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浅谈古筝表演与音乐美学原则结合 　　摘 要：音乐作品的生命存在于它的演奏之中，存在于以音调方式将它的思想展示给听众的过程之中。古筝表演属于音乐实践中的音乐表演环节，这正是对音乐作品进行二度创作的过程。本文以音乐美学原则为音乐表演提供了比较详细的指导，从而使古筝演奏在赋予作品以炫目的技术表现的同时，又赋予技术以无穷的艺术生命。 　　关键词：音乐美学；古筝表演；二度创作 　　古筝演奏是古筝音乐艺术实践的核心，音乐作品的生命存在于它的演奏之中，存在于以音调方式将它的思想内容展示给听众的过程之中。可见，演奏是音乐作品能否得到社会认可的一个十分重要的环节。当作曲家将自己的艺术构想用乐谱写下之后，这些乐谱标记便是固定的，但接下来把这些标记转化为音响运动的过程又从来不是固定的。“是将这些音响关系升华为瑰宝，还是将它们沦为俗物，是有关智慧的问题，是有关心地、技艺和天才的问题，是有关艺术敏锐感及其审美观的问题”。将古筝表演与音乐美学原则，即真实性与创造性的统一，历史性与时代性的统一，技巧与表现的统一相结合，是音乐表演者成功的关键。 　　1 真实性与创造性的统一 　　（1）真实性。真实性是指对音乐原作的忠实再现，是二度创作的基础。在古筝演奏中，首先需要演奏者认真研究曲谱，因为作曲家所要传达的思想只能通过曲谱的信息转达给我们，曲谱是我们在学习演奏中理解作曲家思想和创作意图最直接的途径，因此，要如实反映曲谱信息是再现音乐内容的前提条件，特别是对于乐谱中容易疏忽的曲体结构、调性调式、节奏、速度、力度等此类元素的研读。对于演奏过程中，有一定难度，或觉得不顺手、不习惯的乐句、指法符号，不能擅自改动，依自己的习惯去弹，要勤加练习，多多钻研，才能体会到原著的精髓。例如，《秦桑曲》曲调中大都采用徽调式苦音音阶，即微升fa和微降si。由于苦音具有一定的游离性，有时上行会略有偏高，有时下行会略有偏低，从而更好地体现了乐曲一种苦楚、激愤的腔调。只有演奏者对原著的细细品味与揣摩，才能更好地把无声的音符变成有声的音乐，把作曲家的创作成果“形象地”奉献给听众。 　　（2）创造性。20世纪50年代以来，随着东西方文化的交流融合，筝曲创作大胆借鉴了西方音乐创作手法，多声思维的创作孕育了现代筝曲的萌芽。赵玉斋在其《庆丰年》的创作中首次运用了“双手抓筝”的形式；赵曼琴创立快速指序体系；王中山将轮指细划为正轮、反轮、循环轮多种轮奏方式，以适应不同的音乐表现需求。所谓创造，是静梳条理，“情”制约于“理”。音乐二度创作所需要的是对艺术的创造性思考和创造性再现能力。完美的二度创造，首先要了解曲谱的内涵，创作背景，标题与乐曲内容的一致性是否有缜密的内在联系，演奏者应当以一种什么样的理念去认知、去表现。其次，熟读勤练，加强在技艺上的娴熟。最后从意念中慢慢悟出内在“情”与“音”之间的互联关系，把“情”揉入进“音”中，“音”带动于“情”里，做到“音”“情”并茂。在这一过程中逐渐把自己所能理解的情感认知，以及丰富的艺术想象所形成的意识流，以准确而有分寸适度地去把握每个瞬间音响流变的强、弱、虚、实、动、静，使自己对乐曲理解的全部情感和日积月累的修养“觉解”融入进表演。 　　2 历史性与时代性的统一 　　（1）历史性。每一首乐曲都是特定历史时代的产物，都蕴含着相当的时代背景，有其特定的时代风格与地域风格。表演者应当力求将这些风格真实地表现给观众，筝乐在其近三千年的发展过程之中，传统筝曲与各地戏曲、说唱等民间音乐紧密相连，逐渐形成了河南、山东、浙江、潮州及客家五大流派，派生和形成了各种具有不同音韵、演奏技巧和浓郁地方色彩。由于传统筝曲多是口传心授，没有固定的曲谱，演奏者对作品的时代内涵的理解非常重要。例如，在演奏表现方面――山东筝派《汉宫秋月》乐曲风格淳朴古雅，情绪哀婉凄愁，主要表现古代宫女的苦闷、忧伤与寂寞的怨情。表演时，应合理运用揉、吟、按，滑等古筝的旋律装饰技法，着重表现古代妇女们的悲惨命运，把深宫高墙内，宫女夜夜遥望清冷明月的凄凉与怨恨表现得淋漓尽致。而在演奏技法方面――汉魏时阮璃《筝赋》“大兴小附，重发轻随”可谓是对河南筝技极形象的描述，风格与河南人的性格和语言一样具有高亢、粗犷的特点，受民间说唱音乐和戏曲音乐的影响较大。因此，演奏者在进行二度创作时，要尊重作品的历史特征和音乐创作的地域特点，从历史的角度把握作品风格，再现作品的历史风貌，反映出作品原本要表达出的深刻内涵。 　　（2）时代性。曲谱往往是过去创造出来的，而表演者却是不停在变换的，每个表演者都不可能完全离开自己所处的时代，不可能完全脱离自己所在的环境去进行表演，他们总是习惯性的用自己时代的眼光去处理乐曲，站在自己时代的立场去解读乐曲。其实，二者并非是矛盾的，根据历史唯物原理，事物永远是发展的。从五十年代至今的半个世纪中，古筝艺术的发