让音乐带动技巧让技巧展现音乐.docVIP

让音乐带动技巧让技巧展现音乐 　　在肖邦的钢琴音乐创作中，练习曲一直是他最重要、最有代表性的一笔。编号为作品10和作品25的全套练习曲，是艺术性与技巧性完美结合的典范，也可以说音乐性的突出地位甚至超越了技巧。在当时，它的出现不仅使人们从车尔尼、克莱门蒂等前辈练习曲一统天下的局面中看到了一种新的音乐视觉，也为后来的德彪西、拉赫玛尼诺夫等作曲家的练习曲创作提供了音乐灵感。一个世纪后的今天，这套音乐作品不仅成为了钢琴教学中的经典教材，还是各类国际比赛中的指定曲目，比如最常用的有作品10号的第1、2、4、5、8、10、12；作品25号的第4、5、6、10、11等等。有时，这套作品还会成为音乐会的曲目，它常常被成套演奏，其中散发出光彩夺目的技巧和丰富多变的音乐内涵，足以使听众感到莫大享受。研究和学习《肖邦练习曲》是每一个学琴者的必经之路，我愿意和所有的学琴者一起来探讨其中的奥秘。 　　 　　第一首C大调(Op．10 NO．1) 　　 　　快板(A11egro) 　　《肖邦练习曲》全套作品的开篇之作由C大调开始，这个看似最单纯的调性体现了肖邦与以往不同的艺术构思。在他的音乐创作中，小调调性占据了大多数作品，比如他的四首《诙谐曲》是以b小调作为第一首，《夜曲》的第一首是降b小调，《叙事曲》的第一首是g小调等等。我们知道C大调在音乐中的色彩总是明朗、积极的，这首练习曲一改往日肖邦作品中温柔、忧郁、冲动不安等特点，展示了一个乐观而健康的肖邦，由此我们也知道了这首作品的基本情绪是明快的、生气勃勃的。 　　一般说来，学习一首练习曲我们可以分两步走，首先，要集中解决作品中的技术难点，消除技术负担；然后，要注重音乐内容的表现，因为最终在舞台上我们呈现给观众的还是音乐，这一点是非常重要的。从技术和音乐两方面我们有以下问题需要注意： 　　 　　技巧方面：准确性 　　右手的准确性是很重要的，也是很难控制的，可以有这样一些练习方法： 　　a．和弦还原练习 我们首先将右手的分解琶音还原成和弦原形，下键时手掌伸展开，让右手用弹和弦的感觉来准备，弹奏时要始终保持打开的把位，而不让手掌缩在一起。 　　 　　这种练习的目的是让几个手指同时准备，而不能弹一个再抬下一个手指，临时抬手指不仅来不及，下键也容易不准确。 　　b．变节奏练习 我们可以用以下几种节奏来练习，这些练习早在1914年就由法国钢琴家科托在他编辑的《肖邦练习曲》中介绍给学习者，我认为非常有用，在此推荐给大家： 　　 　　四种不同的节奏组合： 　　 　　上面几种节奏组合都是以四个音为一组的，不同的音组实际上让每一个音都轮番成为了练习的重点。当长音停顿时，我们要特别注意其中一个细节，即长音以外的其他手指此时应该是抬起作准备，而绝不能是松弛或垮在琴键上。另外，我们还可以自由地编排音的组合，比如两个音一组或八个音一组等等。其实有许多练习方法是举一反三的，而且学习者还可以自由地发明创造。 　　c．连奏练习 右手可以用慢下键的感觉来练习，弹奏时要特别注意体会手臂重量的转移，从一个手指传递到下一个手指。因为在快速跑动时，手指要与手臂相结合，二者是缺一不可的，这样的练习正好可以帮助加强手臂的感觉。而强调慢下键，是为了让指尖站稳立住，指尖要吃住劲。 　　另外，左手的八度也需要单独练习。八度的下键不能太快太猛，因为下键越快，声音也就消失得越快，这样的触键不利于长音的传递。而如果采用慢下键的方法，就能使声音又深又厚，使它延长得更好。 　　 　　音乐方面： 　　音乐性永远是肖邦作品中最重要的因素，即便是练习曲也不例外。在现实生活中，许多学习者往往只注重技巧训练，而忽略了音乐内涵的表现。他们当中有些人认为只要将练习曲弹得又快又响就可以了，其实这是完全不正确的理解；还有一些人虽然希望能够很好地表现音乐，但却不知该如何下手。下面我们给大家提供一些学习方法： 　　a．分句 学会分句是研究一个作品最基本的方法之一，如同我们读文章一样，首先要一句一句读懂了，才能理解整个段落的意思。在这首作品中，虽然技巧训练以右手为主，但音乐变化却是依赖于左手，可以说左手弹奏的恰恰是主旋律，因此，我们以左手的八度声部来划分乐句。比如：1至8小节为一句，9至16小节为一句。肖邦音乐中的乐句划分是很灵活的，句子有长有短，它与古典德奥作品的风格很不相同，古典作品的结构总有一些规律可寻，比如最常见的4小节一句或8小节一句的格式。而浪漫派音乐的发展主要依赖于和声前进的方向和音乐语气的变化等要素，需要演奏者仔细地辨别。 　　b．色彩变化 虽然这是一首大调作品，但音乐经常在大小调之间转换；和声变化也很快，最常见由大三和弦转入属七和弦的乐句，这时乐句的音乐感觉就会发生变化，如第17小节、第25小节和第37小节等。一般来说大调色