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肉与灵：女艺术家自画像中艺术家的身体 　　导师推荐语 　　本文是根据王燕飞2006年的博士学位论文《20世纪上半期西方女艺术家自画像》第四章第二节修订而成的。 　　《20世纪上半期西方女艺术家自画像》以米歇尔，德赛都的“战术”理论为贯穿全文的主线，根据创作的心理动机不同将这个时期两方女艺术家自画像分成五大类讨论，即：狂欢，挪用、假面、身体与解构。以此为出发点，论文探讨了在20世纪上半期特定的历史条件下女艺术家的身份意识与身处的广阔的社会和艺术图景，以及女艺术家们对于艺术家神话与主流现代艺术结构的积极干预。 　　本节选部分通过20世纪上半期女艺术家的裸体自画像与男性艺术家作品中女性人体的比较，展现了女艺术家从女性视角出发，重构女性身体，重新定义女性身份以及自身身份的努力与局限性。 　　本文视野独特。观察和分析细腻，论点清晰，文字流畅，不仅对于我们了解这个时期的西方女性艺术家通过自画像方式表现自己对客观世界的感受有所帮助，也使我们对当时新的艺术思潮有更形象的认识。 　　邵大箴(中央美术学院人文学院教授，博士生导师) 　　 　　身体是自我身份构成中十分特殊的一部分。其特殊性在于它是“我”与“非我”的外在有形边界，是“我”最直观的体现和证据。在萨特眼中，身体不仅仅是存在的基础，还是一种审度万事万物的观察点和一切自我发展和自我演变的起点：“它同时是一种观察点和一种出发点――这种观察点和出发点就是我，当我离开，走向必须变成的自己时，我还会超越它。”根据精神分析理论，身体更是自我发现和自我意识的开始。正因为观察到镜中自己的身体，婴儿才开始区分自我与他者，才开始逐步建立起“自我”的概念，因此，“身体意象……是初始的自我与后来的自我形象的核心。” 　　正因为身体的这种重要性，男性艺术家从很早的时候起，就开始尝试着表现自己的身体，探索身体与思想，身体与自我之间的关系。16世纪初，德国艺术家丢勒观照镜子中的自己，画下了已知历史上第一张全裸的艺术家自画像。在这张正面自画像中，30岁左右的丢勒正以冷静而专注的目光，注视着镜子中自己那并不十分完美，但依然青春的身体。除此之外，丢勒还留下了好几张半裸的自画像。其中，晚年创作的以指着肋部的基督形象出现的钢笔素描《自画像》(1521年)和以悲伤的基督形象出现的自画像(1522年)十分忠实地展现了岁月在艺术家身体上留下的痕迹。在丢勒之后，男艺术家对自己身体的表现似乎从未间断过。1911年，奥地利表现主义画家埃贡?席勒(Egon Schiele)创作了历史上第一张表现自己的性冲动的自画像――《性欲》(Eros)，标志着男性艺术家对自己身体的探索发展到了极限。 　　 　　相比之下，女艺术家裸体自画像的出现则要晚得多了。虽然早在1613年，意大利博洛尼亚的女画家丰塔纳(Lavinia Fontana)就留下了表现全裸女性人体的作品《穿衣中的密涅瓦》(Minerva Dressing)，但女艺术家表现自己赤裸的身体却是20世纪的新生事物。直到1906年，德国女画家保拉?莫德索恩一贝克尔(Paula Modersohn-Becker)才创作了一幅上半身裸像――《戴着琥珀项链的自画像》(Self-Portrait with Amber Necklace)。但是，在此之后，越来越多的欧美女艺术家开始把目光投射到自己身体上来了。她们不仅尝试着用素描、油画，摄影等多种媒介再现自己的身体，对于身体的处理方式也变得越来越大胆，不仅出现了一定数量的女艺术家全身裸体自画像，甚至出现了可谓惊世骇俗的怀孕自画像，生产自画像与流产自画像，展现了自己的身体在不同年龄，不同阶段的不同变化以及这些变化带给自己的心理影响。这些自画像通过对风格和意象的特殊处理，将女画家的身体表现为意识，文化，感受与思想的场所，从而强调了女艺术家的艺术家身份和主体性，挑战了艺术史传统中女性身体与自然，直觉，被动，对象，景观等概念之间的想当然的对应关系。与此同时，这些裸体自画像也真实而又集中地反映了女艺术家的身份困境以及女艺术家自我呈现的一些难以避免的问题。 　　就在贝克尔创作《戴着琥珀项链的自画像》的同一年，年仅23岁的美国女摄影家伊莫金?坎宁安(Imogen Cunningham)以一张俯卧在草地上的全裸自拍像勇敢地宣告了自己艺术生涯的开始。1908年，以作品《孤松》(Lone Pine)开始，又一位美国女艺术家安?布里奇曼(Ann Brigman)拍摄了一系列以户外风景为背景的裸体自拍像。1908―1909年，在较为保守的英国，女画家约翰(Gwen John)画下了一系列表现自己在房间里的素描与水彩的裸体自画像。1911年，出生于乌克兰的女画家谢列布雷亚科娃(Zinaida Serebryakova)完成了油画《浴者》(Bather)，用传统的