在空间里挂什么画，才能帮他们摆脱忧郁？.docVIP

在空间里挂什么画，才能帮他们摆脱忧郁？ 　　每个人都有心情低迷的时候，不过有人低迷的时间长，缺乏特定原因，且莫名觉得焦躁、厌烦、无意义、缺乏生命热忱，这种心理状态在医学上被判定为拥有情绪抑郁倾向，更严重者被归类为抑郁症。 　　艺术一向有精神疗愈的功能。绘画与摄影等，作为“再现”生活的艺术门类，对于疗愈心灵伤痛有着不可替代的作用。一幅优秀的画作，其色彩、造型、构图、激情常常能唤起观者隐秘的内心体验，在静态中唤醒相关记忆与无穷感受。因而会有人在梵高的向日葵前莫名流泪，在德加的芭蕾舞女中回忆青春，在席勒和蒙克的画面前看到人性的创伤、欲望、无助，在夏加尔的笔触里读到甜美与天真烂漫。 　　那么，在日常空间里要帮忧郁的人缓解忧郁，适合挂些什么画呢？ 　　朦胧光亮的希望 　　说到适合抑郁心情观看的画，我立即想到了“印象派”。 　　说起“印象派”的得名与缘何伟大，不得不在此插播点艺术史。 　　在印象派之前的传统艺术习惯是，艺术家集中于在人为条件下去再现人或自然――画家们让模特们在光线穿窗而入的画室里摆好姿势，利用由明而暗的变化来画出坚实的立体感。他们惯于接受这种依据明暗相互作用为绘画基础的训练，习惯了画古典雕像的石膏模型，却在走出画室时，忘记在户外很少看到那么均匀地由暗转明的变化。 　　真实的情况是，一旦离开画室的人为环境，物体看起来就不像古典作品的石膏模型那么丰满而有立体感，周围物体反射的光线影响了背光部分的颜色，受光部分往往也会比画室中明亮得多，连阴影也不是一律灰或黑，而只有我们相信自己的眼睛，而不是学院规则所说的物体看起来应该如何的先入之见，我们才会有最振奋人心的新发现。 　　如同千年前希腊人在形式表现方面发动的革命，印象派发动了一场彩色处理的革命――他们发现，如果我们在户外看自然，看见的常常并非各具自身色彩的一个个物体，而是在我们的眼睛里（实际上是在我们的头脑里）调和于一体的颜色所形成的一片明亮的混合色！ 　　他们丢弃掉传统的“所知”，代之以最直接、个人也是最真实的“所看”“所感”！而这种撕掉外在的观念禁锢，挣脱琐碎与一成不变之日常，发现生命每时每刻微光的眼睛，不仅为艺术探索发现带来了又一高峰，也正是每个人在生活中获得幸福所需要的！ 　　他们的观念在当时的艺术界惊世骇俗，以至于莫奈在一次画展上展出自己名为《印象?日出》作品时，遭到艺术批评家的嘲笑，他嘲笑“莫奈们”居然能不自量力地认为自己可以丢掉可靠的知识，以为瞬间的印象就能成为一幅画。 　　而事实给了批评家们一记响亮的耳光，历史证明这种外观速写化的风格并非轻率从事，而是伟大艺术智慧与才华的结晶。如果印象派们继续传统的方式记录自然，画面就会厚重有余，却沉闷缺乏生机，错过了光影浮动的片刻最动人的瞬间。 　　印象派中最有代表性也最“治愈”的当推莫奈、雷诺阿的作品。雷诺阿擅长画欢乐的人群陶醉在节日之美，鲜艳的色彩悦目混合，阳光在人群中回旋。而莫奈的《印象?日出》《撑阳伞的女人》《睡莲》则是我极喜欢的作品。 　　如果说《日出》是莫奈早期奠定影响力的作品，他的晚年作品《睡莲》（把大画布铺在墙壁上所作），则做到了他所希望的“让人们产生在睡眠无边无际的幻觉，像个开满鲜花的水族馆”，虽然那时，他绘画几乎已分不清色彩，只能靠颜料管上标的字母来辨别颜色。 　　在一米八宽、一米二高的画面上，全是水面和睡莲，光和天空。在这水天相接的画面中，观者难以分辨该从哪张画开始看，或是到哪里算结束。那感觉像是看到了混沌初分的一刻，是如此神秘、富有诗意、如此美妙得不真实。 　　1895年，批评家布劳内尔写道：“莫奈的艺术，已经成为了自然本身。” 　　平和舒缓的主调 　　比起生猛的兴奋感与腻味的甜蜜，平和舒缓也许是更适合抑郁心情的主调，因此，我不得不在此“搬运”典雅理想的古典风格。 　　正如一提起上帝，人们就会想到米开朗琪罗构思的圣父一样，一说到圣母像画家，脑子里就会跳出“拉斐尔”的名字。 　　我们常常在简朴的房间看到这类圣母像的廉价复制品，所以很容易觉得这类人人都喜爱的画似乎有些“浅显”，因司空见惯而不值一提。比如拉斐尔的《大公爵的圣母》，这幅如同菲迪亚斯和波拉克西特列斯的作品，它一方面是“古典”的，被此后世代当作完美的标准；一方面又因不需要任何讲解就能感受，又确实“不够深刻”。 　　但如果把它与以前表现同一主题的无数作品比较一下，就会发现，前人们孜孜不倦渴求却未曾完全获得的“单纯”“静谧”，那种人物形象的“纯粹美”，拉斐尔实现了，且丝毫无损人物的生动与真实。 　　对比拉斐尔与老师佩鲁吉诺的作品，可以看出拉斐尔从后者平静之美的人物形象中有所受益，但后者的人物端整却相对空虚，拉斐尔的作品则洋溢着圣洁的生命力，二者差别巨大！ 　　在拉斐尔的画中，圣母面部的造型和隐没在阴影中的方式，