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关于摄影和诗歌对话 　　主持人语： 　　刘海星是著名风光摄影家，新世纪后转向诗歌创作，出版过诗集《太阳的眼泪》《走过记忆》，作为发起者和捐助人，他在深圳创办了中国诗歌阅读馆，定位为“文化的发声器”，特别是去年进行的“深圳读书月年度十大好诗”评选，产生了重要的社会影响。在刘海星身上，体现了中年一代优秀知识分子的行动力、文化胸怀和担当意识。他与艺术评论家柯文辉、诗人张曙光的对话，谈诗、谈摄影、谈文化，不乏精辟深入的思考和交流，是一个独特的文本，很值得一读。（沈苇） 　　与艺术评论家柯文辉的对话 　　刘海星：我喜欢拍蒸腾的一些画面，表现云气苍茫，比如《俊秀天下》。 　　柯文辉：你很擅长云气的运用。云海，可以召唤我们向云的深层走去，或是云向我走来，包围我，淹没我。 　　刘海星：它不像大海，有一种欢迎你走入进去，有一种被吸入的感觉，因为你不走的话，海水不会往你身上涌。但云海会，云海会把你整个吞食掉，把你变成山峰中间的一棵树，一片峻峭的悬崖，或者那一抹晨光。 　　柯文辉：世界上所有的艺术风格不计其数，归结到最后只有两种，一种内敛的，能把我们的灵魂吸进去；另一种是扩张的，可以把我们的期待吐出来。在吸进去和吐出来之间，就是艺术表达的节点。往外扩张比较好表现；内敛的力量，更需要有领会，很多人看不到，也表现不出来。 　　刘海星：我想在照片里寻找和表达的就是这一种力量的内敛。《元阳之晨》表现的就是内敛的力量。一种内在美的，比较扎实的，充分自信的，就是大自然充满自信地表现自己。 　　柯文辉：重要的是一种精神的内敛。当然，自然不是表演，也没有即兴，你鼓掌不鼓掌它都表现。在《岁月雕痕》这幅作品中，画面上的树，变红变黄，还留恋一点残余的绿色。大自然对岁月逝去的留痕，一刀一刀，一斧一斧刻在山洞里石头墙上，这些痕迹在阳光里，在大风中，在寒热下，一分钟一分钟地流变。一切都在更新，一切都在成熟，一切都在衰老。 　　刘海星：色彩的变化表达了生命对自然的体验，这就要给色彩注入生命感。人，只有为他人而生，才能真正地做到为自己而活。山的变化，是自然生命的色彩过程。我们欣赏美，是为了保存心中的生命之绿，延迟那或黄的衰病，以及红色的结局。绿，在我们的心中是长存的，它不会受时间变异的干扰，是我们所向往超越时空的永恒。 　　柯文辉：那就是色外之色，声外之声，从有声中来，向无声去，从有形中来，向无形中去，达到无声无形。 　　刘海星：因为光在运动，光照在被摄物上每一秒都有变化。那些一秒之前似乎无关紧要的光影马上就上升为情感的符号。 　　柯文辉：运用好色彩是重要的，学好色彩学，不失为艺术，更多的直觉常常是排除现象之后，把本质原原本本地告诉出来。 　　刘海星：这里面还涉及到一个藏与露的问题。国画中讲究藏和露，擅藏者最擅露，擅露者更擅藏。 　　柯文辉：这些观念跟西方的绘画有所不同，但也是相通的。东西方艺术彼此都需要把握这样的规律，把裸露的东西一点不少，把该藏的东西一点不多地表现出来，就是真正的艺术大师。 　　刘海星：《一树妖娆》就是比较好地处理了藏和露的关系。这组作品有一种朦胧美，画面充满了诗意。 　　柯文辉：朦胧是对清晰的突破，就像残缺是对完整的突破一样。面对作品，我们看到，树，比我们大得多，但与宇宙相比，同样很渺小。我们的眼睛是有局限的，我们只能看到树的舞蹈，我们看不到宇宙的律动。大的东西，因为我们有距离，我们不能站在天外，不能站在太阳上去看它。周围的模糊，延伸了画面，但觉得浩渺无际，于是清秀的画面带着一种看不见的浩瀚的品质，那就是我们的想象对画面的补充，也是画面的潜能引起了我们的遐想。 　　刘海星：古人说：“文似看山不喜平”；也有人说：“看似平易却艰辛”。画面要耐看，就要用藏来拓展露，用露来延伸藏。 　　柯文辉：《一树妖娆》这幅作品，在船头和在船尾留下了一个巨大的红点和一些散点的红色，一层比一层朦胧。朦胧，提供了一个契机，让我们可以舍弃不需要弄明白的事物；朦胧，把一些琐碎的东西汇合成一个总体，让我们去欣赏暴露在外面看得见的部分。而看不见的部分，则显得格外的深邃、神秘、悠远。 　　刘海星：朦胧，是比清楚更清晰的一个境界；朦胧，恰恰是对清晰的拓展，否则这个画面就很平庸了。同时，画面的冷暖关系也很有意思。树周围的灰度、浅蓝，在量上?斫玻?有很大的优势，几乎想把太阳淹没。但是太阳有质的优势，迟早还会照亮大地。 　　柯文辉：朦胧是短暂的，清晰相对长久。在永恒和短暂的交替中间，树的风度就格外地妖娆。画面中看得见的东西是有限的，而看不见的东西又是无限的。艺术家要扇动你越来越长的翅膀，绕着树飞，飞出树外，飞到天外，飞到更加巨大的空间。 　　刘海星：这就是艺术的空间感，也是象外之象。我在《阳朔晨曦》的创作中有这样的感受。拍摄漓江的人，总是看到“水似轻罗带，