沪书画版七年级美术上册（2024秋版·五四制）第2课“写意墨韵”教学有感.docxVIP

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沪书画版七年级美术上册（2024秋版·五四制）第2课“写意墨韵”教学有感

第一次带着七年级学生触碰写意画的墨色，是在初秋的美术教室。课前我特意在讲台上铺了块素色棉麻桌布，把墨汁、生宣和几支大小不一的毛笔摆得错落有致，还在投影上循环播放着潘天寿先生画荷花的局部视频——不是完整的教学示范，而是特意截取了笔锋蘸墨、墨色在纸上晕开的慢镜头。我想先让孩子们放下“画不像”的顾虑，先感受墨色本身的意趣。

上课铃响时，后排有个男生悄悄把毛笔捏成了握钢笔的姿势，指尖泛白。我走过去没直接纠正，只是笑着问他：“要不要试试把毛笔想象成春天刚发芽的柳条？不用攥那么紧，让它能在纸上‘晃一晃’。”说着我拿起他的手，轻轻提着笔杆在废宣纸上点了一下，墨点慢慢晕成了一片浅灰的云。他眼睛亮了一下，自己试着又点了几下，还抬头跟同桌说：“你看，像不像下雨前的天？”那一刻我忽然想起苏霍姆林斯基说的“教育的本质是唤醒”，原来写意画的教学，最先要唤醒的不是技法，而是孩子对“不确定美”的感知。

讲到“墨分五色”时，我没直接讲焦、浓、重、淡、清，而是让学生们做了个小实验：每人拿三张生宣，第一张蘸满墨直接画横线，第二张先蘸墨再在清水里轻点一下画横线，第三张把笔锋拆开，一半蘸墨一半蘸水画横线。孩子们很快发现，三张纸上的线条颜色完全不同，有的边缘清晰，有的像蒙了层雾，还有的能看到墨色从深到浅的渐变。有个女生举手说：“老师，我觉得第三张纸的线条像爷爷晨练时甩的彩带，一边深一边浅。”这个比喻让我惊喜，也让我更加确定，对于初中生来说，具象的体验远比抽象的理论更易接受——这正是建构主义学习理论里强调的“让学生在主动探索中构建知识”。

不过课堂上也有小插曲。有个平时很安静的女生，对着宣纸半天没下笔，眼眶有点红。我走过去轻声问，她才小声说：“我怕画坏了，墨沾在纸上擦不掉。”我想起自己初学写意时的忐忑，便从抽屉里拿出一叠废宣纸递给她：“你看，老师这里有好多‘失败品’，你看这张，墨团晕得太大像块乌云，这张线条歪得像小蛇，但正是这些‘不好看’的尝试，才让我知道下次怎么调整。”说着我拿起笔，故意在废宣纸上画了个歪歪扭扭的竹子，她忍不住笑了。后来她试着在废纸上画了几笔，慢慢找到感觉，最后在正式作业里画的兰草，虽然笔触还很稚嫩，但墨色的轻重变化格外灵动。这件事让我明白，美术教学里“容错空间”的重要性——当学生不再害怕犯错，才能真正享受创作的过程，而这种对“不完美”的包容，或许比画出一幅“标准答案”的作品更有意义。

下课前，我让学生们把自己的作品贴在教室后面的展示墙上，没有打分，只让大家在喜欢的作品下面贴一张小贴纸。有个画得很奔放的男生，作品上贴了七张贴纸，他兴奋地跟我说：“老师，原来有人喜欢我画的‘墨团荷花’！”看着满墙深浅不一的墨色，听着孩子们叽叽喳喳的讨论，我忽然觉得，这堂“写意墨韵”课，教会孩子们的不只是如何调墨、运笔，更是如何用眼睛发现墨色里的诗意，用勇气面对创作中的不确定。就像那些在宣纸上慢慢晕开的墨色，教育的影响或许不会立刻显现，但只要播下一颗感知美的种子，总有一天会在孩子心里长出不一样的风景。

课后我整理教案时，在扉页上写了一句话：“教写意画，要先教会孩子‘慢下来’——慢下来观察墨色的变化，慢下来感受笔锋的轻重，慢下来接受不完美的自己。”这或许就是这堂课给我最深的启发：美术不只是技能的传递，更是心灵的对话，而作为教师，我们要做的，就是搭建起一座桥梁，让孩子能通过笔墨，与传统对话，与自己的内心对话。