画家伦勃朗，一生中画过上百张的自画像，19世纪法国古典主义画家安格尔， 　　浪漫主义先驱德拉克罗瓦，19―20世纪后期印象主义画家凡高、赛尚、高更，以及立体派画家毕加索，许许多多的画家都画过自画像，他们除了记录自身形象的特征外，还如实地反映了艺术家自我的精神面貌。那么是什么原因促使他们对这个题材如此的迷恋呢？ 　　 　　二、自我审视 　　 　　达芬奇最早的把自己的画像独立起来，把自己画成了一个独立思考的哲人形象，紧绷的嘴角表现一种忍受人类苦难和命运熬煎的精神。达芬奇说：“画家要追求的不仅是人的外貌，还要追求其内在的精神”，观看达芬奇的自画像作品，那深邃的目光仿佛在审视着你，审视着每一个灵魂，他在发问：我是谁？宽阔的额头智慧的象征，嘴角带着一丝不屑，看出他的自尊与傲气。 　　“我从哪里来？我到那里去？我是谁？”――画家高更先生的发问。法国后期印象主义艺术家高更曾经画过一幅作品，画的名字是：“我从哪里来、到哪里去、我是谁？”表达了他对人生的困惑。我想这不仅仅是高更先生的困惑，也是我们人类自身的困惑――一种对人生的茫然。 　　这个提问表面上看：是对过去、现在、将来和自身的一种提问，实质上是人类通过大脑的思辨来思考人生――是对自我灵魂的一个审视，这也是一个悠久的、古老的问号。 　　按通常的说法：是艺术家的自恋情结的反应；二是艺术家找不到模特，只好依靠画自己来磨练技艺。表面上看这两种观点都解释的正确，但实质上却不尽然。 　　自画像不仅仅是一幅画像，更实质的是一个灵魂精神的写照。是画家对自身生存状态的自我审视，也是人类对自身提出的疑问。 　　欣赏这些自画像作品，每次我都能从中发现些什么，这些发现给了我许多的动力，既满足了我对艺术家本人的好奇又给我提供了许多对其人生、思想的种种想象。观察它们的轮廓、他们的眼神、嘴角、笔触、线条、色彩和画面的斑痕甚至最微小的细节，我会有许多发现，我看到了什么？我想这不应该只是看，这样太过于简单，应该去凝视。通过凝视我们注意到艺术家的精神与意志的光芒，深邃的目光、那么有穿透力。这是一种对人生的洞察，对自我灵魂的审视，那眼神中仿佛在问？我是谁？找回自己、确认自己的身份，是一件苦恼的事情，人来到世上思考是人类对自然的一种本能地反映，作为个体的人是弱小的、孤零的一个，人生又如此的短暂。确认自己的存在是人类的本能。 　　纵观艺术史，艺术家们的自画像象一片森林，我们从其中感受到的是生命存在的意义。精神存在的状态、人的灵魂能被描绘么？这就是我们想要研究的一个问题。在我国北方民间就有一种迷信习俗，当地称它是“叫