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中国古诗词艺术歌曲的教学与实践探究 　　摘 要：本文以中国古诗词艺术歌曲为例，探究其在高校声乐教学实践中之于歌唱技巧及舞台实践能力提升的意义，探析其在高校声乐教学实践过程中亟待突破的瓶颈，探索其在高校声乐教学实践过程中更有效的教学实施途径。并期望以此为切入点，增强教师对教学实践细节的关注，以小见大，立德树人。 　　关键词：中国；古诗词艺术歌曲；教学；实践 　　中图分类号：J616.2 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2016）06-0273-03 　　声乐课程通常在高校音乐学专业课程设置中居核心地位，它是在声乐教学法的理论支撑下，综合了美声与民族唱法的基本发声原理，对大学生实以科学发声方法的训练，并且紧密结合舞台表演实践，使学生们能够演唱并掌握各种类型、各种风格的声乐作品，因而兼具极强的技术性、实践性特点。亦即是说在声乐教学中不仅需要注重培养学生建立科学的歌唱理念，让他们掌握科学的歌唱方法和技能，而且需要注重对学生进行声乐鉴别与审美能力的培养，促使他们在学习过程中逐步积累舞台演唱经验。 　　娴熟的歌唱技能与成熟的舞台经验，往往依赖于对大量的、不同风格的声乐作品演绎的积累，恰当的舞台表演又往往依赖于演唱者的艺术修养。笔者从事声乐教学与实践工作以来深切的感触是：艺术歌曲的演唱对于歌唱者艺术修养的提升具有极其重要的意义。因此本文拟结合笔者的教学实践感悟为依据，以中国古诗词艺术歌曲为例，探究其在高校声乐教学实践中之于歌唱技巧及舞台实践能力提升的意义，探析其在高校声乐教学实践过程中亟待突破的瓶颈，探索其在高校声乐教学实践过程中更有效的教学实施途径。 　　一、中国古诗词艺术歌曲概念及类属的界定 　　艺术歌曲产生于18世纪末、19世纪初的欧洲，在德国利德（Lied）的基础之上，最终酝酿和成型于欧洲浪漫主义抒情诗的发展之中。其特点是“歌词多采用著名诗歌，侧重表现人的内心世界，曲调表现力强，表现手段及作曲技法比较复杂，伴奏占重要地位。”[1]其诗意化的歌词、精美而考究的旋律线条，精巧而富于色彩的和声、精细而流畅的钢琴伴奏，成为了浪漫主义抒发情感的重要载体。中国的艺术歌曲是步入近现代之后，中国在自觉学习西方的过程中，大约于20世纪20、30年代在艺术领域绽放的最艳丽的花朵。20世纪20年代以来受西方创作技法的影响，以中国古代诗词为内容进行的艺术歌曲创作成为中国艺术歌曲创作的主力军。除去对西方创作技法上的学习而赋予音乐优美的形式之外，中国的艺术歌曲对情感的宣泄通常更加注重作品的现实性，表达的依据往往寄予中国古典诗词隐喻的文字之中。 　　从类属上看，中国古诗词艺术歌曲涵盖的范围较为广泛，既包括古代既有之曲、又包括依照古调补正之曲，还包括借古诗之名的新创之曲，本文在此所涉的中国古诗词艺术歌曲{1}所指为20世纪20年代之后，中国作曲家借鉴欧洲的作曲技法，以中国古代诗词为依托而创作的歌曲，早时以青主、黄自、萧友梅等人的创作为代表，今日亦包括了罗忠?F《涉江采芙蓉》、黎英海《枫桥夜泊》等吸收当代作曲技法进行地歌曲创作。 　　二、古诗词艺术歌曲的意境之美―形式与内容的完美契合 　　（一）古诗词艺术歌曲外显的形式之美 　　古诗词艺术歌曲的形式之美先现于音乐本体的固有形式之中，明人王骥德在《曲律.论章法》中说“作曲，犹造宫室者然。……作曲者亦必先分段数，从何意起，何意接，何意作中段敷衍，何意作后段收煞，整整在目，而后可施结撰。此法，从古之为文，为辞赋，为歌者皆然。”[2]足见歌曲在创作之始便由曲作者通过艺术构思先赋予了音乐形式之美。 　　中国古代以诗词为代表的文学形式与音乐有着千丝万缕的联系，从早期的《诗经》《楚辞》，到后来的乐府诗歌、再到唐宋的诗词歌赋，无一例外地皆可“歌”也。虽然到七言诗、格律体出现之后，诗歌对音乐的依附性逐渐降低，甚至慢慢不可再歌了，但是古来两者的亲密关联，使得所填之词无论如何也跳不出长期以来形成的无声却潜在的规则之外。诸如宋代词乐中不同的词牌因为隶属于不同的宫调，因而才会有不同的风格，继而才能有豪放与婉约的风格差异。 　　同西方艺术歌曲间的血缘关系，使古诗词艺术歌曲在形式上无法避免的于旋律、和声、伴奏等方面借鉴西方的创作技法与创作思维，但中国古诗词艺术歌曲独特的形式之美，却又强烈地体现在音乐与诗词间完美的契合上，被高度抽象和凝练于文学形式所融的音乐之中，必须突出古诗词歌曲在形式上与文学的天然关系，才能进一步唤起演唱者的关注，从而把握演绎声情之法。 　　中国古诗词艺术歌曲所体现的文学与音乐的高度契合，使文字蕴含的“音韵格律”同音乐展现的“声韵格律”高度相融，因而赋予了中国古诗词艺术歌曲的形式之美包涵了双重意义，它既涵盖了中国古诗词在形式上展现出的特有的韵律、格调之美，又涵盖了诗乐相合的音乐在本体形