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试析中国画艺术特点 　　摘要：传统中国画是以“勾”、“皴”、“染”、“点”为主要技法，以“散点”、“透视”为构图原则，以“五彩理论”为参照。从历史上国画的沿革来看，国画的总体面貌是随时代的发展而不断地在变化。中国画的基本材料包括“文房四宝”除此之外，“诗”、“书”、“画”、“印”也是中国画的重要基本要素。 　　关键词：中国画；笔墨；构图；形式；意境。 　　中国画是我们中华民族灿烂文化中最重要的组成部分之一，它以鲜明的东方特质在世界艺术中独树一帜。中国画有别于西方油画，它讲究的是笔墨、形式、意境和气韵；古人笔下的形象多是画家人格精神的真实写照，它讲究的是诗、书、画的完美结合。作画者自身的艺术修养、思想品德、文学造诣等方面都有很高的艺术水准，这才出现了很多的“诗、书、画、印”四绝的名家名作。 　　一、“笔墨”是中国画的根本 　　笔墨，是中国画灵魂也是中国画技法的重要构成元素之一。“笔”是指“勾”、“皴”、“染”、“点”等笔法，“墨”是指“破”、“泼”、“积”、“焦”、“宿”等墨法。笔墨必须有机的结合，互相衬托，才能完美地表现物象，表达意境，使画作神形兼备、气韵生动。历代画论对笔墨也都有所阐述，唐代张彦远在《历代名画记》中更是阐明了笔墨的重要性，“夫像必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似皆本利益，而归乎用笔。”荆浩在《笔法记》中借叟之口论道“笔者，虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动。墨者，高低晕淡，品物浅深，文彩自然，似非因笔。”他指出用笔要灵活生动，用墨要晕染物体的质感和明暗关系。自此之后画家们的不断的探索、研究及实践，逐一建立了国画的笔墨技巧，使之中国画丰富而精妙的笔墨技法不断言传。中国画离不开“笔墨”，它是画家表达自己思想的一种手段，是画家语言和情感。 　　笔墨作为中国画最基础的造型手段，讲究的是笔墨情趣。在笔墨变化中可顿悟画家对社会及人生的感悟，这已成为历代画家的一种追求。在不同的笔墨技法下可为不同的艺术形式服务。古人通过对客观世界的认真观察与分析后，归纳总结了数十种形态???不相同的“皴法”与“描法”。“皴法”的形成，自然之山经过画家心的陶冶后，复写于纸上之山时，它已不再是山的本身形态，而是经过画家的提炼与修饰并融入画家自身的情感表现形态。这种形态源于自然又高于自然，于是就产生了各种不同的“皴法”。如江南之山多缓坡平岸，孕育出董源下笔如麻之披麻皴；北方之山多浑厚雄奇，孕育出李唐下笔的如刀削斧劈之斧劈皴。其余的还包括江贵道之泥里坡钉皴、郭熙之云头皴、米元晖之拖泥带水皴、倪瓒之折带皴、范宽之豆皴等，都是从真山真水中提炼出来的。 　　在用笔上，古人提出行笔须如锥画沙、如折钗股、如屋漏痕等数种技法。在用墨上，讲究墨分五彩，运墨有浓、淡、破、泼、积、焦、宿等技法。中国画中的笔墨是经过了历代画家的不断创造与发展，才一直延续下来的。随着社会的不断发展，审美意识的不断更新，必然会导致笔墨的变化，这种变化不是全盘推翻的，而是继承的变化，在继承中求发展，在发展求创新，在创新中求笔墨、求意境。构成笔墨的要素包含了个人品性、学养和才情。因此我们不能单纯的从笔墨中求笔墨，应该从古人的诗文、书画中寻求创作灵感，从平日的生活中体悟周围事物的形象，于表象之外的精神内核，这样才能求得笔墨之道。 　　中国画发展到今天，已经很难将笔与墨拆分开来。离笔则无墨，离墨则无笔，两者是缺一不可的，是相互依存，不可分割的共同体。 　　二、“构图”是中国画的法则 　　构图，是中国画的首要因素，而中国画构图具有一定的法理性范式要求。这种要求就是我们通常所说的构图法则。 　　中国画构图讲求留白、虚实、浓淡、开合等。中国画构图是基于阴阳论来把握构图各要素之间的相生相克、相辅相成的运动规律。而阴阳变化的过程是发于对立、归于统一的过程，因而在中国画构图的一黑一白、一浓一淡等关系中，一方都是另一方的反向作用力。正是正中有反，反中有正，正反相激而“道动”，显示着无穷的生发力。而天地、开合、欹正、虚实、浓淡、黑白、动静等都是中国画的构图法则。 　　中国画构图充分体现了开合的意识。开，是展开；合，不是简单的结束、关闭，是与开相呼应、相协调。中国画构图中的开合意识很强烈，任何唔想都可以用来开或合；反映了中国人传统的宇宙观。 　　中国画的构图也讲究欹正变化。其变化就是处理稳定和不稳定之间的关系。在中国画的一些画作中，我们也能看到枯树的左斜右欹，题字的崎岖变化等，这都是欹正变化原理的体现，这表明了中国画构图的讲求正中求不正、不正中求正，即“正儿不正，不正而正”。这是中国画的特征之一。 　　中国画的浓淡变化以淡墨的物象衬出实体的主体地位，而淡墨的物象亦不因墨淡而无足轻重，中国画的浓淡变化就体现在这相互间的对比中。置亦不因。 　　留白是中国国画中最具特色的，“白”是