原画设计-中间画.ppt

一部动画片编剧所构思的主题情节，导演的总体艺术创造意图，美术设计所创造的角色形象，都必须通过动画和原画的再创造，体现在观众面前。因此，在动画片创作绘制中，动画和原画人员，对导演意图理解的深度；对人物形象掌握的准确性；对角色性格特点的把握以及想象力是否丰富；动画技巧运用是否熟练；动作表情画的是否生动等等，都将关系到一部动画片的艺术、技术质量。所以说动画和原画是一门特殊的绘画创作，他们对一部动画片的成败起着至关重要的作用。 为了以后工作顺序的先后及创作任务的主次为前提，将两道工序的分工讲述得更加清楚，在这里，就必须先从原画说起。 原画（也称动画设计）——是动画片里每个角色动作的主要创作者。是动作设计和绘制的第一道工序。原画的职责和任务是：按照剧情和导演意图，完成动画镜头中所有角色的动作设计，画出一张张不同的动作和表情的关键动态。概括地讲，原画，就是运动物体关键动态的画。每个镜头中，角色的连续动作，必须先由原画画出其中关键性的动态画面，然后才能进入第二道工序的工作，即由动画来完成动作的全部中间过程。 动画（也称中间画）——是原画的助手和合作者。动画的职责和任务是：将原画关键动态之间的变化过程，按照原画所规定的动作范围、张数及运动规律，一张张地画出中间画来。 原画设计 - 流程 １、动手之前必须确立的概念。 要先在头脑中整理出一个轮廓，要了解影片的风格，掌握理解导演的意图，熟练把握片中造型。动画片的制作是一个由众多艺术人员参与的过程，它所达到的是一种共性。每一位创作者都必须将自己的个性融于影片所追求的共性之中，达到高度的统一。 ２、确定原画风格即动作特点。 迪斯尼的原画观念要淡一些日本动画片较注重原画，国产片动画片近期大部分风格介于二者之间且较为偏向于日式，进行原画设计也要看其风格而定，如果注重运动过程，设计动作时侧重其流畅性，原画、动画不要分得太明确，动作的流畅、连贯是第一位的，如果是注重对话、情节，那么就将原画的观念加强一些，并不是说原画张数要画很多，而是要将每一张原画设计得相当准确、到位，尤其是在它定格和亮相时，要特别注意细心刻画。动手之前先动脑，当头脑中的准备工作已经很清楚了以后。 ３、起稿绘制。 准备好所需要的工具．铅笔、色铅笔、定位尺、拷贝纸，明确了设计稿的要求和上下镜头之间的关系，便可动笔。先用色铅笔轻轻打稿，用一根线确定出动态和重心．用一根线来体现无限，强调夸张重心转换在动态重心线完成的基础上再画出骨骼、肌肉．最后是衣服．分轻主次，骨紧、肉松、衣服更松．最后用铅笔将整体肯定下来，原画第一遍完成以后，最重要的一点是进行一下自检，在整个连续创作的过程中也是一个连续翻动的过程，复查一下看看是否到位，是否需要加上动参（动作参考），动作参考指的是两张原画之间的一张动画，也叫小原画，在动画师没有把握的情况下．原画绘出的动画动作指定，用色铅笔画出大体动态即可。动作是否符合设计稿的要求，养成自检的习惯是提高原画水平的一个重要学习方法， 在整体中产生更多动作 进行更复杂的动画时，我们会不断探索如何在运动中产生更多动作，即产生更多“变化”，带来更多的“价值”。 比如一个动物从空中装撞向岩壁： 比如一个动物从空中装撞向岩壁： 拉长的中间画 20世纪30年代，动画师们在逐格研究真人表演的影片时惊讶的发现真人表演的画面中有许多透明的虚影。为了让动画的动作更真实可信，他们开始使用拉长的中间画。 * * 通过拉长一个快速运动中的手我们可以得到一个残像。 20世纪30年代的时候把图描线和上色到赛璐珞片上全是手工做的，很多色彩画师于是对通过“干刷”产生真人表演中透明的虚影效果的技术驾轻就熟。 20世纪30年代的时候把图描线和上色到赛璐珞片上全是手工做的，很多色彩画师于是对通过“干刷”产生真人表演中透明的虚影效果的技术驾轻就熟。 经过1941年动画师罢工和“二战”后，动画制作经费缩减，市场对于有经验的色彩画师的需求也减少，所以后来用重重的黑线条描虚影便成为了动画界的传统。 早期使用的表示速度的线条是从旧报纸的漫画沿袭下来的： 后来