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声乐表演艺术中审美原则 　　摘要：声乐表演艺术包括两个方面的内容：演员的再创作和表演。声乐演员对原声乐作品的再创作在声乐表演艺术中占有重要的位置，走向舞台为观众服务，是演员追求的崇高目标，在此过程中遵循表演中的美学原则是演员完美的诠释作品的最后阶段。 　　关键词：声乐表演艺术 再创作 审美原则 　　 　　声乐表演艺术有着独特的艺术魅力，它通过艺术的表现形式将声乐作品转化为现实的音响。声乐演员尽可能完美地展示角色的内在及精神世界，表达和表现艺术人物的思想感情，运用歌唱艺术的表演规律进行艺术歌唱的再创作，在遵循声乐表演的美学原则中更好的实现其审美价值。 　　 　　一、声乐作品演唱的再创作 　　一首声乐作品的完整诠释需要多个程序。首先词、曲作者完成之后，作品只不过是停留在纸面上的“静物”而已，要想让其成为有声、有字、有情、有形的“活”的艺术，就需要声乐演员对音乐作品的“原始形态”进行艺术加工。对于声乐表演艺术而言，同样是两个创作过程：它的前期创作是词、曲作家合作谱写声乐作品的音乐创作。这一创作的艺术产品，只是停留在谱面上的东西，而由歌唱演员将声乐作品变成有声、有情、有形的歌唱艺术到舞台上为观众表演，这就是歌唱艺术的再创作。 　　歌唱艺术再创作的正确方向是从生活的真实出发，从作品的内在需要出发，从自己的真实理解和感受出发，以及自己的演唱能力出发。声乐演员再创作在声乐表演艺术中是占有极其重要的位置的。走向舞台，是演员艺术再创造的最后阶段，为观众服务，完美的诠释作品是演员追求的崇高目标。 　　 　　二、声乐表演艺术的舞台形体表演 　　声乐演员在舞台上不仅要歌唱，同时又要进行“神形兼备”的舞台艺术表演。而美妙的歌声与“神形兼备”的舞台艺术表演相结合，就能使歌声更加传神，使表演更加形象化。这是歌声与形象完美统一的结果。 　　（一）手势是感情的“无声的语言” 　　声乐演员站在舞台上演唱，自然离不开手势的表演。因为手势是人类的一种“无声的语言”，它不仅能帮助情感表达渲染气势，而且能够为形体造型。唱戏有唱戏的“架势”，唱歌也有歌唱的“架势”。声乐演员站在舞台上必须有一种控制力，并且要按歌唱的正确姿势来进行歌唱艺术的表演，因此是需要有一定的“架势”的，但这种“架势”要摆得恰到好处。在歌唱艺术的表演中，应该以歌唱为主，手势动作为辅，不可喧宾夺主，分散观众的注意力。手势动作应该是千姿百态的，根据歌曲的内容需要，灵活自如地做一些手势表演。大体可归纳为“引”“定”“开”“合”“托”“错”几种手势。声乐演员在演唱时手势不能太多，双手动作要求自然、协调，做到随情而动，把手势动作放在有意无意之间。如果为了做动作去故意摆弄手势，动作就显得生硬、做作，失去了手势辅助表演的意义。要把手势动作作为表现感情的一部分，形成辅助歌唱的“无声的语言”，使歌声、手势与感情完全融会在一起。 　　（二）眼睛是心灵的窗户 　　眼睛是心灵的窗户，人的各种复杂的乃至细微的感情，均能通过眼睛表达出来。不同的眼光、眼神，反映着不同的心态与感情。所以说，手、步、身、口都对了，眼睛不精、不拢神，也没法抓住观众。侯老先生论述京剧架子花的“眼法”，对于歌唱艺术表演有很重要的参考价值。首先眼睛要有神，用眼神与观众交流；用眼光示意景物的高、低、远、近；用眼睛表达情感。总之，通过眼睛各种“眼法”的表演，把歌唱活了，唱出“精、气、神”来，这样才能抓住观众，才能感人。 　　（三）面部表情要有“春、夏、秋、冬”之分 　　古人曰：“凡人声音不等，各有所长”。我国古代卓越的音乐家、诗人和思想家嵇康，在他的《声无哀乐论》中说：“夫喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧凡此八者，生民所以接物传情，区别有属、而不可溢者也”。（今译：“大凡喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧这八种情绪，是人们用以接触事物传达感情，区别对待各种属类而不可能溢出范围的呀”）。人的种种感情在产生时都会在面部有所表现，这就是表情。情生于内而表于外。感情与表情是直接相关的。真实的感情和表情的表现是统一的；虚假的感情则表里不一即“皮笑肉不笑”。人的感情不同，体现在面部的表情也应该是各不相同。声乐演员在舞台上表达歌曲中的感情，一定要从面部表情上有所体现，要敢“做戏”、敢表演，是什么感情就要有什么感情，感情不同则表情不同，使面部表情有“春、夏、秋、冬”之分。 　　（四）形体表演落落大方，准确塑造人物形象 　　声乐演员站在舞台上，一定要使人感觉这个演员落落大方、精气十足，毫无拘谨之感。当然，形体表演再带上“戏”，就更有艺术魅力了。声乐演员绝不能把生活中那种懒懒散散、随随便便的作风带到舞台上，要时刻注意自己的形体动作表演和感情表达、塑造人物形象的密切关系，努力使自己的舞台艺术表演达到“神形兼备”的境界。声乐演员一出场首先要“精神抖擞”。