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Acousmonium声音扩散系统发展及应用思考 　　【摘 要】 梳理Acousmonium声音扩散技术发展，探讨其对电子音乐演奏的重要意义。对比各个研究机构的成果，思考适 合中国发展的电子音乐应用模式。 　　【关键词】 电子音乐；Acousmonium；声场构建；音频系统；新乐器 　　文章编号： 10.3969/j.issn.1674-8239.2016.11.009 　　【Abstract】This paper analysed the history of Acousomnium system， explored its applicability in the interpretation. Compare some researchers and find a mode suitable about Chinese situation. 　　【Key Words】electroacoustic music； Acousmonium； acoustic field construction； audio system； new instrument 　　电子音乐（Electroacoustic Music）作为一门新兴的艺术类型，至今已有将近70年的发展历程，在世界各地的现代音乐研究中均占有举足轻重的地位。 　　电子音乐不同于传统的音乐演出形式，必须依赖电子声学设备作为载体，借助扬声器将创作的电声信号转化为人们可以感知的音乐形态。因此，设计一套实用且针对电子音乐演奏的“新乐器”成为了此类音乐领域发展的重中之重。中国在电子音乐领域的研究正处于学习吸收西方发达国家理念成果的阶段，通过分析Acousmonium声音扩散系统（以下简称“Acousmonium系统”）的理念，对国内电子音乐的发展具有指导意义。 　　1 Acousmonium系统技术发展概要 　　1.1 研究历程 　　Acousmonium系统原本是对以系统化组织的扬声器进行声场组织，并以其概念构建的扬声器扩声系统的统称。最早的电子音乐理论研究者们就意识到了，声音艺术不同于其他艺术类型的特点就是空间性。使用扬声器进行声场构建的初衷，主要是为了实现声音艺术独特的空间性。可是在电子音乐发展的早期，录音播放的技术尚未成熟，以当时的技术不可能实现一个比较逼真同时富有艺术性的声音空间感。为此，不少研究者们开始使用多个扬声器放置在剧场内的方法，来实现一个比较理想的空间感。 　　1958年，伊阿尼斯?塞纳基斯（Iannis Xenakis）在布鲁塞尔世博会的飞利浦主题馆内创作了以400个扬声器组成的声音装置艺术作品。同年，皮埃尔?亨利（Pierre Henry）也首次举办了一场将扬声器和调音台相互结合为一体，把扬声器的组合视为“交响乐团”的音乐会。这两位先驱在当时便意识到了使用多个扬声器来作为声源播放，构建一个“声场”的概念，而后来出现的杜比环绕声系统也是受之前声场构建理念的启发而成功的商业化开发运营。 　　在1970年的日本大阪世博会，德国作曲家卡尔海因兹?斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen）以装置艺术的形式制作了球状音频系统，将扬声器作为声源点，分布在空间的各个位置，覆盖全部角度，如同一个球形屏障包裹住听众，首次实现了听众所有方向都有声源的感官体验。这种做法不只是在技术理念上的有所创新，同时也启发了其他研究者，产生了通过设计一个扩声系统来适应绝大多数电子音乐演出以及声音扩散的想法。 　　紧接着1973年，在法国布尔基斯的实验音乐小组GMEB（Groupe de Musique Experimental de Bourges），克里斯蒂安?科洛兹耶（Christian Clozier）提出了Gmebaphone的系统，即通过改变扬声器摆设位置及指向，并把扬声器联通成组的想法。这样解决了以扬声器作为声源点，难以表现出纵深的空间发散感问题。 　　这个想法很快就受到了法国作曲家皮埃尔?舍费尔（Pierre Schaeffer）所创立的音乐研究集团GRM（Groupe Recherche Musicale）的重视，并且应用在电子音乐的实际演出中。 　　1974年，GRM第二任主席弗朗索瓦?拜勒（Francois Bayle）正式将这种系统命名为Acousmonium声音扩散，并且称其为“扬声器的交响乐团”。GRM至今的研究都致力于由人来通过Acousmonium系统控制声音的扩散，而非使用调音台的自动化包络来实现控音台上的变化。图1所示为1974年GRM首次用Acousmonium系统演奏音乐会的部分扬声器。 　　1981年，GRM研究员丹尼斯?杜佛（Denis Dufour）首次以个人的名义尝试组建Acousmonium系统，对