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浅谈动画中的表演 　　摘要：本文主要谈的是表演对动画角色创作的重要性，一个好的动画师只有掌握表演技巧才能塑造出活灵活现的动画角色。 　　关键：词动画；表演；角色 　　 　　日本动画大师宫崎骏在电视系列片《日本电影追根溯源之七：日本电影近况》中，关于动画师需要进行表演培训时说：“表演对于动画创作是至关重要的，经验丰富的动画师会要求参与动作采样的真人演员尽可能的以简单、夸张的形体语言表达导演意图。这种话剧式的表演很适合于动画片甚至真人电影。” 　　迪斯尼的动画片之所以被很多人接受与喜欢，受众范围很广，不仅是儿童就连成年人也趋之若鹜，是因为其中很多动画角色看上去更像是音乐剧的明星，如《白雪公主》、《阿拉丁》、《美女与野兽》等。美国的动画片有他们自己独到的表演风格，这种风格正是受众喜欢它的重要原因之一。想要做好动画片，创作者必须真正认识表演，懂得表演，甚至善于表演，还要将其灵活的加以运用并创造出属于自己独特的表演风格。 　　所谓表演，是演员按照剧本规定的情境和角色的思想感情，通过演员的表演和人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感，从而表现出剧本的内容和主题。演员与编剧、导演等密切配合，对人物角色理解分析通过语言、肢体、表情、声音等进行的二度创作。表演要发自演员内心的某个地方，演员在仔细研究角色之后，要将他们的想象力、创造力融进戏剧中的世界，在剧情特有的情境之中，力求真实可信的“演活角色”。就像威廉?达弗说的“我想我演的每一个角色基本上都是我自己。我相信只要情境铺垫得当，我们什么角色都能演，表演让你最深藏的本性浮上表面――而虚拟的剧情其实起到保护你不受现实伤害的作用。” 　　而动画表演顾名思义就是用会动的漫画进行表演。动画创作者必须通过自己手中的笔来实现这个过程，他们不是演员，不用上台亲自演戏，但是他们必须用心排练，根据导演和画面分镜头剧本的指导来了解分析人物角色，通过动画创作者对角色的理解与自身的想象力，将各种动作和表情对着镜子或在心里演示若干遍，然后再将它们移植到画纸上，这样才能使动画角色形象更生动、层次更清晰、内容更丰富、更具有生命力，避免了创作出的人物角色简单、死板。就像宫崎骏说的：“宁愿看那些饱含激情但技术欠佳的动画片，也不愿看那些动作流畅到‘天衣无缝’的动作捕捉器的动画作品。” 　　动画表演强调动作性，人物角色的心理活动是靠肢体动作、面部动作和言语动作综合体现出来的。例如：两肩耸起时候代表着一种惊讶；两肩向后时候代表着一种对抗；两肩紧缩时候代表着一种痛苦；用肩膀轻触对方代表着一种亲密；欢迎某人的时候你会张开臂膀；后背挺直代表着年轻、健康、威严；驼背代表着年老、衰弱、悲伤；向某人谄媚的时候会点头哈腰；缩脖子代表着害怕、胆小、寒冷；抻脖子代表着骄傲、示威；歪脖子代表着轻蔑、稚气；下颚垂下，嘴张得很大代表着惊讶；痛恨一个人的时候会咬牙切齿；嘴角上扬代表着微笑；示意别人去做某件事情的时候会努嘴挤眼；人在兴奋的时候会眉飞色舞，紧张的时候会神色慌乱；扬头的时候骄傲快乐；低头的时候悲哀羞怯；皱眉的时候心情烦乱；展眉的时候心情平和等。由此可见上述肢体和面部语言都需要动画创作者通过日积月累的仔细观察与体会，反复揣摩与表演，然后通过夸张的手法将其跃然于纸上，让角色的动作看起来具有自己的生命力，做到让角色真正的“活”起来，并具有鲜明的个性和艺术感染力。 　　此外，动画表演也借鉴了很多戏剧表演元素，如喜剧。喜剧是戏剧的一种类型，以夸张的手法、巧妙的结构、诙谐的台词及对喜剧人物的刻画，从而引发人们对丑的、滑稽的予以嘲笑，对正常的人生和美好的理想予以肯定。基于描写对象和手法的不同，喜剧可分为讽刺喜剧、抒情喜剧、荒诞喜剧和闹剧等样式。内容可为带有讽刺及政治机智或才智的社会批判，或是纯粹的闹剧或滑稽剧。动画表演中借鉴了很多喜剧的表演元素，早期无声电影时期的喜剧代表人物卓别林，以其独具特色的造型，憨态可掬的走路姿势，丰富的面部表情语言给了动画创作者很多的灵感与启发。如塑造一个滑稽可笑的人物形象，这个人物就会笨手笨脚，表情憨态可掬，显得呆头呆脑，经常四肢不协调磕磕绊绊，遇到事情的时候不是抓耳挠腮就是只会傻笑，例如《猫和老鼠》中滑稽可笑的汤姆猫和聪明伶俐的杰瑞鼠，片中采用了猫与鼠的原型，进行拟人化的处理，没有过多的对白，完全靠汤姆和杰瑞夸张的肢体语言与面部语言，处理得恰到好处真实生动，再加上他们两个的恶作剧本身就充满趣味性，因此给受众带来很大的欣赏乐趣。 　　京剧是我国主要剧种之一，唱、念、做、打是京剧的四种艺术表现手段，也是京剧表演基本功，在中国早期的动画片《大闹天宫》、《哪吒闹海》等角色的表演设计都借鉴了京剧的表演元素。由此可见，动画表演除了自身的规律外，还应该广泛借鉴其他表演艺术的精华，来丰富和完善自己，并达到更高的艺术境界。