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浅议中西方绘画色彩比较 　　摘 要：东西方美术属于不同美术体系，它们在各自的文化背景中受到民族心理和意识形态的影响下逐步形成。本文以东西方绘画中色彩的使用为出发点，简要介绍下东西方绘画里的用色和颜料的历史两方面简述它们的区别联系。 关键词：色彩表现；颜料使用 中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）36-0062-01 色彩是重要的视觉元素，也是绘画表现中的重要手段。色彩在绘画形式语言中具有极强的艺术感染力，起到构成画面表情的作用。随着近代西洋绘画引进，中国画面貌也发生了很大变化。比较和学习中西方色彩对于欣赏艺术作品和艺术创作具有积极意义。 一、色彩表现 中华民族传统审美观念乃至文化内涵反映在绘画作品上，形成区别于西方绘画特有的表现形式。传统中国画使用不同材料制成的毛笔在纸、绢上作画，用水做调和剂来中和颜料和墨的浓淡深浅。从材料工具来看，它更适合意境的制造，为“畅神”而作画，其中有深刻的人文精神。笔墨是中国绘画的最基本的表现语言，它也是传统中国画的核心要素，是伴随着中国绘画的历史发展而形成的。中国画在内容和艺术创作上体现了古人对自然，社会、宗教、文艺等多方面的认识，因此具有多重意义。唐代张彦远在《历代名画记》提出“运墨而五色具”，意在表明墨分浓淡，用墨要丰富。笔墨运用恰当则可以生出无穷的变化，这些变化构成了区别于西方绘画特有的视觉效果。 西方绘画主要表现语言是素描和色彩。18世纪以前侧重素描，尤其在文艺复兴时期绘画因得到透视学、解剖学和明暗法三大科学支撑，取得显著成就。由于摄影技术在当时还没有出现，绘画担负着记录图像的任务，所以比起色彩来大多数艺术家更重视体积感也就是黑白的使用。18世纪之后，色彩在绘画中的地位日趋显著。美学家狄德罗曾说过“素描赋予人与物以形式；色彩则给他们生命”①。 19世纪，西方印象派已经把色彩的表现力发挥到了极致。印象派的特点是捕捉“瞬间”的自然景象。画家细心观察研究自然的光、色，并努力找到合适的色彩关系表现它们。印象派画家们的用色与色彩学研究的发展有必然联系。早在17世纪，牛顿用一面三棱镜把白色的太阳光分解出红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫七种颜色的光谱，七色又可重叠为白色。人们对色彩有了新的认识，光学的研究进入科学时期。而到了19世纪中叶，以光刺激作为色彩并被感知的原理为基础，科学家和艺术家将色彩体系化并做了各种尝试，色彩的研究从假说和理论开始走向实践。浪漫主义画派画家德拉克罗瓦（1798―1863）的其中一突出贡献就在于发现了色彩的对比关系以及阴影和高光下固有色的变化。他的画室墙壁上就挂有一个色轮，每种色彩上面都标注可能的色彩配置。这种建立在逻辑性，客观性基础上的色彩原则对塞尚、梵②。 笔墨是中国绘画的标准，但误读了这句话的意思认为要重视笔墨、轻视色彩则是不合适的。中国远在战国时期就有五色之说，这里的五色指的是赤黄青白黑这五种颜色，这种说法在河南洛阳出土的战国彩陶壶上得到证实。除了五色还有“正色”和“间色”的区别，这与古代中国阴阳五行和政治生活密切相关。到了隋代已经有墨彩结合的例子，如展子虔《游春图》就是使用“墨上刷色”的着色法；北宋时期出现了水墨代替颜色的画法；到了南宋，不少画家仍在使用青绿重彩。接下来的几个时期，水墨画因格调高雅，受到上流社会青睐，但重色彩画在民间一直被大量使用，清朝出现写生画之后，用色更为讲究。19世纪已有专门制作出售中国画颜色的商铺。 西方绘画大量使用调和色，用细腻丰富的色彩表现质感和光感，并制造出立体和空间的感觉。与西方绘画不同的是，有代表性的汉唐壁画、传统工笔重彩和明清民间年画等则构成了中国绘画绚丽的表现形式，带给人视觉上强烈、鲜明的视觉感受。作为世界文化遗产的敦煌石窟在壁画上具有典型性：以线造型为基础，以形写神，随类赋彩。每个洞窟里的壁画都有不同主色调统一画面，补色对比控制的恰到好处，中性调和色保持壁画整体色彩鲜明和谐。敦煌壁画历经千年，在自然氧化变色之后更显古朴和神秘。现今对敦煌壁画敷色技法和各时期色彩应用演变过程分析都有专业的研究③。 二、颜料的使用历史 古代的画家们使用的颜料粉末多来源于土质和矿物质，也有一部分来源于植物和动物。矿物性颜料从矿石中磨炼出，早在公元前4世纪，古埃及人通过水洗提高颜料色彩的纯度和强度，如从辰砂矿中提炼水银和硫磺的方法制造不透明的朱砂，特点是色彩厚重，覆盖性强；植物性颜料，透明色薄，覆盖能力差；从动植物提取颜色的例子比如地中海沿岸一带的贝紫，需要大量的海螺贝壳制造，是最昂贵的颜料之一。文艺复兴时期意大利人用煅烧的方式制造熟赭和熟赫，土系颜料是当时最常使用的的颜料；这时铅的生产工艺也得到改进，开发了如拿坡里黄的不透明铅系颜料。第一种化学合成颜料