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鲁美版高一美术必修《美术鉴赏》第9课“20世纪西方美术的多样表达”教学有感

备好20世纪西方美术这节课时，我曾对着教材里毕加索的《格尔尼卡》和达利的《记忆的永恒》发呆——这些在艺术史上掷地有声的作品，要怎么让刚接触抽象表达的高一学生真正“看进去”？毕竟对习惯了写实绘画的他们来说，扭曲的线条、怪诞的构图更像“随便涂画”，而非值得品味的艺术。

上课铃响时，我没直接展示作品，而是先播放了一段20世纪初的城市街头录音：蒸汽火车的轰鸣、工厂机器的运转、人群的嘈杂声混在一起。“大家听听，这段声音里藏着什么感觉？”有学生立刻举手：“乱乱的，好像有很多东西在同时发生。”另一个学生补充：“有点紧张，说不出的压迫感。”我顺势把录音关掉，点开《格尔尼卡》的高清图：“其实20世纪的艺术家，和大家刚才的感受是一样的。毕加索画下被轰炸的格尔尼卡时，他看到的世界就是这样破碎、混乱的，所以他没用我们熟悉的写实手法，而是用断裂的线条、夸张的色彩，把那种痛苦和愤怒‘喊’出来。”

原本以为学生会反驳，没想到教室里安静了下来。有个平时不爱发言的男生突然站起来：“老师，我之前看这幅画觉得很丑，但现在好像能感受到那种难过了。”这句话像一颗石子，在教室里激起了涟漪。学生们开始主动指着画面提问：“那些像眼睛一样的图案是什么意思？”“为什么要用黑白灰，不用鲜艳的颜色？”我没有直接给出答案，而是把20世纪的历史背景拆成一个个小故事：毕加索看到战争新闻时的愤怒、达利童年经历对他创作的影响……当学生们知道《记忆的永恒》里融化的时钟，源于达利对“时间流逝”的恐惧时，有个女生小声说：“原来艺术家的奇思妙想，都藏着他们的心里话啊。”

这节课让我想起建构主义教学理论里的一句话：“学生不是空着脑袋走进教室的。”之前我总担心自己讲得不够全面，把知识点密密麻麻地写在课件上，可学生反而听得昏昏欲睡。这次我试着把“教知识”变成“找共鸣”，让学生先从声音、故事里感受到20世纪的氛围，再去理解作品，效果反而更好。就像讲蒙克的《呐喊》时，我让学生闭上眼睛想象：“如果你站在桥上，突然觉得全世界的压力都压在你身上，你会怎么表达？”有个学生说：“我会尖叫，声音要像被拉长一样。”我立刻指着画里扭曲的天空：“蒙克就是这么做的，他把自己的尖叫，画成了天空里波浪一样的线条。”那一刻，我看到学生眼里有了光——他们不是在“学艺术”，而是在“懂艺术”。

下课前，我给学生留了个小任务：用一张纸、一支笔，画下自己今天最强烈的感受，不用管“画得好不好”。第二天收上来的作品里，有歪歪扭扭的线条，有涂满蓝色的色块，还有用文字拼贴的图案。有个学生在作品旁边写：“我今天和妈妈吵架了，所以画了黑色的漩涡，感觉自己要被吸进去了。”看着这些充满真诚的“作品”，我突然明白，美术鉴赏不只是让学生认识名作，更重要的是让他们学会用艺术的眼睛看待自己的情绪和生活。就像20世纪的艺术家们用多样的表达对抗世界的复杂，我们的学生也可以用画笔，温柔地拥抱自己的内心。

这节课结束后，常有学生在课间跑来找我：“老师，再给我们讲讲其他奇怪的画吧！”有一次，我在走廊里看到两个学生对着窗外的晚霞争论：“你看那片云，像不像蒙克画里的线条？”“不对，更像康定斯基的色块！”听到这些话时，我心里暖暖的。原来，一节美术课能留下的，不只是课本上的知识点，还有学生眼里对艺术的好奇，以及对世界的温柔感知。往后再教这节课，我想我会多留些时间让学生“发呆”，多听他们说说自己的想法——毕竟，艺术的美从来不是标准答案，而是每个人心里那份独一无二的感动。