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中国钢琴改编曲的发展和特征分析 　　【摘 要】在中国钢琴作品中，改编曲无疑是一颗璀璨的明珠，其不但对中国钢琴的发展起到了重要的推动作用，更为民族音乐的传承开辟出了一条新的渠道。鉴于此，本文从中国钢琴改编曲的发展脉络谈起，就其艺术特征进行了具体的分析。 　　【关键词】中国钢琴改编曲；发展脉络；艺术特征；研究分析 　　中图分类号：J647.41 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）07-0086-02 　　一、中国钢琴改编曲的发展脉络 　　20世纪初，钢琴从西方传入中国，如何让这门外来的艺术在一个新的民族中站稳脚跟，继而开花结果，成为了摆在众多音乐家面前的难题。对此很多创作者都将视角投向了悠久而丰富的民族音乐，他们以传统民族音乐为素材，以钢琴的形式对其进行改编。因为民族音乐这一素材本身是众人耳熟能详的，所以有着一种与生俱来的亲和感，民众也愿意看到它们用钢琴的形式进行全新表现。纵观其整个发展历程，可以明显划分为四个时期。 　　第一个时期是萌芽期。如赵元任便是当之无愧的先驱，其创作的《花八板和湘江娘》，正是根据江南丝竹乐《老八板》和民歌《湘江娘》改编而成的，并由此拉开了中国钢琴改编曲创作的大幕。此后李荣寿创作的《中国戏剧曲》、沈仰田创作的《中国戏曲钉缸》等，也都是其中优秀的代表。第二个时期是30、40年代的成熟期。1934年，美籍俄裔音乐家齐尔品，在中国举办了“具有中国风味的钢琴创作比赛”，其目的就是想通过比赛涌现出一大批有着鲜明中国音乐特色的钢琴作品，而在创作者看来，通过对中国传统音乐的改编无疑是一个捷径。江文也的《江南风光》、刘雪庵的《南来雁》等，都获得了较好的成绩，在当时引起了强烈的反响。1949年新中国成立后，在百家争鸣、百花齐放艺术方针的指导下，中国钢琴改编曲创作也迎来了第一次繁荣，马思聪的《粤调三首》、陈培勋的《卖杂货》、汪立三的《兰花花》、桑桐的《内蒙古民歌主题七首》等，都比之前的作品有了质的飞跃，不但形式更加完整，风格和内涵也更加丰富和深刻，初步形成了中国钢琴作品的整体面貌。第三个阶段是文革十年。在当时特殊的社会环境下，只有通过对传统作品的改编，才能避免一些风险的发生。于是一时间，改编曲创作就成为了唯一的创作方向，由此也迎来了改编曲创作的又一个高潮。如王建中的《梅花三弄》、《浏阳河》、黎英海的《夕阳箫鼓》、汪立三的《叙事曲――游击队歌》等，都是该时期出类拔萃的作品，直到今天还在广为流传。最后是改革开放后的低谷期。改革开放后，中国艺术发展进入了多元化时期，无论是钢琴创作者还是一般群众，都对钢琴音乐有了更为深刻的认识。一些创作者认为，改编曲创作固然有其积极的一面，但我们更需要创作出更多全新的作品，而不能将全部精力都放在改编曲上。在这种创作观的影响下，仅有谢耿的《霓裳羽衣曲》、朱嵩的《双鹤听泉》等作品问世。 　　二、中国钢琴改编曲的审美特征 　　（一）音色之美 　　一方面，钢琴素有“乐器之王”的美誉，有着极强的音乐表现力。另一方面，由于民歌、民间器乐艺术的发达，中国民族音乐中的音色也是十分丰富的。因此，创作者们创作出了众多有着鲜明音色美感的佳作。因素材本身是民歌或民间器乐，所以利用钢琴对原有的音色进行模仿，就成为了创作中的必然。如王建中改编的《百鸟朝凤》是一首唢呐曲，表现上百种鸟儿向凤凰朝贺的情形，所以对鸟儿鸣叫声的模仿，就成为了创作的重点所在。对此王建中采用了五声纵合性和弦，先通过对旋律的丰富获得了丰满的音响效果，然后再利用大量的小二度滑音来实现对各种鸟儿鸣叫声的模仿。特别是乐曲的后半段，又在多处运用了柱式和弦，营造出了一种空旷而悠远的意境。储望华改编的《二泉映月》原本是一首二胡曲，由盲人演奏家华彦钧创作并演奏，曲调委婉哀怨，极富艺术表现力。储望华在改编过程中，一方面注重二胡和钢琴两者在音区、音型上的对位，以尽可能地使两者相一致；另一方面注重对旋律的歌唱性表现，使整个旋律听起来更像是在讲故事，将一段沧桑的经历和情感娓娓道来。 　　（二）结构之美 　　结构是整个钢琴作品的骨骼，对作品风格的表现有着十分关键的影响。在西方音乐发展中，无论是古典主义还是浪漫主义时期，结构都是较为严谨的。但是因为在审美观、文化观等方面的差异，中国民族音乐的结构却是十分自由的，几乎不受任何因素的束缚。这就给创作者提出了一个难题，既要使作品符合一般钢琴作品的艺术规律，又要体现出民族音乐的特点，所以创作者们匠心独运，灵活把握，使中国钢琴改编曲呈现出了一种自由的结构美感。如黎英海改编的《夕阳箫鼓》，原作品有十个章节，且划分得十分明确，但是却有一种平铺直叙的感觉。对此，黎英海在改编过程中，创造性地将变奏巧妙融于各个段落之中，并且丝毫不露痕迹，使乐曲的表现力大为增强。又比如组曲。组曲是西方钢琴作品中一种重要的体裁，组