贝多芬《第七小提琴奏鸣曲》特点及演奏技法.doc

贝多芬《第七小提琴奏鸣曲》特点及演奏技法贝多芬是18至19世纪德国最伟大的音乐家之一，他集古典主义乐派之大成，开浪漫主义乐派先河。他一共创作了9首交响曲、35首钢琴奏鸣曲、10部小提琴与钢琴的二重奏鸣曲、16首弦乐四重奏、歌剧《菲岱里奥》、5部钢琴协奏曲和1首小提琴协奏曲，此外，还创作了大量室内乐、艺术歌曲与舞曲。这些作品对音乐发展有着深远影响，因此他被尊称为乐圣。在贝多芬的音乐创作中，十分强调冲突，要求音乐形象在矛盾斗争中得到统一。其中，他所创作的10首小提琴与钢琴奏鸣曲，遵循古典主义早期的观念，被称为“带小提琴伴奏的钢琴奏鸣曲”。贝多芬让这两件乐器处于同等地位，共同表达乐曲的主题。OP.30的3首（第六至八号）是1802年左右创作的作品，其中第七号小提琴奏鸣曲OP.30.2，C小调，是OP.30三首中最出色的一首，贝多芬在乐曲力度和音色对比上，较之前的几首奏鸣曲有了大幅的提高，音乐形象的对比也更突出，演奏技巧方面也更加丰富多样，将古典主义小提琴奏鸣曲的发展推向高潮。针对贝多芬《第七小提琴奏鸣曲》的特点，在演奏方法上笔者提出如下建议。 一、力度 贝多芬作品中力度变化的表现一般都遵循古典主义的传统原则，即把力度拉平。在这首奏鸣曲中，每一乐章都由piano开始，随着旋律的发展和情绪的向上推进而发生力度的变化。全曲力度的范围已扩展到ff和pp，对比强烈，变化丰富。演奏强音时右手应保持自然，稍稍抬起，让弓子自然下坠，无需施压强调该音，以免造成过分的力度效果。对于弱音的处理，右手不必将弓子握紧，可适当中断流畅动作，放慢弓速。当强弱变化出现在连弓中，应时刻调整弓子压力，保持强弱之间的平稳过渡，这要求演奏者对弓子具有良好的控制力和平衡度，以保证乐曲的流畅。在第三乐章谐谑曲中，贝多芬大量运用了sf来表示重音，并出现在每小节不同的节拍位置，给人出其不意之感。这里的力度变化要根据整个乐句的强弱来表现，这一点应和f的演奏效果相区分。贝多芬对力度的处理，不仅体现情绪的变化，而且表现乐曲清晰的线条和层次，使演奏者对于乐句的发展和变化有更为明确的把握。 二、节奏与速度 这部作品中大部分乐句旋律简易，多作音阶式的进行，一般由十六分音符、八分音符来表示。演奏时应做到平均、精确，多利用跳弓。可以采用转移弓弦接触点的方法，将弓段控制在中间偏弓根的位置，这样容易演奏出短音符短促、轻快的特点，使乐曲更具有表现力。在演奏较快速度的四分和八分音符时，不必将时值完满奏出，应适当予以缩短。缩短是指减少弓与琴弦的接触时间，而不是减少音的延续，所以并不会影响到乐曲演奏的效果。右手应有所控制，力度饱满，用较快的弓速奏出音头后可适当放松，然后用较长的弓演奏。切分节奏的广泛应用对于增强旋律的动力起到很大的作用，演奏时要合理控制弓速和力度，推动旋律的发展。 三、揉弦 在古典主义奏鸣曲中，揉弦大都体现出均匀、平和的特点。揉弦使音乐更加富有抒情性和表现力，是演奏者的主观手段。但是在演奏贝多芬《第七奏鸣曲》时应严加控制。乐曲中有大量的情绪变化，体现了古典主义时期音乐向浪漫主义时期音乐过渡的特点。揉弦的强度和乐曲的力度、速度有关。在旋律比较舒缓时应减小揉弦的幅度和频率，更多地借助手腕的力量，减少揉弦的浓度，使之和乐曲的情绪相协调。旋律渐强的时候则可以加大幅度，增加乐曲表现力。揉弦的合理应用不仅使演奏符合古典主义自然匀齐的风格，而且能够迎合强弱变化的需要，丰富乐曲内涵。 四、双音及和弦 这部奏鸣曲中双音与和弦虽然不多，但对音乐的表现起到很大的作用。双音一般由一声部借助连线保持，另一声部作辅助音级进。在演奏时应保持连贯和声音的平稳，尽量减少换弓和换指的痕迹。演奏和弦时需饱满，有爆发力，奏出音头后可放松，将声音通过共鸣延续，以此增强和弦的效果。 五、装饰音 贝多芬对装饰音的运用延续了莫扎特音乐作品的创作方法，虽然装饰音已不再是贝多芬音乐作品的主要特征之一，但在演奏中有着特殊的作用。它不仅极大地提高了音乐的表现力，而且对演奏者情感的抒发也起到了关键性的作用。在这首奏鸣曲中，贝多芬采用的装饰音主要以颤音和倚音为主，并且与不同的弓法和音型相结合，使装饰音的运用更加自由，与他一向激进的音乐风格形成对比。例如在第一乐章的快板中，将倚音与跳弓结合，在级进的旋律走向中表现了乐曲轻快的特点。在第三乐章的谐谑曲快板中，贝多芬大量地运用倚音，将其与四分音符和附点八分音符相结合，创造出类似于小步舞曲的灵巧风格。在第四乐章的创作中甚至将颤音和倚音相结合在同一音上，赋予了作品更多的内涵，也给演奏者预留了更多的二度创作的空间。装饰音演奏的时值应根据乐谱标记的基本音的时值和作品的情绪来确定，演奏速度的原则是乐曲的速度越快，装饰音的速度越快。可使用较长的弓段演奏倚音，利用弓子的惯性来演奏，