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从若干国外“极端”教学事例看国外钢琴演奏教学的部分特点 　　经过几代人的努力，中国的钢琴教育呈现出人才辈出、成绩斐然的繁荣景象。然而就整体的平均教育水平和教学质量而言，与国外先进国家相比仍有一定的距离。笔者在出国留学和工作期间及至目前，观摩了多次国际性大型赛事，参加了多次艺术节、大师班，借助在艺术节、大师班工作、进修以及负责国际交流学术活动的便利，从不同渠道获悉国外的一些“非常规”甚至“极端”的教学手段，令笔者颇开眼界。就笔者的个人观点，目前较为突出的现象有以下若干方面。 　　 　　一、“精读”不够深入，感性启发过多 　　 　　通常学生“精读”的曲目大多都是在考试中演奏，并且会花费将近一个学期的时间对这些曲目进行“细抠”式的打磨。然而一个学期过去了，在考试或者比赛中却未能达到预期的成效。在与一些同行沟通交流中了解到，最关键的是学生在完成了一个学期或一个阶段的学习后每当学习新曲目时所表现出的状态，就像原来讲过的注意事项和要求都荡然无存了。通过了解，笔者分析大致有如下原因： 　　(一)打基础阶段对原理性、原则性及规律性的基本概念讲解不够透彻深入。学生在课堂教学中大多数得到的都是就事论事式的讲解。等到学习新作品时就习惯性地认为新作品必定有新要求，于是就干脆等待指导教师来讲解，自己只是被动地做最为原始的准备。此外，笔者常听到学生说为何在课堂中经过指导教师的引导和启发找到的感觉，却总是在一离开教室回到琴房自己弹奏时就找不回来了。这种现象主要是由于在课堂教学中，指导教师为了启发学生而大多习惯性地运用口头描绘或形容、示范弹奏，甚至让学生弹奏的同时在一旁手舞足蹈地连唱带跳进行带动。这种做法的确可以收到一定的效果，但实际上学生只是受到教师的感染，并且产生错觉，误以为当时自身的状态就是找到的感觉，却并没有真正掌握演奏的手段。要解决这个问题，关键是指导教师在感性启发的同时，还应加以解释，如作曲家是运用什么写作手法达到这样的效果?通过什么弹奏方法或触键手段发出怎样的声音以达到恰当的艺术表现力?学生只有理解了原理、概念、自然规律，才能以更高的起点学习新曲目。 　　(二)过分重视训练学生的操作(弹奏)能力，对于学生思辨能力的培养不够(失衡)。一些学生常出现的另一个现象是，一旦换了另一架琴弹奏，当乐器的音质及琴键触感差异较大时，学生的弹奏表现力和质量会出现较明显的波动。这个现象实际上无意中暴露了一个典型的问题：学生在课堂教学中只是被动地执行教师的指令，一旦教师觉得满意或达到要求了，学生及教师就都认为完成任务了，教师并没有使学生思考是如何做到的，也没有敦促及强调学生要从听觉上记住令教师满意或达到要求的音响效果。美国演奏家安?厦恩女士曾师从已故古巴裔钢琴演奏大师乔治?布莱(JorgeBolet)，她说布莱先生曾教导她必须具备针对不同乐器的临场应变能力，每到一个地方演出，都不得不记住那台琴上所有88个琴键每个琴键的音质和触感。表面上看，这是针对乐器的问题，但它折射出学生必须了解乐器的机械构造和发音原理，并深度掌握触键技巧和对声音的听辨力，这是在指导教师的引导下进行长期训练才可得到的技能。音乐是声音的艺术，音乐作品演奏表现力中的语气、句法、强弱对比、起伏变化、声部层次、音色及色彩、踏板使用等，都离不开细腻多变的声音。更重要的是，教师必须在课堂教学中坚持督促学生举一反三地训练自己的听辨力。即使学生刚开始没有概念，教师也可以通过引导学生对同一片段采取不同方式弹奏后倾听效果来训练并提高听辨力的灵敏度。一旦通过举一反三的方式掌握规律性的原则，学生就较易获得自学及应变能力。 　　(三)对谱面标记及其背后的含义探究不够，过分依赖以音像资料引导学生。除了上述两个方面的不足外，一些学生对谱面标记不但注意得不够，甚至达到熟视无睹的地步，对表情记号和触键标记不明含义致使演奏常出现词不达意的现象。更不用说有些教师在学生达不到自己要求的情况下，干脆让学生观摩音像资料，还要求学生就按照某演奏家的弹奏方式演奏作品，更有甚者还强令学生必须按照音响资料中的速度弹奏作品。每个演奏家的气质个性、优点长处以及所诉求的艺术特征都有所不同，在教师的引导下观摩好的现场演奏和音响资料，的确可以起到良好的启发式辅助作用，但教师必须加以分析和引导，令学生明白演奏者演绎方式的出发点及诉求，才能避免学生“依样画葫芦”。当然，教师必须通过不断的学习以掌握谱面标记的背后含义以及作品的人文内涵，这样才能更好地引导学生关注内在的表现力，而不仅仅是流于形式上的雕琢，否则再细致的打磨也无法掩盖空洞苍白、内涵匮乏的演奏。 　　德国钢琴演奏家、柏林音乐学院钢琴系前主任克劳斯?贝司勒在指导一位中国学生时，整个学期只允许他学习古典奏鸣曲的一个乐章。在课上，教授借着一首奏鸣曲的快板奏鸣乐章，从奏鸣曲的体裁形成历史与发展