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法国美术学院艺术形态学教学方式的探析 摘要：本文对法国美术学院艺术形态学的起源、教学方法及平行学科等方面进行了论述分析，希望通过形态学的思路，引导艺术创作者尝试一种新的造型方式，并延展为一种审美观念和一种体验世界的习惯。培养形态学审美思维是学习课程的最终归宿，材料、形式、技法等仅作为其表达媒介。 早期的人类美术中已经出现了形态的意识，无论从史前壁画还是石刻雕像中，都有对形状的归纳夸张，但是并不能形成体系，只能从作品中嗅出对形态概念的萌芽(如埃及金字塔、古希腊建筑与石雕、古罗马建筑等)。形态学这一概念真正出现的时间一般追溯到文艺复兴时期，透视法的推广，有利于艺术家了解空间体积。达芬奇对人体解剖的学习以及对机械构造的想象，标志着“科学的”或“理性的”分析形状结构与体态进入一个新阶段。他开创性地完成了延续至今的形态学研究方向：从自然中来，到设计中去的仿生学美术设计(注：从达芬奇面向艺术爱好者和医生的解剖学作品，到机械设计图纸均可看出解剖学与透视学为形态学的发展奠定了基础)。另一位大师米开朗基罗对人体的深入探索，使其艺术更趋感性，并在后期出现明显矫饰倾向，对之后的格列柯、卡拉瓦乔、贝尔尼尼、鲁本斯、布格罗、罗丹等艺术家的人物绘画与雕塑创作提供了示范。18世纪新古典主义学院派美术诞生，大大推动了形态学发展，并形成完整体系。大量美术学院吸收并开设课程(19世纪初以安格尔为代表的新古典主义美术被采纳为各学院正统，恪守新古典主义美学准则，以这一套方法从事创作、教学，并评定美术优劣)。通过严苛的训练、客观的解剖学知识、严谨的三维空间透视辅助，形态学成为艺术从业者学习阶段的必修课程。19世纪中期，马奈以及印象派团体开始颠覆学院派(特指新古典主义学院派)单一评价体制，随后欧洲进入百花齐放的现代美术阶段。随着美术思潮的不断更迭，新古典美学的学院派单一体制逐渐走向崩溃。20世纪以来，艺术被现代哲学推动，不断开垦出一片又一片未知的人文天地。20世纪后期，形态学渐渐淡出欧洲美术学院课程。与此同时，伴随科技进步，设计与实用艺术飞速发展，形态学在自我调整后，大量涌入欧洲各实用艺术院校。完成了由单一造型艺术方向向实用艺术与造型艺术多方向并进的转型，为更多艺术类课程学习提供帮助。法国艺术形态学出现于文艺复兴时期，经一路发展，于欧洲新古典主义期间(18世纪末至19世纪初，即以安格尔为代表的欧洲学院派)形成完整和成熟的体系。本门学科旨在研究客观对象形状、体态、结构、特征的理解与创作，同时进行涉及形态领域的拓展、发散与研究。形态学作为法国一种国立高等美术学院开设的独立课程，至今已有约200年历史。以法国巴黎国立高等美术学院为例，先后历经数代大师传承教授。如：弗朗索瓦·方丹(Fran?ois Fontain)，让-弗朗索瓦·德博(Jean-Fran?ois Debord)，菲利普·克马尔(Philippe Comar)，保罗·理查(Paul Richer)，米歇尔·洛里切拉(Michel Lauricella)等。一、形态学简述对于形态一词，其所包含的意义广泛，延伸至不同领域，并形成不同的解释形态的概念。但多数行业认为形态是一种稳定存在的显性或隐性的组织结构，其研究的对象中一定存在着一种可归纳的特征，并以生物或思维逻辑的方式存在。通过归纳、划分差异与共性，寻求组建一种稳定的、可解读的定式系统，即形态学。在美学领域的形态研究中，也要参照其他行业对形态一词的解读。这并不是因为美术与其他学科之间存在直接的可探讨的研究方向，而是无论何种行业，研究形态的方法论是一致的。首先，研究者笃信这一概念存在且具有极高的研究价值。否则，形态的概念就会被其他含义蚕食掉。对形态学而言，其最重要的便是确定其可研究性，而不是分成若干部分并归列入别的研究方向。其次，凡是形态的研究者，均需要以一种客观理性的态度对对象做出分析、判断、总结，不能任凭经验或主观感受对客观研究对象做出草率的论断。经验一词可以是在经历后形成的精神体验，也可以是直接吸取的理论教条。由此不同的词汇理解，自然对问题的看法存在差异。形态学一词的多重理解对于其在专业表述上可能会引出一定的歧义。此文所论述的形态一词，是特指从客观存在中由观察者提取的反映客观物质状态的理解方法。相比于其他对形态的解读，这种观点并不是理论层面的抽象分析，而是一种观念意识。二、形态学教育中国的美术教育绘画部分通常由临摹、写生石膏几何体和静物为起始，通过石膏和静物练习对素描技巧的掌控。最初我们所练习的石膏几何体透视图和静物结构透视图就是标准的形态学绘画。我想很多初学美术的学生都会问这样一个问题：为什么学习美术要从画几何体和静物开始呢?我想每位老师都能给出自己的答案，或许是因为教学惯例，或许是因为简单易学……。笔者从形态学的角度来解