中国画人物题材创作中色彩应用.docVIP

中国画人物题材创作中色彩应用摘 要：中国画“随类赋彩”的概念历史悠久，形成了具有民族特色和文化沉淀的中国画色彩学意义，成为东方色彩美学的典型代表。而在一些观念和技法的争论中，水墨与色彩的应用等问题见仁见智。本文对中国画，特别是中国人物画色彩的运用和风格进行了分析和阐释，对继承中国画色彩的特点、发扬民族艺术的优秀精粹，更好地将中国画这个传统艺术门类世代传承，进行了一定的学术性探讨。 关键词:中国画；艺术创作；随类赋彩；色彩观；人物画；艺术风格；水墨误区；个画欣赏 中图分类号：J204文献标识码：A 中国画的“丹青”含义，说明了中国的绘画自古强调着色的事实。中国画色彩的独特样式和规律，指引着历代画界人士循章守制地传承着中华优秀的文化传统，一批批卓尔不群的大师及其后学们，在艺术之路上坚韧地前行。一、“水墨决定论”是中国画色彩应用的误区 “水墨决定论”在很长一段历史时期影响着中国画的发展，它认为中国画的色彩除了工笔重彩等不得不用以外，都应以水墨为要，这就导致了写意中国画在色彩方面有逐渐减弱的趋势，色彩好像在离我们远去，这是一个值得注意的现象。 在青绿山水画恣意发展的同时，另一种以笔墨为表现形式的山水画也迅速发展起来。这是使中国画开始实行分类原则的起始点，即“以墨白两个极色来涵括一切色彩，以水墨的色彩作用调节画面”，这便是嗣后多年独霸画坛的水墨画。“文人画”便是随之应运而生的。这是有其历史渊源的，也与当时所倡行的审美观关乎甚重。“文人画”具有文学性、哲学性、抒情性。在传统绘画里它特有的“雅 ”与工匠画和院体画所区别，独树一帜。所以，色彩的艺术表现力在“文人画”逸笔草草的笔墨表现形式下，已渐渐居于弱势，在文人士大夫的眼里，色彩的世界可用多层次的水墨色度替代之，于是，自从两宋以来所追求的“水墨渲梁”成了国画表现的一股主流，“运墨而五色俱”也就成了一时盛行的绘画理念。 随着中国画的不断发展而产生的“泼墨法”、“积墨法”和“破墨法”等多种表现手法，从本质上重笔墨而轻色彩，终于走到了“仅笔墨而弃色彩”的地步。虽然近代的齐白石、任伯年、吴昌硕等大家同时应用重彩和水墨来演绎自己的艺术要义，然而中国画却始终难以摆脱水墨黑白的宿命。许多受众脑子中的中国画只是黑白世界，彩色缤纷的效果成为一种不可能。甚至产生这样的误区，认为中国画的载体——宣纸、墨、颜料，以及表现技法都已陈旧过时。因此就因噎废食地产生了否认中国画“穷途末路”、“笔墨等于零”的浮躁之言。这些看法以改革中国画的面目出现，看似是对色彩的青睐，但他们在绘画的色彩观上还停留于黑白灰的固有色对比局限之上，并且对传统笔墨的研习明显不足，所以就出现了一些与以墨色为主的水墨画的水准也相去甚远的改良作品，就是那些处于尴尬境地的“彩墨画”。以后又出现了在宣纸上画抽象画，竭力推崇包豪斯教学的构成理论，摹仿和鼓吹毕加索、康定斯基、米罗等西方现代派画家的现象。还有一些技法上的“革新”，令人不敢苟同。 二、中国画的色彩认识和应用必要 中国画是以墨色和线条来构成画面，这种单色的效果虽然变化无穷、气韵高远，但在人们多方面的情感抒发和美的表达的审美活动日趋挑剔和严格的今天，以色彩来丰富中国画的表现形式，是当代画家们人文表达所必需的，也是一个有着五千年文化、文明的古老国度如何更好地继承和创新艺术的亟待解决的现实问题。 翻开东、西方绘画史，虽然从理念到方法都有根本区别，有的甚至相去甚远，但每一个时代都有与其相适应的艺术表现形式，这是每一种绘画种别都追求的文化目标，每一个时代都有它审美的需求，每一个时代的文化意识都有其表现的需求。这是一种规律性展示，正如盛唐以重彩艺术入主绘画，而宋代则是“水墨为上”，所以，当代的绘画从业人员当然也要将中国画作为一种民族艺术的精神象征和组成部分，创新和改革中国画的固有理念，从题材范围和表现手法特别是从技法上走出一片新的天地。 在人类的古代遗迹中，很早就有色彩的应用，但色彩的科学，直到牛顿发现太阳光通过三棱镜，而有七色光谱后才迈入新纪元，在16-17世纪间有很多关于光的反射、屈折的研究，经过一代代学者的前赴后继，才为色彩的研究定下基础。而色彩在中国画中的运用却是一个具有时代特色的工程。 当传统的水墨精神还没有浸入中国画这门艺术的骨髓之时，中国传统绘画就有过非常重视色彩表现的时期和形式，如方兴未艾的工笔绘画。而色彩应用的黄金时期则非唐朝时期莫属，在敦煌壁画、工笔重彩画、人物、花卉和青绿山水画方面都有不同凡响的表现。在这样一个色彩春风得意的特殊时期，许多中国画作品真正表现出了靠色彩的铺排晕染而体现绘画理念和设色方法，形成了以色彩来表现人们所追崇的审美定势，和以注重勾框填色来追求繁复典丽的风格。这在山水画中有相当程度的显现，最明显的标志是色彩的