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对音乐作品学习步骤思考 　　金秋十月，我们再次迎来了爱乐者们期待已久的音乐盛宴——北京国际钢琴艺术节，感受音乐与我们内心交流时产生的共鸣。由中国音乐学院主办的北京国际钢琴艺术节已经步入第七个年头了，它包含了曲目丰富而又生动的范例式大师课，信息量广博而又深入浅出并透露出大师们自然流露真情的专题讲座，近距离聆听既有崇高艺术品位又有世界一流、标杆性的大师级音乐会，激烈竞争同时也能相互学习的艺术节选手协奏曲比赛。这样的艺术节形式不变，但艺术节在经历过七年的成长后，已由当年以拉近世界一流钢琴大师与我们之间距离的初衷，逐步升华为一座我们心灵与音乐作品精神内涵之间沟通的桥梁以及宝贵的钢琴艺术交流平台。 　　本届艺术节邀请了七位钢琴大师：奥地利钢琴家保罗· 巴杜拉-斯柯达、美国钢琴家奥古斯丁· 阿涅瓦斯、美籍匈牙利钢琴家塔玛什· 翁格、美国钢琴家所罗门· 米考夫斯基、香港钢琴家郭嘉特、波兰钢琴家皮奥特· 帕莱切尼、德国钢琴家简· 吉拉赛克· 凡· 阿尼姆。大师们充满个人魅力的艺术气质和对音乐作品精练老道的诠释，让我们啧啧称赞的同时，更引发内心深切的思考。利用这样一个能使自己“静”下来思考的机会，整理和提炼平日的一些教学思路和体会，希望能够帮助和引导学生掌握好进入音乐作品精神世界的合理步骤。 　　作品的相关资料收集 　　音乐是一门“听觉的艺术”，在时间的进程中，运用音响给听众描绘出一幅画面。每当我们拿到一首作品，尤其是心中热爱已久，早已迫不及待地渴望演奏的作品时，我们会情不自禁地打开琴盖并开始弹奏。但正如刚才提到的“听觉的艺术”，我们有没有问问自己：“在你的手指准备好之前，你的思路和你的听觉做好演奏该曲的准备了吗？”一首作品的精彩诠释是能够最终呈现给听众的一件经过几个月甚至几年精工细雕而成的“艺术品”。在这一艺术创作过程中，需要我们静下心来追求细节的严谨和整体构架的紧凑，因此，在动手弹奏作品之前，有关作品资料的收集和整理是学习一首作品的首要任务。我们将乐谱看一遍，注意作者、曲名、作品号、谱号、调号、拍号、力度记号和表情术语，并查证作曲的年代。还要了解作品所属时期的风格和派别，作品要表现的内容，以及表达的方式方法。我们可以查找与作曲家甚至演奏家相关的自传、访谈、唱片、乐评等等，来进行分析和对作品演奏方法予以独立的思考，并逐步在脑海中建立起该作品的声音效果。按照作品的速度要求，打着拍子看着谱子，用“心”将作品想一次。 　　“法国人的音乐时常显示出法国式的优雅和清灵，而德国人的音乐总是显得那么固守原则，有了对于不同音乐风格的把握和诠释力，观众才会愿意听”，艺术节上香港钢琴家郭嘉特这样对我们说。的确，在一场音乐会或音乐比赛中，听到风格模糊且特点丢失的演奏总是让人感到沮丧。斯特拉文斯基在《音乐之诗》中对风格所下的定义是：“作曲家组织其概念与运用其技艺语言的独特方式，为一首作品的特征与精神”。风格可分为个人风格、民族风格、时代风格，要理解作品的内涵必须从这三方面着手研究。当我们准备聆听或学习一首作品时，关于风格、情绪、结构以及采用何种力度、触键和表达方式等等的思考就已经开始了。由此可见，通过资料的收集整理形成的理解与思考，能帮助演奏者在动手演奏之前在内心建立听觉的构想，是为将来能够驾驭作品的第一个学习步骤。 　　作品的逻辑性分析 　　“乐谱好似一张地图，在拿到手时要找出最理想的路线并把握合理时机以保证顺利走好这段路程，从而最终到达目的地”，具有丰富教学经验的美籍匈牙利钢琴家塔玛什· 翁格的大师课给予我们这样的启发。每一首音乐作品总有其特有的基本规则和逻辑性。当我们开始动手弹奏作品时，即需要手上动作与大脑思考并进不断聆听和分析：作品中的一个音进行到下一个音，音乐线索如何发展并且要发展到哪儿？以下几点是在这一分析过程中需要特别注意的问题： 　　（1）分析乐句的重点。思考每一个音的含义以及在这个乐句所占位置的重要性。我们应以乐句的语气、结构、节奏以及和声进行等要素为依据，找出每个句子中的逻辑重音，句子有了重心和导向性，音乐的轮廓起伏也就显现出来了。之后应该以此重音为基点，在乐句之间搭起桥梁，感受并保持乐句之间的发展关系所赋予的倾向性，让音符在具有明确方向性的引导下不间断地行进。 　　（2）分析乐段的重点。理顺乐句在进行过程中的前后关系，是问句、答句还是连接句，是展开或是补充。让我们回到谱面上来，弹一遍乐句的和弦进行，体会作曲家运用不同功能的和弦赋予音乐的色彩变化，分析并明了乐句的主次关系，感受到音乐的抑扬顿挫。通过几次这样的尝试、推敲之后，演奏者会逐渐地对乐段中各乐句间的起承转合、层次布局有准确而敏锐的洞悉。乐段内部结构更合理的同时，音乐情节也顺畅地发展起来了。有了这样清晰的乐段构成，再依据作品的曲式特点，继而扩展规划并搭建起全曲明确的结构。