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中国山水画的色彩应用研究 　　山水画是中国绘画的重要组成部分，其色彩观在长时间的发展历程中形成了自己的审美方式，本文研究了传统山水画和近现代山水画对色彩的应用关联，探索如何提升山水画色彩表现力的具体措施，以期能促进中国山水画的进一步发展。 　　中国山水画在色彩应用上有着自己的发展历程并形成了自己的特点，但随着社会的发展与西方绘画理论的传入，山水画在色彩应用上也在不断发展。本文通过对中国山水画色彩应用进行研究，探索山水画色彩表现力的新途径，寻求传承和发展山水画的新思路。 　　中国山水画色彩观的发展历程与审美方式 　　1.中国山水画色彩观的发展历程 　　早在先秦时期，就有绘画需要用五种颜色的说法，而山水画作为中国画中的一种绘画形式，色彩的应用在画家的心中自然非常重要。魏晋南北朝时期，山水画得到了极大的发展并开始从人物画中独立出来，这也给山水画的后续发展留下了空间。但魏晋到初唐，山水画技法相对稚嫩，色彩也多用青绿，中国画理论家谢赫在色彩设色审美提出了“随类赋彩”的观点。到了唐代，山水画正式从人物画中独立出来，并且形成了两派并得以传承下去：一派是青绿山水，特点是赋色浓丽而严谨，代表画家为李思训、李昭道等；一派是水墨山水，特点是赋色淡雅简单，以水墨为主，代表画家为吴道子、王维等。宋代继承了唐代山水画用色的技法，水墨逐渐成为山水画的主流，色彩的研究也趋向于单一色彩的应用。元代画家钱选突破了山水画用色的主流，选用小青绿风格进行山水画创作，将物象与抽象结合，给山水画色彩的发展起到了巨大的推动作用。明清时期，山水画画风更加倾向于自然清淡，青绿着色来展现山水风貌是对中国山水画色彩技法的沿袭，并没有做出较大的突破。近代以来，张大千、李可染等山水画大师更是吸收西方绘画经验积极推动笔墨技法的发展，在继承中国山水画传统赋色技法的基础上融入西方色彩理念，力求推动中国山水画的进一步发展。中国山水画色彩发展历程从最开始的五彩并施到随类赋彩，再到水墨与赋彩共同发展。多种颜色的运用，根据不同对象进行着色，加上水墨与色彩相辅相成，在水墨与色彩交融碰撞中随着时代变迁而发展。 　　2.中国山水画色彩的审美方式 　　西方绘画的色彩审美立足于科学，通过混合色彩在不同环境下的变化来展现客观世界；而中国山水画更趋向于哲学上的思考，对内心世界的体验。中西方绘画对于色彩的应用有着不同的理解，中国山水画色彩不追求对客观世界的再现，而是注重传达画面的内涵与意境。“传神写照”可以说是中国山水画色彩独特的审美方式，“传神”的重要性不言而喻。中国山水画无论是青绿山水还是水墨山水，无论是色彩浓艳还是清新淡雅，都不是对客观世界中山水的再现，而是重在传达山水之精神、自然之韵味。展子虔的著名山水画作《游春图》对色彩的运用可谓是丰富，对山水的描绘可谓是形象逼真，但都不是对山水的复制，还是对山水精神的传达。西方的色彩运用则多是再现式的表述，往往是通过色彩再现出一个场景或者一个自然环境，其主要是记录式。 “澄怀味象”是中国山水画色彩表达目的上的追求，从观赏山水来获得内心的愉快。中国山水画色彩的应用不仅仅是客观的与真实的，而是趋向于抽象，展现出一种意境美的表达。山水画作运用色彩展现一个有山有水的真实世界，却又通过不同于现实的色彩来传达某种独特的意境，从而达到“澄怀”的审美感受。色彩在山水画作中的应用不是僵硬地描绘出山水之景，更要使山水画作具有自己的活力与生机，在山水画作中达到“返璞归真”的艺术效果。中国山水画色彩是情景交融的，是对情感的表达，是对画家内心世界与生命体验的展现。 　　中国山水画色彩的应用 　　1.中国传统山水画色彩的应用 　　中国传统文化对于人与自然有着自己的思考，人们追求人与自然的和谐相处，因此在传统文化中孕育的传统山水画有着崇尚自然的特点。魏晋南北朝中国画理论家谢赫提出的“随类赋彩”为山水画色彩的应用提供了理论基础，这也是山水画崇尚自然的体现。随类赋彩不仅仅是根据具体对象的不同赋予不同的色彩，还有在客观现实的基础上画家将自己的主观感受来给物象进行赋彩。这种色彩应用理论给中国山水画的发展提供了色彩上的理论准备，具有极大的意义。自唐代而来，中国山水画分为了青绿山水与水墨山水两个派别，两派在色彩的应用方面都有自己的特色。青绿山水可以说是自然主义的表现，以石青石绿为主，多是对祖国山河的描绘，期间夹杂着画家自己的主观感受，因此在赋彩上具有抽象性。青绿山水的设色方式随着发展逐渐有大青绿和小青绿之分，但以青绿来描绘山水之中都有着画家赋予的象征意义。宋代画家王希孟《千里江山图》就是以青绿色为主，作者在如实的描绘自然景物，是青绿山水的典型代表。而水墨山水则是人文主义的表现，其已经超出了山水画以青绿为主的赋彩方式的限制，色彩以黑白为主，但“墨分五色”理论的提出给水墨山水画的色彩提供了更丰