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浅谈钢琴演奏中忠于原作与二度创作 　　摘要：音乐表演不仅仅是一种再现的艺术，更重要的是将音乐赋予创造性，以丰富音乐的内涵，并赋予音乐新的生命，这样才能保持艺术的不断发展。单独的乐谱是不能够给人以听觉上的享受的，只有通过表演者的参与才能将其中的思想、内涵等加以传达，才使得音乐具有了生命力。 　　关键词：钢琴原作 二度创作 　　 　　音乐作为最抽象、最无形的艺术形式，那些用符号所记录下的一切关于音符、节奏、力度、速度、乐句的含义，以及和声、曲式、感情等诸多方面的细微变化与演奏者们的想象就有可能是大相径庭的。音乐演奏不是对某一认可的模式进行机械的模仿，因而，音乐就不可能有一个一成不变的公式。只要我们还是人类，就一定会存在各种各样的微妙差异，而只要音乐还是一门艺术而非一种机械的再造过程，那么其在句法、强弱、速度等方面的细节表现也就一定会存在不止一种可能性，甚至有时候是概念上的显著不同。 　　正如我们所知道的，音乐演奏是一个将各种符号组成的乐谱转化为活生生的音响的过程，演奏家属于音乐创作过程中的二度创作的范畴，是作曲家与听众之间的桥梁、媒介和信息传递者。演奏家不仅仅在单纯地传递作曲家记载在乐谱中的信息，他应该随时随刻在音乐中注入自己的理解、情感和思想。音乐作品不像文学或绘画那样，只要一经创作家结束了创作过程，就可以直接供人们欣赏了。假如一部音乐作品产生以后，没有经过二度创作――表演，它就是一部僵死的符号，没有任何社会价值。只有进入表演阶段才能把它激活，也才能使它产生一定得审美价值。音乐表演就成了赋予音乐作品以活的生命的创造行为。 　　但是，在现实演奏中经常会遇到这样的问题，如何既能忠于原作，又不是照本宣科地演奏，并能够发挥自己的个性，做到演奏的创新与多样化。如何在忠于原作与创新上把握好这两者的“度”。 　　音乐表演是由具有主观能动性的人执行的，因此在表演过程中音乐作品必然要被蒙上表演者的个性与创造性。但是，这种个性与创造性的表现并不是没有“度”的随意表现，它必须遵循一定的原则，否则，演奏的音乐就会“面目全非”。本人认为，钢琴演奏中忠于原作与创新应遵循以下几点: 　　一、 尊重原作风格 　　就是我们所说的按风格演奏，任何一首音乐作品都是产生于一定的历史年代，一定的社会环境中。因此，这些作品自一出现就带有了当时历史时代的风格与审美特征，它主要表现于乐谱上，这就是原作的真实性。在音乐表演中首先应处理好的一对关系，就是创造性与原作风格的关系。真正的表演艺术家都努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并且力求将这种风格真实、完美地加以再现。他们尽可能地使自己去熟悉、体会作曲者生活的时代环境，努力体验作者当时的心理活动及思想，以便能够真切地表现作品的历史风格。 　　因此，对风格的研究至少包括四个层次： 　　1. 断代研究。即对整个钢琴音乐艺术发展史进行风格研究。 　　2. 断面研究。即对各个重要民族、重要国家的钢琴音乐有代表性作曲家的研究。 　　3. 个体研究。即对重要的、有代表性的钢琴音乐作曲家创作特征的研究。 　　4. 以作品为中心的研究。即以要演奏的曲目为中心，将其放到钢琴音乐艺术史的发展中进行细致的综合研究。 　　在表演中，除了要对原作风格进行较深入的了解，在保持原作风格不被破坏的情况下，还应该对作品进行创造性的表现。毕竟，表演者所处的时代已经与作曲家所处的时代不能完全等同，他们总是不自觉地站在自己时代的立场上，对音乐作品进行处理和创造。这样的音乐作品才更具有时代精神和美感，所以，表演者应该在自我创造性与原作风格之间找到更好的切入点，使自己的表演既能体现作曲家的原作风格，又具有自己的创造性，还能给听众以美的享受。 　　二、 个性化的演奏 　　我们都知道，钢琴家与钢琴匠的区别在于：钢琴家不但有出众的技能，而且有丰富的灵性。他传达的是音乐的内涵与底蕴，而不仅仅是音符。钢琴家既要按照作曲家的风格，传达作品的寓意，又要充分显露个性，以其本人特殊的理解区别于其他钢琴家。没有个性的钢琴家是难以存在的。 　　上个世纪是个钢琴大师辈出的时代，阿劳、米凯兰杰里、里赫特、霍洛维茨、阿格里希，等等。从他们的演奏中你能体会他们到各自对音乐独到的见解。然而，今天为什么这种具有卓越才能的钢琴家却寥寥无几呢。那是因为现在年轻的钢琴家们缺少丰富的文化修养，大脑是空的，因而缺少了自己对音乐作品独立见解的信心，就停留在一味对前人的模仿，从而导致了失去个性化的演奏。随着科技的发达，录音与唱片的普及，人人都能够听到权威的演奏家弹奏的整套整套的录音，唱片把活生生的演奏，以录音的方式固定下来，人们可以一次次地反复聆听。这种“罐头”音乐所带来的就是使演奏僵化，可能会变成每次都以同样的方式，去演奏同样一部作品，音乐演奏成为了工厂里按照一定标准生产出来的产