戏剧翻译原则理论研究.docVIP

戏剧翻译原则理论研究 　　摘 要：戏剧翻译作为翻译研究中一项饱富特色且意义重大的一块领域，长期以来不乏众多翻译研究者的孜孜探索。戏剧翻译是文本的艺术化过程还是艺术的文本化过程一直是众研究者争论不下的焦点问题。本文通过对苏珊?巴斯内特等人戏剧翻译理论的梳理，重点提出“可表演性”和“可接受度”两个戏剧翻译不可回避的探索原则，将戏剧翻译的艺术和文学考量结合起来，以期为此领域的理论研究提供一些思路。 　　关键词：戏剧翻译；可表演性；可接受度；艺术考量；文学考量 　　 　　自翻译学成为独立的学科系统地进行发展以来，戏剧文本译介研究也在不断得以深化。戏剧文本因其涉及表演艺术和文本翻译两门学问的特殊性，在东西方翻译界均有众多译者在苦苦追求其翻译原则，以期为戏剧和翻译提供一些便捷。但是，当我们冷静以观，再次思考戏剧和翻译的结合之时，我们不能不首先确定戏剧翻译的“艺术定位”。翻译界对翻译是姓“艺”（艺术）还是姓“科”（科学）的争论旷日已久，结构主义、解构主义等历史思潮也不断对其推波助澜，不同的定位促使其译者采取的翻译策略是截然不同的。我们不妨先问几个问题：戏剧翻译是否可与其他文学类型的翻译采取相同策略？戏剧翻译的用途是什么，其受众是谁？戏剧翻译是服务表演更多，还是服务阅读更多？这些问题虽是戏剧翻译策略的关键，其回答是仁者见仁，智者见智的。本文认为戏剧创作的本身便是带着原作者的个人情感和创作意图的，至于其最终形态无非两种，一是止于文本（为阅读而作），二是行至舞台（为表演而作），因其创作过程和方法的差异，翻译的文本和表演侧重必不相同。但因戏剧故有的表现形式（独白、对话等），“可表演性”是所有剧作家都不可回避的问题，自然，这一原则也便成为了戏剧翻译原则的焦点之一。 　　 　　1 可表演性 　　 　　 “可表演性”这一概念在西方早已有之，但是其正式进入翻译研究的领域还是归功于英国翻译理论家苏珊?巴斯奈特（Susan Bassnett）的《仍陷迷宫之中--对戏剧和翻译的再思考》（Still Trapped in the Labyrinth-Further Reflections on Translation and Theatre）一文。之前Levy等翻译家也曾就戏剧翻译话语的“可说性”和“可表演性”提出见解，却并未能系统阐述，但可表演性的提出总算因其“表面合理性”成为戏剧翻译者的孜孜以求的翻译准则。 　　 　　2 可接受度 　　 　　然而，“可表演性”原则到底是什么原则？翻译到什么程度才是“可表演”的？翻译后的戏剧文本是否就是舞台文本？苏珊?巴斯奈特在其论文中说“该术语（可表演性）在我看来并无可信度，因为其不符合任何形式的定义”，译者水平、目标受众、演剧传统、社会体制等因素的变化都可引起“可表演性”程度的变化，“在许多译作的序言中均可看到该术语的出现，表明该译文更符合最终表演的要求”，“我们总是从字面上理解这种表述，却永远无法说清到底可表演是何意义，为什么一译文比另一译文更适合表演。”可见巴斯奈特并不赞成以“可表演性”作为戏剧翻译的标准，因为其定义过于模糊。对此，本文认为，“可表演性”的浅化理解实则为“可接受度”。前文提到，几乎所有剧作家、翻译家都无法回避可表演性的考量，实际都是在以戏剧表演的编剧或导演的立场在看待戏剧文本，写作或翻译则成为施者和受众的互动创作过程，剧作者和翻译者时时要考虑的问题便是：受众（观众或读者）如何才能接受相应的艺术形式？我们以戏剧创作至文本翻译再到最终演出这一顺序链为例。 　　2.1 语言“可接受度” 　　首先是语言。不管对何种文学类型，语言都是引领表意行军的急先锋，虽有解构主义者德里达、福柯等人歇斯底里的颠覆性言论，解构语言尤其是文本语言的权威性，但语言是各种文学类型的表义载体，是将作者思维付诸恒久实际的必需载体，戏剧亦然。为阅读创作的如Closet Drama（书斋剧）的受众尚能同小说、散文等文学类型同样从字里行间寻求意义，对阅读过程中出现的暂时不解或误读都还可以通过重新阅读加以纠正，然而对为舞台表演而创作的如Scene Play（情景剧）的受众来说，语言（口头语言）却是他们的主要信息获取途径，且该途径是单向性的，没有重新“阅读”的机会。所以，戏剧文本（包括译本）的语言“可接受度”必须能够得以最大实现。首先是编剧和导演，他们是演出剧本的选择者，所接触的直接是戏剧文本。他们挑选作品考虑的是“可表演性”，一方面是演员的话语表达难易度，另一方面是目标观众的话语接受度，当然不可或缺的还有戏剧表演的商业因素等。单从语言层面讲，舞台表演涉及语气、曲折、音调、音域等口头语表达因素，选材者自然不会无视它们；其次是演员，演员阅读剧本是为了了解剧目内容，加深对特定人物的理解，他们在接受一剧本之后，始终考虑的都会是