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“张军现象”及戏曲美学的当代继承 　　2015年6月26日，“昆曲王子”张军联手台湾著名戏曲导演李小平、北方昆曲剧院当家闺门旦魏春荣、江苏省演艺集团昆剧院院长名丑李鸿良、著名梅派青衣史依弘、京剧名家关栋天，以及来自台湾“云门舞集”的原班幕后制作团队，携新编作品“当代昆曲”《春江花月夜》强势登陆上海大剧院大剧场，开始了该剧的“世界首演”。申城夏初恼人的梅雨天气，显然没能阻挡观众们看剧的热情。首轮三场演出，总计超过5000张票早早售罄，就连剧院方面临时增设的加座都一抢而空。这样的情形，用上海大剧院总经理张笑丁的话说，在大剧院的众多戏曲演出中“极其少见”，唯有之前张火丁的演出方“略胜一筹”――“但张火丁演的是传统戏，而且仅演一场，所以其实并不太具有可比性”。 　　张笑丁这番话的内在逻辑其实颇耐人寻味。由于众所周知的原因，戏曲新编剧，尤其是京昆两个剧种的新编剧，似乎成了很多戏迷口中“雷剧”的代名词。其中固然也有过不乏亮点的作品，但就总体而言，“话剧加唱”、“缺乏传统韵味”、“有违戏曲美学”等批评，“当仁不让”地成为人们在谈论戏曲新编剧时使用频度最高的语汇，一句“勇气可嘉”则俨然是戏迷之间就“买票去看新编剧”一事发出的最具共鸣感的戏谑。从这个意义上看，在戏曲市场普遍算不上景气的当下，张军的这出彻头彻尾的昆曲新编剧能够吸引众多观众自掏腰包买票入场本身，已然不易。 　　不仅售票情况良好，现场观众给出的反馈也同样积极――谢幕时，剧场气氛只能用“嗨翻天”来形容，各大社交媒体上关于此剧的各种讨论也层出不穷，大有“刷屏”之势。各种关于艺术或好或坏的争论，各种围观群众的叫好或者喝彩，使一场由民营剧团推出的、看似“小众”的戏曲演出，发酵成为一场“公众文化事件”――而上一次，昆曲成为坊间热议的文化话题，恐怕要追溯到2012年的6月，同样是李小平、史依弘、张军三人联手的《2012牡丹亭》。也无怪乎有评论者干脆将其定义为“张军现象”，而这一次，即便观者各持艺术观点议论纷纷，可有一点却基本达成共识：作为一出新编戏，《春江花月夜》“好听好看”。老师梁谷音说得更是直截：“之前张火丁非常火，现在张军非常火，一个是最传统的，一个是当代的昆曲，只要排得好，都能受到观众的承认。” 　　对于这一切，张军恐怕早有“准备”。事实上，无论是京昆两界超强演出阵容的集结，台湾王牌舞台制作团队的引入，还是提前半年启动的多角度宣传、线上线下密集互动讲演，从中并不难阅读出身兼制作人与主演的张军所怀抱的“野心”。 　　“离开国有院团六年来，得益于跳脱舞台身份，平静地审视昆曲的现状、昆曲人的囿围，我先后尝试了许多演员份外的事。为了这门我为之奋斗的古老艺术，除了继承好手眼身法步，昆曲人还应该做些什么，还能再做些什么？”在演出手册中张军如是写道。《春江花月夜》是他以“当代昆曲”的名义交出的一份答卷，“要让昆曲从高冷凄清的博物馆展台走下来，活色生香，真正地活着”。 　　6月28日，首轮三场演出全部结束之后，上海张军昆曲艺术中心官方微信发出一条推送：“春江花月夜，在这个时代里昆曲最好的样子――对于一个刚完成首演的戏来说，它还需要主创人员更多的思考、挖掘与磨合，但无可厚非的是，它已经向我们展示了，在这个时代里昆曲最好的样子。”且不论“最好的样子”是否过誉，至少表明，对于《春江花月夜》的最终舞台呈现效果，制作人张军是非常满意的。 　　条分缕析地分析一场戏曲演出本身在艺术上的得失功过并不是我们的目的。对于一出新戏来说，首轮演出的市场成功是否就可以等同于其在艺术创作上的成功，恐怕也不能如此轻率地妄下结论。但是我想，如果我们稍稍跳脱一点，站在当代戏曲创作如何继承并发展传统戏曲美学的角度，“野生昆曲人”张军，以及这样一出较好实现了他的戏曲美学企图，并且也收获了很好市场反馈与不错观众口碑的新编戏剧作品，兴许会是一个值得研究与讨论的鲜活样本。 　　新编作品：“本”立而后“道”生 　　在《春江花月夜》的作品研讨会上，张军这样解释他理解中的“当代昆曲”：首先要有一个拥有“昆曲该有的文学肌理、超然的意象和曲牌的格律”的剧本；第二是打破前述“手铐和脚镣”，让昆曲“翩翩起舞”的舞台呈现；第三，也是他十几年来一直在做的，就是要让昆曲成为“当代观众日常生活”的一部分。 　　剧本从来就是新编戏曲必须要迈过的第一道大坎。演出结束之后，就有不少戏迷直截了当地指出，《春江花月夜》一剧在舞台上得以成立，剧本首推其功。 　　《春江花月夜》的剧本出自江苏省文化厅剧目工作室青年编剧罗周之手。出生于1981年的罗周在复旦大学读了十年的古典文学，而今已有十几部涵盖不同剧种的戏剧作品被搬演，其中新编锡剧《一盅缘》和新编京剧《将军道》已然获得中国戏剧文学最高奖曹禺戏剧文学奖的肯定。完成于2010年的《春江花月夜》，是她撰写的第一个