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1977年后中国现代钢琴音乐初探 　　Preliminary Exploration of Contemporary Chinese Piano Music after 1977 　　 　　一百多年前钢琴由西方传入中国,然而近三十年来中国的钢琴演奏群体已经发展到了一个巨大的规模,其发展和普及令世界为之惊叹。有量就有质,这些年来在众多学琴者中涌现出了一批在国际上取得影响和声誉的青年钢琴演奏家。笔者在为之兴奋之余也不免有些感叹:目前中国具备这么一个生机勃勃的演奏群体,却还没有足够数量和规模的钢琴作品来满足演奏者的需要。纵观历史,正是因为作曲家的作品,为演奏不断创造性地制定新的美学原则和演奏技巧,从而推动了演奏技术的发展。因此,中国必须先拥有一大批具有较高艺术价值的钢琴作品, 才有可能诞生“中国钢琴演奏学派”。 　　目前已知的中国钢琴作品大致可分为两类:第一类是以古曲或者民间曲调为基础的改编曲。这一类在整个中国钢琴文献中占据了大多数的比例。这一类作品为中国钢琴创作的民族化和钢琴演奏的普及起到了巨大的推动作用;另外一类,就是独立、完整的个人创作,我们可以称之为 “中国原创钢琴作品”,在此向贺绿汀、丁善德、马思聪、桑桐、罗忠?F等中国老一辈作曲家致敬,是他们为中国原创钢琴音乐进行了最初的探索。 　　中国音乐创作在20世纪的前四分之三的时间里,跟随着国家不平凡的命运经历着曲折和坎坷。 直到1977年恢复高考,沉寂了许久的中国音乐开始了它的又一次腾飞,一些人把那个时候称之为“新时期”。 当时的中国乐坛迎来了一个具有划时代意义的作曲家群体。就像在同时期的电影领域出现了张艺谋、陈凯歌、田壮壮等“第五代”导演一样,在音乐界我们迎来了以谭盾、陈其纲、陈怡、郭文景、叶小纲等为代表的“新生代”作曲家的出现,他们自上世纪80年代起在国际乐坛上崭露头角。虽然这个称呼今天从他们的年龄上来说已经不合时宜,但他们确实把中国现代音乐带入了一个新的历史阶段、一个从此开始走向世界的时代。从这个意义上来说,他们仍然是“新生代”,因为他们促成了中国现代音乐在那个历史时期的一次“新生”。 　　这批后来享有很高国际声誉的作曲家在各具特色的同时,也有着许多的共同点:都有着很深的中国传统文化积淀和丰富的生活经历;都是1977年恢复高考后的第一批大学生;都先后在中央音乐学院完成学业;都在80年代早期比较完整系统地接受了西方现代音乐教育;都有在西方长期生活的经历;他们的创作都根植于中国的传统音乐和美学原则;都用各自的方式融入了鲜明的个性和时代感。最重要的一点,就是他们都学贯中西,有着开阔的世界眼光,这些促使他们的作品能够被世界上更多不同文化背景的人群所接受和欣赏。 　　在美国朱利亚音乐学院学习期间,我开始接触并学习近现代钢琴作品,其中就包括对中国现代钢琴作品的研究。在这些“新生代”作曲家的作品中展示着各自鲜明的创作风格和技法。下面笔者对自己演奏过的“新生代”作曲家的一部分作品进行介绍,希望能引起大家的兴趣,一同来关心中国钢琴作品的过去、现在和未来的发展。 　　在众多“新生代”作曲家的作品中,陈怡的作品《多耶》是我们最熟悉的作品之一。她的作品经常展现出一种大气和力量感,继《多耶》之后她又创作了钢琴独奏作品《八板》。这首作品实现了中国传统曲调“八板”和现代审美趣味的有机结合,作品的节奏不断充满变化、戏剧性和冲突,很有原创性。由该曲发展、扩张而成的钢琴协奏曲(笔者于2008年在国家大剧院进行了亚洲首演)则显得更加丰富和立体。值得一提的是,陈怡在这部钢琴协奏曲中突破了以钢琴独奏为主,乐队为辅的原则,更加注重两者之间的平衡感,因此这部作品更像是一部具有室内乐性质的协奏曲。钢琴和乐队各自的节奏都异常的复杂(一种创造性的复杂),把两者合在一起的难度就更可想而知,在这种情况下让乐队跟着钢琴部分来演奏是几乎不现实的,这就要求钢琴独奏者必须熟知乐队各个管弦乐器的具体节奏,配合并且融入乐队。乐队部分的声部织体也极为复杂,例如在一些片断,第一小提琴声部还被更进一步地细划成了另外两个独立声部,赋予了整个乐队音色和音响上的无穷变换。 　　叶小纲为笔者2006年纽约卡内基音乐厅首演独奏会特别创作的钢琴曲《纳木错》,音乐语言简洁清新,美轮美奂。作品摘取中国传统五声音阶片段,同时把它们叠置在一起,产生了很奇妙的异域色彩。不断转调变换的五声音调极其生动地表现了西藏“纳木错”湖中水的形态和灵性。笔者清晰地看到作曲家十分重视中国传统音调和现代感的结合。作品中五声音阶的运用十分节约和谨慎,例如引用五声音阶中的四个音,然后迅速转化到其他五声音调;此外作曲家在运用一个五声音调的上方,在另外一个声部揉入不同的五声音调,并以线条或者和声的方式来表现,从而形成一种“和谐之中的不和谐”感,很富有创造性和音乐情趣,把西藏