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中国古诗词类艺术歌曲的演唱分析 　　【内容摘要】古诗词类的中国艺术歌曲，是最具有中国民族特色的声乐作品之一。因其在创作、风格等多方面具有鲜明的艺术特色，所以需要在演唱过程中予以重点思考和把握，方能获得良好的歌唱效果。文章从中国古典诗词类艺术歌曲的含义和发展谈起，从作品体验、技术运用、风格把握和情感表现等多个方面，就其演唱进行了分析。 　　【关键词】古典诗词 艺术歌曲 演唱 　　一、中国古典诗词类艺术歌曲的含义 　　中国古典诗词类艺术歌曲，顾名思义，就是指采用中国古代诗歌和词赋作为歌词的艺术歌曲，其诞生并不是偶然的，而是主客观因素综合作用的结果。艺术歌曲是欧洲声乐艺术中的一个重要体裁，诞生于18世纪前后的浪漫主义时期，当时的舒伯特、舒曼、门德尔松、柴可夫斯基等音乐巨匠，从一些著名诗人的诗歌中得到了创作灵感，以这些诗歌为歌词，创作出了一首首精美的艺术歌曲。可以说，以诗歌作为歌词是艺术歌曲的一个重要传统。20世纪初，西方艺术歌曲传入中国后，中国音乐创作者，也自然将目光投向了中国的古典诗词。中国的古典诗词，无论是在形式和内容上，数量和质量上，都远比西方诗歌丰富。且有诗乐相融的特点。于是在众多创作者的共同努力下，先后创作出了一大批优秀的以古典诗词为歌词的艺术歌曲，堪称是中国声乐宝库中的奇珍。 　　二、中国古典诗词类艺术歌曲的发展 　　20世纪20年代，音乐家青主以苏轼的名作《念奴娇?赤壁怀古》为歌词，创作出了第一首古典诗词类作品《大江东去》，在当时的中国音乐界受到了普遍的好评。随之，黄自、谭小麟、江文也等音乐家，也创作出了多首精品。如黄自的《花非花》《点绛唇?赋登楼》《南乡子》，谭小麟的《清平调》《江夜》，江文也的《水调歌头》《春晓》等，由此迎来了中国古典诗词类艺术歌曲的第一次创作高潮。40年代，较为著名的是冼星海创作的《古诗十首》，以及黎英海、刘雪庵、罗忠?F等人的作品。新中国成立后，以李劫夫、陆祖龙、田丰为代表的多位音乐家，进行了为毛泽东诗词谱曲的创作，被视为是古典诗词在新时期的新的表现形式。进入当代之后，随着人们对传统文化的认识转变，很多音乐家又再次将目光投向了古典诗词，如戴于吾创作的《声乐曲十五首》、吕守贵创作的《中国名诗词曲集》等，都引起了强烈的反响，彰显出了当代音乐工作者的民族文化复兴意识。 　　二、中国古典诗词类艺术歌曲的演唱分析 　　（一）作品体验方面 　　作品体验是声乐演唱过程中的第一步。由于中国古典诗词都采用文言文的形式写成，对于当代人来说是相对晦涩和难懂的，所以更需要充分做好这种体验工作。具体来说，这种体验主要包含宏观和微观两个方面：宏观方面是对作品整体的了解，包含词曲作者的生活经历、所处的时代特点、作品所表达的思想情感等。而且在这一分析的过程中，要始终与历史发展相结合，用历史观去分析特定时代背景中创作者特定的创作动机，否则就会产生一种错位感;微观方面是指对歌词的剖析。首先，要弄清楚每一句诗词的含义，效仿初中和高中时期学习文言文的方法，对诗词进行逐字逐句的翻译，在此基础上形成对诗词的整体认识。其次，是反复朗诵诗词。因为汉语具有音韵性特征，所以从某种意义上来说，诗歌本身就是歌曲。演唱者应该有感情地对诗歌进行反复朗诵，以此来熟悉诗歌的形式特征，并加深对诗歌的情感体验。比如李白、苏轼等人的诗词，虽然他们都属于诗词中的豪放派，但是仔细诵读他们的诗词就会发现，这种豪放的背后是有着很多无奈的，如怀才不遇、壮志难酬等，这才是这首诗词的情感核心，倘若没有认识到这一点，那么也就难以演唱出歌曲情感的精华。所以，对于古典诗词类的艺术歌曲而言，作品体现是尤为重要的，对整个歌唱效果有着决定性的影响。需要演唱者对此有足够的重视，并形成一套合理的方法，使之成为自己一个良好的歌唱习惯。 　　（二）演唱技法方面 　　古典诗词类艺术歌曲的演唱，与一般的歌曲演唱有着相同之处，但是也具有自身的特殊性。具体来说，第一，是在气息方面。气息是歌唱的源动力，在演唱该类作品时，在气息方面最讲究的就是一个“度”的问题，而度的深浅，则取决于作品的实际需要。比如在《长相知》中，起音的“上邪”二字，长达十一拍，并带有装饰音，要求演唱者有充足的气息，能够将其一气呵成地演唱出来。而在《大江东去》的“乱石穿空，惊涛拍岸”一句中，几乎每两个字就有一个休止符，所以演唱者的气息不能太满太深入，而是要追求一种快速和灵动的效果。要求演唱者能够根据实际需要合理的运用呼吸。第二，是咬字吐字方面。因为古典诗词具有合辙押韵的特点，所以吐字咬字也是演唱中的一个重点所在。要求演唱者对每一个字都要经过严格的推敲和琢磨，绝不能含糊地一带而过，要力求将每一个字都清晰地送入观众的耳中。特别是一些以诗歌为歌词的艺术歌曲，整个曲子只有28字或20字，本身就是字字珠玑，要求演唱者有感情