川端康成作品中的美的追求.docxVIP

川端康成作品中的美的追求 川端康成是日本著名的作家，于1968年获得诺奖基金。他的作品早在多年前就被译介到我国。其中根据《伊豆的舞女》、《千只鹤》、《古都》等作品改编的电影也曾在我国放映。在他的身上, 我们看到了美, 体验到了美, 感受到了美存在。美仿佛就是他身上的一部分, 不可分割, 相依相存。那么, 要想探究川端康成的审美情趣, 就要从他作品中来寻找川端的审美特质, 这样才能找出川端康成之美的发展踪迹, 从而对川端康成的审美思想给予准确的评价。 1 设置人性与设置意识之间的情感交融 《伊豆的舞女》是川端康成的成名作, 历来被认为是川端文学发展的一个重要转折。虽然川端康成在创作上还不够成熟, 但他继承日本古典文学中的传统美特质已初露端倪。一次去伊豆半岛旅行的机会, 他偶遇流浪艺人一行, 与年少的舞女邂逅, 第一次得到舞女的平等对待, 并说他是个好人, 他便对她油然产生了纯洁的友情;同样地, 备受人们歧视的舞女遇到这样友善的中学生平等待人, 自然激起了感情的波澜。他们彼此建立了真挚的、诚实的友情, 还彼此流露了淡淡的爱。 《伊豆的舞女》故事情节是很简单的, 它写一个二十岁的高中学生———“我”和一个十四岁的卖艺舞女薰子在伊豆的汤岛邂逅相遇, 使“我”与薰子相互之间产生了一种朦胧的感情, 但是最终“我”与薰子不得不面对分离的痛苦。川端通过人物之间心灵的交流和对伊豆半岛风情的描述, 向人们展现了日本古典文学的传统美。《伊豆的舞女》透过薰子纤细的美, 反映了她内在的悲伤和沉痛的哀愁;同时, “我”又蕴含着深邃而郁结的情感。川端是在努力淡化这种情感, 他把两人的悲从属于美, 又使美制约着悲, 悲与美的交融, 从而创造出一种悲哀美的抒情世界。 薰子和“我”之间仿佛还没有恋情, 没有惊心动魄的一见倾心和生离死别的痛楚, 也没有恋人的接吻和拥抱, 两个人仅仅看着对方沉默或是友好地打个招呼, 最暧昧的情节也仅是薰子折了一根竹竿送给“我”作手杖, “我”向薰子要了一把桃红色的小梳子作纪念。即使这些小小的细节非常简单, 但撩拨“我”心弦的却是那背后情感的波澜。最后, 当“我”的旅程结束时, “我”与舞女在码头上恋恋不舍地分了手, 留给“我”的感受是半是哀愁、半是愉快的:“船舱的灯光熄灭了。船上载运的生鱼和潮水的气味越来越浓。在黑暗中, 少年的体温暖着我, 我听任泪水向下流。我的头脑变成一泓清水, 滴滴嗒嗒地流出来, 以后什么都没有留下, 只感觉甜蜜的愉快。”“一泓清水”, 就是“我”和舞女薰子无言的泪水所汇成的小溪, 它不时激荡着“我”那颗懵懂的心。这份真挚的感情无论对“我”还是对川端来说, 都是一笔非常珍贵的财富。 日本文学评论家中村光夫给予《伊豆的舞女》很高的评价, 说它是“昭和时代的青春之歌”。从《伊豆的舞女》中我们可以看出, 川端康成开始运用日本古典文学的传统美和表现这种美的传统技法, 从精神和技法两方面来表现日本文学美的内涵, 这对于川端康成以后的创作影响是很大的。 2 对“余情美”的继承与发展 《雪国》, 这部长8万字的小说川端康成从执笔到定稿共花了14年工夫, 算是他人生的巅峰之作, 也是能准确体现他的美学追求的传世之作。可以说, 《雪国》是川端康成文学生涯的一个转折点, 它标志着川端康成在创作上已经成熟, 达到了他自己的艺术高峰, 为他赢得诺贝尔文学奖奠定了坚实的基础。 川端康成在《雪国》中继续追逐着日本传统美的理想, 同时更加注重人物的气韵, 追求一种心灵上的表现, 即传统中具有幽玄色彩的“余情美”。这种“余情美”, 是哀与艳的结合, 它将外在的主观感受与内在的艳相融合, 从而创造一种精神上的美。这种艳不是完全意义上的官能情调和好色情趣, 而是经过净化了的从生理感觉升华出来的精神之美, 它包含着传统中“哀”的色彩。日本传统的“余情美”, 我们不应该只看到它有颓废的一面, 更应该注意到其净化、升华的另一面。 在《雪国》中, 所有的一切都是围绕主人公驹子来展开的, 川端康成是以赞美的态度来刻画驹子的, 正如他本人所说的:“从感情上说, 驹子的哀伤, 就是我的哀伤。”在描写驹子这个人物时, 川端注意挖掘她的内在气质, 展现她的精神和心灵世界, 让她始终贯彻悲哀的心绪, 咏叹其生活上的苦恼。这里所描写的苦恼, 是灵与肉冲突中无法解脱的苦恼, 所以驹子不是单纯堕落于性欲或肉欲的享乐, 而是充满对生活执著的追求。她要求平等的生存权利, 恢复正常的生活, 实现生存的价值和意义。但是, 在曾经过去的岁月里, 她的要求是不能实现的, 这更增添了驹子的悲剧色彩。她执著地追求一种平凡而幸福的生活, 同时又因失望而苦恼, 深深潜藏着无可名状的悲哀。这体现了日本文学传统的特点———“余情美”。 川端康成特别强调了美是属于心灵的力量, 所以他对驹子的描写