当代摄影家影廊威廉·埃格尔斯顿挑战显而易见世界.docVIP

当代摄影家影廊威廉·埃格尔斯顿挑战显而易见世界 　　1976年，纽约现代艺术博物馆推出名为《“威廉·埃格尔斯顿的彩色照片”摄影展》。这是继该博物馆著名策展人约翰·萨考斯基（John Szarkowski，1925～ 2007）1967年策划的“新纪实”展览之后的又一个重要展览。该展览展出美国摄影家威廉·埃格尔斯顿（William Eggleston）的75幅彩色照片，主要拍摄的是该摄影家在美国南部家乡密西西比河三角洲日常生活中一些显而易见的场景，以及摄影家本人的亲戚和朋友。这些关于街道、车库、墓地、汽车、浴室、晚餐、烤箱、自行车、男女老少、黑人和白人、荒野中的狗甚至垃圾等平凡主题的照片，乍看起来如业余摄影师拍摄的快照，似乎没有严谨的构图和用光，但如果仔细观看，便会发现其中总有那么一些让人不解甚至不安之处；而且还会注意到，画面中人物或物体本身的色彩成为这些照片有机的组成部分—假如没有了这些色彩，这些照片可能就会失去意义。萨考斯基在该展览图录的导言中称，这些照片对于他来说是“完美的”。但《纽约时报》艺评家却认为，这些照片“非常平庸”，“绝对无聊”，并断言该展览是“这一年中最令人痛恨的展览”。 　　埃格尔斯顿的挑战 　　该展览为何如此具有争议？这需要让我们将摄影史回放到1960年代。1967年，正当纽约现代艺术博物馆展出黛安·阿勃丝（Diane Arbus，1923～1971）、加里·维诺格兰德（Garry Winogrand，1928～1984）和李·弗里德兰德（Lee Friedlander，1934～）的“新纪实”黑白摄影展时，埃格尔斯顿拎着一箱子的照片从南部来到纽约，给该博物馆时任摄影部主任的萨考斯基看，其中既有黑白照片，也有彩色照片。如同挖掘出其他重要的摄影家一样，萨考斯基很快发现埃格尔斯顿照片的与众不同之处，尤其是他的彩色作品。因此，他鼓励埃格尔斯顿多拍彩色照片，并告诫他不要着急。这说明，萨考斯基的确具有先见之明。一方面，他看出，在埃格尔斯顿之前绝大部分摄影家的彩色作品，或者色彩不是作品中的重要元素，仿佛只是用彩色胶片拍摄的黑白照片；或者过分注重照片中被摄体的色彩，而使得照片过于漂亮。另一方面，当时的摄影艺术界仍然以黑白照片为主流???即使现代艺术博物馆内部，对是否收藏埃格尔斯顿的彩色作品也有顾虑。所以，萨考斯基认为，展出埃格尔斯顿彩色摄影作品的时机尚未成熟。 　　的确，尽管彩色电影、电视和杂志在1967年已十分普遍，但彩色摄影仍然不被认为是艺术摄影。美国著名摄影家罗伯特·弗兰克（Robert Frank，1924～）就认为，“黑白便是摄影的色彩。”彩色摄影甚至被认为是“庸俗的”。其中的主要原因可能是，黑白摄影将现实世界的色彩简化为黑白灰三色，而产生出各种深浅不一的影调，使得现实世界变得陌生化，以此表明摄影作品是经过摄影家的提炼而成为艺术。彩色摄影却会记录外部世界各种物体和人物的表面颜色，包括许多粗俗的色彩，而且各种颜色之间会相互冲突，甚至会喧宾夺主，难以突出画面的主题。因此，对习惯于拍摄黑白摄影的摄影家来说，彩色摄影是一种完全不同的语言，甚至是一种挑战。 　　此外，大部分摄影家一向认为，只有通过自己在暗房中冲放的黑白照片，才能控制自己想要达到的效果。而彩色胶卷在当时需要送到专门的冲印店冲洗放大，摄影师难以控制最后的效果，另外，当时的彩色胶片技术还不够成熟，感光速度不够快，尤其是彩色负片，照片放大后色彩还原难以准确，而且不够清晰。当时，只有新闻机构和广告公司能承担准确制作专业彩色照片的费用，所以，彩色照片又被认为只与商业摄影为伍，或者，只是普通民众拍摄旅游景点或家庭快照喜欢采用的媒介，似乎彩色摄影媒介本身就难以高雅。虽然有不少摄影师（包括许多著名摄影师）从彩色摄影技术在20世纪初诞生以来，就一直尝试将它变为艺术摄影的媒介，也在不同程度上创作出一些有趣的彩色作品，但其中许多摄影师或是最终放弃彩色摄影，或是认为不如他们的黑白作品而没有发表。 　　埃格尔斯顿刚开始拍照时，也是从黑白摄影入手。1959年，当他看到卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson， 1908～2004年）《决定性瞬间》一书后，就被这位法国著名摄影师的黑白摄影拍摄手法所吸引。他发现，布列松的作品不仅内容和细节丰富，同时又能在一瞬间将画面中各种复杂元素变成一幅完美的构图。布列松的这种抓拍手法以及决定性瞬间的理念对埃格尔斯顿的摄影产生重要影响，这一点从他早期黑白作品中就能够看出。1964年，埃格尔斯顿甚至去了一趟巴黎，认为自己也能拍出类似于布列松的照片，却没有拍到一幅有意思的照片。这时，埃格尔斯顿才意识到，他无法像布列松一样能拍摄出他所熟悉的巴黎，也无法像这位新闻报道摄影师出身的大师那样从世界各地拍摄到不同的主题。埃格尔斯顿需要寻