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声乐学习中到底应不应该模仿 　　摘 要: 文章作者通过对现在声乐界中 “赞成模仿”和“反对模仿”两种不同观点的深入分析,从正反两方面论证了模仿给声乐学习者带来的益处与弊端,在剖析“不可模仿”观点的同时又对赞成“模仿”的观点做了进一步的补充,为很多在“模仿”与“不该模仿”两种观点中犹豫不决的声乐学习者提供了一些意见和方法。 　　关键词: 声乐学习 模仿 声音 　　 　　在声乐学习过程中,有人反对学生模仿,有人支持模仿;有的老师要求学生不要随意模仿别人,而有的老师却通过给学生做示范,要求学生模仿自己。长久以来,这两种观点一直在声乐界被很多专家学者争论不休。那么,在声乐学习中,到底该不该模仿呢? 　　反对模仿的人认为,世界上没有两个人的声带和共鸣腔体是完全相同的,各个发声器官的肌肉的伸张程度和形态因人而异,所以,让一个人去模仿另一个人是不科学的,也是没有意义的,我们培养歌唱者不是要培养第二个宋祖英或阎维文。 　　赞成模仿的人认为,很多时候,直接模仿是让学习者很快找到好的声音和状态的捷径。因为,人的发声器官在身体内,发声时,人们看不到自己的各个器官处在什么状态,只能凭借对内感觉的控制去调整自己的发声器官,再结合外感觉(听觉)来控制自己的发声器官。这里的外感觉(听觉)也就成了指导人们歌唱行为的标准,人们在学习中,就要给自己找这样的标准,为自己唱出预想的声音而努力。 　　以上两种观点,都有自己的道理。我们稍加分析后不难发现,不赞成模仿的人认为声乐界本身在声音方面是没有标准的,也就是说,不能以某人的声音为标准去要求另一个人也唱出同样的声音。而后者则认为,在学习过程中,人们必须有一个声音标准,这个标准不是抽象的说教,而是很形象的声音。对比一下前后两种观点,它们并不存在本质上的冲突,只是各有所指,含义不同。就前者的标准而言,指的是具体的声音,更多地偏重于音质、音色,而后者的标准,虽然也指声音,但更多地偏重于发声的状态。有共同的歌唱状态不一定会有相同的音色。在声乐学习领域里,虽然不提倡大家都唱同一个声音,但是在发声状态上还是有起码的共性标准的。既然如此,从声音的音色、音质角度上,杜绝模仿是毋庸置疑的,而从声音状态的角度上来讲,模仿又是无可厚非的。 　　刻意去模仿某个人的音色是模仿不来的,人们歌唱时要讲求自然松弛的状态,如果强行让自己的音色向某个人的音色上靠拢,就会背离自然松弛的状态,从而养成不良习惯。在声乐学习过程中,教师强调不让学生盲目地模仿,就是怕学生在模仿过程中,不自觉地养成一些连自己都感觉不到的习惯,例如,有的学生为了模仿甜美清脆的声音,在演唱时白声过多,声音位置低,但自己却听不出来,还满足在自己的声音当中,结果越陷越深,问题越来越严重。有的学生为了追求声音的宽厚响亮,努力在喉部用力,结果产生喉音。以上这些现象都说明,模仿这一学习方法在对学生学习声乐起促进作用的同时,如果运用不当,也会给学生带来不少麻烦。 　　在实际的学习过程当中,我们会发现模仿无处不在。例如,那些学习声乐的初学者们对声乐理论知识了解甚少,更谈不上深度地理解,他们的学习大多是从模仿当中来的。在这个阶段,教师也相应地采用更多的声音示范,而少用语言上的讲解。这时,学习者自身程度还很浅,即使给他一个标准,让他听很动听的声音,他也无法模仿出来,但是,学习者可以大致把握要模仿的声音的状态,做到最根本的调整。例如,掌握嘴巴张开、喉咙打开等一些基本的要领。很多学舞蹈的同学也是一样,他们的灵感还是更多地从电视或身边比自己优秀的舞蹈者的舞蹈中得来的。另外,像一些书法家也是如此,我们没有发现天下有哪两个书法家的字迹是完全一致的,但是,每个书法家开始学习写字无不是从最初的临摹开始的。由于声乐这门学科具有抽象的特性,学生在学习声乐时,唯一可参照的就是声音,因为每个人的歌唱内感觉是有区别的,当老师以自己的内感觉为准去指导学生,学生照这样的内感觉去调整时,不一定能够获得同样好的声音,但是声音相对来说就形象了很多。学生在练声过程中,想要效率高,就必须时时刻刻明白自己的目的是什么,也就是说,重要的是明白自己要做什么,而不是怎么去做,这也就是为什么在上课过程中,老师再多的说教也不如示范来得有效的原因。即使有时老师并不做太多示范,聪明的学生还是会在老师的指导下,按要求在大脑里构思一个声音,之后,再由大脑指导自己的发声器官为唱出理想的声音而做相应的调整,从而达到老师的要求。实践证明,能掌握这种学习方法的学生在学习声乐时进步很快,而且老师在教这类学生时也很省力。有的学生在学习过程中很听老师的话,老师让他把下颌放松些,他就努力地放松下颌,老师让抬高软腭,他就竭尽努力调整自己的软腭,但是,仍然唱不出老师想要的声音。这是因为好的声音状态要经过所有发声器官的协调配合才能得到。老师听到学生的声音出现的问