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Mono：从黎明到最后的黎明 自由撰稿人。以持观望与敬畏之心为荣的阅读者。 专栏简介： 日本现代派先锋音乐，内容涵盖前卫电声、噪音实验、自由即兴、新迷幻等多重领域，以其风格之诡异、形式之丰富、奇人异士之多，已经在现代音乐世界里形成一派神秘而独立的景观。本专栏文章意图并不在于对形式概念和流派类别进行划分介绍，因为许多界线本来就是模糊不清的，尤其在先锋音乐领域，分类常常是一件吃力不讨好的事情。在每一位音乐家本人的音乐探索之中，往往凝聚着更多关于形式的真理。 菊与刀的狂热信仰 日本器乐摇滚团体Mono，是由Takaakira Goto（以下简称TaKa）于1999年一手操办起来的乐队，TaKa担任乐队的吉他手，其余成员分别为吉他手Yoda、钢琴及贝斯手Tamaki和鼓手Yasunori Takada。在后摇的世界里，无论在东方还是西方，Mono都是一个不能被略过的名字，它也被认为是日系后摇中最神圣的典范。 Mono的形式特征是明显的。一方面，它被认为具有实验摇滚和自赏派音乐的显著特征，采用极简化的编曲方法，主音吉他和节奏吉他都大量运用混响、失真和延迟效果，长时间低沉单调的和弦反复、扭曲爆裂的声波和层出不穷的噪音音墙。旋律先是慢慢被确认、被烘托，随后一点点被消耗、被淹没，最终趋向于无形。另一方面，它受到古典主义音乐的强烈影响，集中表现为摇滚乐器与交响乐器的结合，许多人因此将Mono定义为后摇滚中的交响乐。 在Mono身上，无比清晰地体现着日本传统文化中“一手持菊，一手执刀”的暴力美学思想。在对Mono进行描述的时候，有几个词语总是一次又一次地出现，例如“爆发”，例如“气势恢宏”，例如“戏剧性”，例如“黑暗”，例如“毁灭”，例如“希望”。聆听Mono的过程，类似于一种跋涉，你会感觉自己置身于幽暗深长的隧道里，在无边无尽的恐惧中，只能朝着远方的微弱光亮不断前行；也类似于一种追逐，一场艰辛的、但是徒劳的搏斗。激烈的、密集的鼓点和镲片，在接近高潮时混乱得近乎疯狂。即便明知道最终会是失败，一切已无可挽回，却依然不能说服自己放弃。这旅程残酷而华丽，它与我们生活中的若干现实是多么相似：一个破釜沉舟的抉择，一次不计后果的奋斗，一番饮鸩止渴的挣扎，一场毫无希望的爱情。因此，投入在Mono的音乐里，总有人会流下眼泪。在他们的生命之中，必定也进行着某种执拗并且绝望的坚持。 面对庸俗的美好、毫无悬念的抒情、没有经历过黑暗的喜乐，Mono表现出彻底的冷漠。这冷漠，你也可以说它铁石心肠。一个个细腻、敏感的音符，如同一朵朵精致盛开的樱花，它们总是在乐曲的开端之处毫无知觉地绽放，为一场注定以悲剧告终的宿命埋下伏笔。 不能被遗忘的现场 对于一个乐队来说，当然有两条旅途。一条是向内的，自我关照的，探索和反省式的旅途；另一条是向外的，自我折射的，开放且充满表现力的旅途。 自乐队成立以来，Mono音乐生涯中的大部分时光，都是在巡演中渡过的。2000年，Mono发行了他们的第一张专辑，包含四首作品的EP《Hey， You》，随即开始了在美国、瑞典等地区的巡演。此后，伴随着每一张新唱片的产出和乐队的发展，Mono的足迹遍布世界，各大音乐节上都出现过他们的身影。正是这一条光辉的旅途，给Mono带来了不朽的荣誉和成就。 2001年，在日本本土巡回演出期间，Mono进行了第二张专辑《Under the Pipal Tree》的录制工作。这张专辑由被称为“美国现代音乐中的后现代主义者”的音乐人约翰·佐恩（John Zorn）设立的前卫唱片公司“Tzadik”发行，它赢得了众多好评。专辑中的大部分曲目，都是在一天之内现场录制完成的。这种在录音室里模拟现场演出录制唱片的方法，后来成为Mono的惯例。无论是简单纯粹的四人组，还是加入交响乐团的合奏，Mono的专辑录音过程，都更像是一个小型的室内现场。从2004年的《Walking Cloud and Deep Red Sky， Flag Fluttered and the Sun Shined》到2009年的《Hymn to the Immortal Wind》，Mono与音乐制作人Steve Albini进行了长期的合作，因为他们认为，这位芝加哥录音工程师可以准确地捕捉到一个现场乐队的原始情感。 现场，对于Mono是重要的。唯有在现场，音乐的情绪和爆发力才能得到最充分的体现。为了制造出不能被遗忘的现场，Mono对舞台的布局和乐手的表现力进行了诸多探索。乐曲被融入到强烈的视觉体验之中，舞台氛围被营造得非常丰富，四个乐手的肢体饱含情绪地晃动，犹如徜徉在另一世界。更不要说，在他们身后，常常有一个对于摇滚现场来说略显庞大的交响乐团，正襟危坐，蓄势