看得见的声音.docVIP

PAGE PAGE 1 看得见的声音 　　文学、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、建筑、戏剧与电影，这8大艺术门类各有各的展现方式，而电影是其中比较特别的一个。其他7个艺术门类都是个人思想表达的艺术，个人或者小群体就能完成，并且更倾向于自我感受的表达，不仅更为抽象，而且对展现环境的要求较低。相比之下，电影难以依靠小群体完成，它需要多个部门的通力合作，作为思想的源泉，导演需要假他人的表演将自己的思想呈现出来，形体、动作、神态都是非常具象的表现方式，而随着有声电影，特别是可靠的同步声音技术的应用，让电影这项具象艺术，又有了最为具象的对白以及最为抽象的音乐等更多的表现形式。 　　相比可见、可再现、可静态表达的画面，声音的体验较为间接，它没有静态表现形式，依附于主体而存在。然而，作为电影艺术中最重要的奖项，奥斯卡金像奖却从1930年开始，先后设立了最佳混音奖、最佳原创音乐奖、最佳原创歌曲奖和最佳音效剪辑奖等多个直接与声音相关的奖项。 　　说到声音，就不能不提及一家触角渗透至所有有关声音领域的公司，我们看不到它，但不夸张地说，随时都会与之打交道的公司，它就是杜比。1965年，在剑桥大学获得物理学博士学位的美国人RayDolby，在英国伦敦创建了以自己名字命名并将科学研究作为重心的公司，这就是杜比实验室有限公司（DolbyLaboratoriesInc.，以下简称杜比公司）。1976年，RayDolby将总部迁到了旧金山，这里距离全球影视娱乐的中心洛杉矶仅600km，并由此与这个行业结下了不解之缘。下面就让我们来看看，杜比这家以声音著称的企业，如何在光影艺术中书写自己的历史的。 　　有声之源 　　在摄影术基础上发展起来的电影，最初只是连续的影像。1895年，当路易?卢米埃尔和奥古斯特?卢米埃尔兄弟俩在巴黎的一个小咖啡馆里完成世界上第一次活动电影的正式公映，影响人类生活百年的艺术正式粉墨登场，无论是他们所放映的12部1min长的黑白片段，还是更早的英国人LouisLePrince所制作的仅长2s的《RoundhayGardenScene》，声音都还不是电影的组成元素。改变发生在1900年，伟大的创意让声音成为视觉艺术的背景，令观影过程不再枯燥无味。然而由于技术限制，当时的声音只能作为背景使用，多无对白而只有与画面无精确关联度的音乐。直至1910年，爱迪生发明了把留声机的声音和电影摄影机上的图像联系起来的电影机，音画同步问题得以基本解决，声音开始成为电影的固定组成元素，真正意义上的有声电影诞生了。 　　又过了17年，也就是1927年10月6日，华纳兄弟正式出品《爵士歌王》，主角一句“等一下，等一下，你们还什么也没听到呢。”标志着有声电影新时代的来临，短短9年后，卓别林出品了他的最后一部默片《摩登时代》，无声电影尘封历史。 　　模拟时代的噪音 　　随着声音以及彩色的加入，让作为娱乐业之首的电影工业进入了高歌猛进的时代，新技术被广泛引入。默片时代，35mm胶片的满画幅长宽比例是和传统电视一样的4：3（28mm×21mm，确切地说，此时电影屏幕的规格是后期电视画面规格的决定性参考因素）。而与最初爱迪生发明的画面和声音双机同步播放不同，华纳兄弟影业开启了有声电影的商业时代后，就确定将声音信息直接印制在电影胶片上的方式，随着24格胶片的移动，对应帧的声音也被高同步精度地回放出来。在不改变35mm胶片基本规格的条件下，胶片上的画面高度未变，而宽度被设定在1英寸（25.4mm），即长宽比例为1.21：1，画面侧面的3mm宽空间留给影片的背景音乐、对白等多路音源所混合的单音轨使用，因而实际上那个时候，电影画面变得更窄了。这种画面与音轨同时印制在胶片上的方式，直到环绕声技术出现之前一直在延续。 　　电影中的声音来源众多，随着艺术表现力增强的需要，越来越多声音的元素被加入，在背景、音乐和对白之外，音效的概念逐渐显现，此时奥斯卡金像奖增加多个相关奖项不无道理。为了方便调整和增减，人耳听起来的一个声音，在电影上却是由多个音源产生并对应多个相互独立的记录，这就是音轨概念的基本雏形。 　　在模拟时代，信号（声音）与噪音之比，即信噪比是音响质量的关键参数，同时影响着观影体验。但是，当越来越多路音源需要混合、后期音效需要叠加处理，每一次混音、每一次处理，都使噪音变得更大——模拟技术的局限，甚至严重到了必须解决的程度。 　　RayDolby在电路信号处理上的造诣，让杜比公司从一开始就将工作目标瞄准了战后繁荣时期蓬勃发展的电影电视业，公司成立仅仅几年后，其第一个面向民用市场的NR（NoiseReduction，降噪）技术DolbyA-Type就被运用到电影中。这部1971年发行的著名英国剧情电影《AClockworkOrange（发条橙）》不仅情节和拍摄技法成为一代经典，也因为出