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练琴艺术　艺术地练琴 　　晚上好！欢迎各位光临今晚的研讨！整个艺术节期间的讲座及研讨，主要涉及与钢琴演奏和教学相关的几个方面。今晚我会讲大约45分钟，然后会留时间给大家提问。中文里很有意思的一点是有把远道而来的学者称为“专家”的传统，但事实上并非如此，没有谁是所谓真正的“专家”，我们都是互相学习。你们无法想象我从今晚刚结束的演奏学员音乐会上学生们的演奏中学到的东西有多少！比起那些伟大的作曲家，我们实在是太渺小了！即使作为人类当中普通的成员，他们为我们创造的有如永不枯竭的源泉！我非常荣幸在这里与大家共同探讨，但我同样期待着你们的参与，特别想听到你们的感受与想法。 　　今晚我要向教师与学生们提出几个有关如何在练琴当中磨练技术的建议，首先是如何脱离漫无目的的重复性练习。用耳朵鉴别地练而不只是动手指练。我注意到我们的特邀艺术家在大师班授课中是何等频繁地对学员说“听听你弹出来的是什么效果”，要以强烈的意识去听你弹出的声音；要去探究并理解弹奏曲目的风格特征。正好我们有很多教师在场，因此我要提出几点有关教师如何在这些方面起引导作用的建议。记得多年前我在日本见到一种练琴辅助用具，它可以通过声音辨别并记录一个学生练习同一个乐句的次数。听见同一乐句被重复了那么多次后感觉就像节拍器摆动完后发条松了一样。这非常典型地反映了那个年代日本学生大多在练琴时处于机械地无意识地重复性练习状态。很遗憾，这种现象在当今中国学生的练琴状态中也非常普遍。学生们似乎把这些艺术作品当作一种体育竞技，以能否弹得更快和加以外在的表现鉴别演奏的优劣。当然，这种倾向又因为听众热衷于体育竞技般的演奏而变本加厉。在意大利歌剧演出中，如果主角演唱一段咏叹调达到高音C时，听众马上会爆发出狂热的喝彩；在芭蕾舞演出中如果演员在跳跃动作中腾空很高或脚上功夫足以令人眼花缭乱，观众也会立刻起立鼓掌而全然不顾剧情的进行。说不定哪天在柴科夫斯基钢琴协奏曲演出中双手八度的快速跑句出现过后，不等全曲奏完也会随即引起雷鸣般的掌声，这种可能性真是令人担忧。事实上，音乐作品反映的是人类的情感体验和精神内涵，我相信大家会和我一样同意，没有任何真正的音乐作品是单纯为了技巧而作的。优秀作品的作家总是表达喜怒哀乐、酸甜苦辣，甚至各种景象。基本上作曲家的创作过程总是由乐思转化成对各种声音的想象和揣摩，再经过一段时间整理出不同的排列组合，最终落笔纸上。比如说贝多芬《第五交响曲》著名的“命运敲门声”主题动机，本来是很长的乐句，经过作曲家反复思索和修改最终提炼出家喻户晓的这四个音。莫扎特这位旷世奇才的创作过程是通过内心听觉构思整部交响曲或整部歌剧的所有细节，然后直接记谱而绝少修改。整个创作通常都是这样的一个将各种乐思筛选并精简的过程。于是你我在二三百年后得到这些记满乐思的纸张。我们不得不依赖所有谱面的音符和各种标记，所以我们得尽可能找到最好的、最新的，而且是音乐学家最新研究的乐谱版本。然后我们就开始建立作曲家创作时头脑中的意象，这实际上是一个再创作的循环过程。我们都意识到同一首作品哪怕是50年前人们的演奏诠释方式和风格跟今天的会很不相同。 　　那么到底什么是技术？在我脑中是很简单的―就是艺术地弹奏，是用我们自己的耳朵像听众一样去鉴别而引导自己的弹奏。因此对于教师来说引导学生发展出音乐思维和理解作品内涵的能力比光是训练学生技术能力更重要。当然，每个演奏者的身体条件如身高、体重、身体机能等都不尽相同。那么在琴上弹出的声音自然就会有不同。总的来讲，那些坚持引导学生在弹奏中不停地听辨自己弹出的声音的教师是更好的教师。其实，如果坐在车里听到演奏录音，辨别出是哪位名家的弹奏并非难事，像霍洛维兹、普莱亚、李赫特尔、吉列尔斯、席夫、鲁宾斯坦等大师都有各自独特的弹奏风格特征。我相信大家都有一个相同的感受，就是当听到自己的嗓音出现在录音中一定不敢相信那竟然是自己发出的声音。其实同样的状况其实也出现在我们的弹奏当中。当你在演奏时要表达情感的同时又要听辨自己弹奏的声音是很难做到理智和客观的，等你弹完后作为听众倾听自己弹奏录音时听到自己表达出来的情感和声音也一定跟你在弹奏当时听到的很不一样。相信大家在听大师班课时经常听到特邀艺术家对学生说：“渐强要夸张些”、“注意你的减慢”等等。这正好说明了学生在弹奏时听到的和专家在一旁时听到的不相符合。教师在授课中一定要始终不停地引导学生听辩自己弹出的效果，比如我在教学时就会经常问学生：“你刚才弹出来的是你想表达的吗？”我还经常模仿学生的弹奏重复给学生听，然后问学生是否喜欢这样的处理。我们的特邀艺术家总是提到歌剧演唱、交响乐的音响效果。显而易见，贝多芬在创作钢琴作品时内心听到的是乐队的音响。 　　那么到底什么是真正的钢琴演奏？其实是个非常简单的问题，撇开音乐作品来讲就是怎么样弹奏钢琴。这也是为什么比起其他乐