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文艺复兴时期自画像中神性艺术家形象解析 　　文艺复兴时期的职业划分延续了中世纪的传统，绘画、雕塑等被视为机械技艺，排除在“自由七艺”之外。这一时期也没有“艺术家”（artist）这一称呼，只是在画家和雕塑家的名字前面冠以职业称呼，而且在社会地位上，他们中的大多数人无法摆脱工匠（artisan）身份。但个别艺术大师社会地位的提高引发了雕塑家和画家要求全面转变行业地位、提升个人和群体价值的愿望，他们开始利用自画像塑造自己的新形象——我们暂且称之为“艺术家”。[1] 　　根据韦氏新国际英语大词典的解释，自画像（self-portrait）[2]应具有以下两点特征： 1、由艺术家自己创造； 2、由自己创作的体现出性格品质或个性特征的图画。 [3]自画像不仅描绘外表，也描绘内心。虽然早在文艺复兴以前就有自画像的存在，例如老普林尼笔下一个叫玛尔西娅的女画家绘制自画像的故事通过薄伽丘的转述而广为人知， [4]在中世纪，也有人把自己的形象刻在了教堂的大门上或是画在了抄本书中。但是这些描绘的都是一种理想型并没有体现出个性特征和品质。只有到了文艺复兴时期才产生以上两种含义的自画像，而且，艺术家们用自画像塑造新形象，这其中“神性”艺术家形象最能体现他们的自我意识，反映了他们提高社会地位的愿望。艺术家的神性包括两个方面，其一是具有创造才能的艺术家形象，另一个是指天赋才华的艺术家形象。 　　具有创造才能的艺术家形象 　　在古代社会，关于绘画、雕塑与自然关系的言论有两种，第一是认为画家和雕塑家是自然的模仿者，艺术只是尽可能地临摹自然以达到以假乱真的效果。 [5]另外一种观点则认为艺术要比自然更完美，因为画家和雕塑家可以选取自然中最美的各部分组成新的形象。第二种理论是艺术家作为创造者理论的最初来源，在这种观点中艺术家的能力被神化。 　　在中世纪，艺术家依然被视为工匠，上帝却被比作成艺术家，因为这种比喻更能说明上帝的创世纪。上帝从事了两种手艺，一是作为雕塑家的造物主，他用陶土造出人类；另外一种是作为建筑师的造物主，他用数和比例创造了整个世界——“数的本质是秩序的本质，天国的美是关于数的问题。任何制造物真的没有数的问题吗？这个数不是在那非凡的智慧上面已经建造了这个世界的原则吗？并且这种智慧不是最高的基督、艺术家的艺术家和上帝的最重要作用吗？ ”[6] 　　文艺复兴时期，艺术家们强调了自己和上帝的关系——艺术和上帝一样都是利用数学规律工作，透视法就是最好的说明。大概到了 1500年左右，艺术家称自己为创造者而非制作人，艺术家成了具有神性的人，和上帝一样具有创造才能。丢勒 1500年的自画像正是这种“神性”艺术家观点的宣言，画家刻画了自己正面肖像。这幅画在一定程度上很难被认为是自画像。因为正面肖像历来被用来描绘基督的形象，这种传统来自于“维罗尼卡圣颜布”的传说。据说当耶稣背负十字架走向骷髅地的时候，一位名叫维罗尼卡的女人出于同情用一块布为耶稣擦拭脸上的汗水和血迹，而耶稣作为回报在这块布上留下了自己完整的容貌形象。因此，人们相信是耶稣本人而非画家是圣像的制作者，是他让自己的形象显现。 　　丢勒在 1500年的自画像（图 1）中，不仅采用的是和圣像一致的正面形象，并且把自己扮演成耶稣本人的样子。在这一时期，对于耶稣容貌的描绘相对图式化，因为人们始终认为关于救世主的相貌是有目击证明的。例如在一份伪造的报告中这样写着：一个中等身材的男人，很容易被认出，他给人印象深刻，以至于那些看到他的人爱戴他、敬畏他。他的头发是一种榛实的颜色，笔直的垂到耳际；耳际下是浓密的卷发，并且垂到他的肩上。在他的正面，他的头发像拿撒勒人一样在中间一分为二。他的前额宽广、平滑，他的脸上没有任何皱纹和瘢痕。他的胡须就像年轻人初生的胡须那样厚实，并且与他头发的颜色一致。他的眼睛是明亮的、目光敏锐、清澈。 [7]标准模式中耶稣发式以及颜色等特征都和丢勒 1500年自画像中的形象极其相似。更重要的是 1500年自画像上的签名“我是纽伦堡的阿尔布雷特 ·丢勒，以此方式，在28岁时用持久的颜料画成”，在画面的另一边有画家名字的花押和年代标记。这些都清楚地指明是丢勒完成了自己的画像。这幅画实际上是完成了画家与模特，画家与制作者的统一：一方面，丢勒作为模特是绘画描绘的客体，画家可以按照上帝的形象描绘自己；另一方面，丢勒作为该画的创作者，他可以通过自己的艺术体现出和上帝一样的创造能力。 　　对文艺复兴时期的艺术家而言，创造力和摹仿都被视为艺术家的能力，而且创造力很快就替代了后者成为评价艺术家的标准之一。达 ·芬奇的笔记中反复出现关于创造力的论述，并且把艺术家与上帝并提： “倘若画家想看到能使他倾心爱慕的美人，他就有能力创造她们，倘若他想看骇人心魂的怪物，或愚昧可笑的东西，或动人恻隐之心的事物，他就是