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异曲同工——论声乐表演共性 　　自20世纪西方声乐理论传入中国以来，中国声乐艺术产生了革命性的改变，关于中西方声乐的差异性，关于唱法的讨论从未间断。很长一段时间以来，人们认为中西方声乐技术存在较大的差异，在同一人身上不可能同时具备这两种声乐技巧，无论是音乐学院的专业课程安排，还是各级各类声乐比赛，都将美声唱法、民族唱法视为非此即彼的两种类别。这就导致了美声学派、民族学派被划分楚河汉界，歌唱者被局限在“唱法”的圈子中，很少触及其它。少数优秀的歌唱者曾尝试借鉴自己“学派”之外的知识，但也是浅尝辄止，未曾深入。 　　笔者认为，无论美声、民族，还是通俗唱法，在歌唱方法上，他们并没有本质的区别。与其将之做唱法分类，不如看作是某种风格派别。美声声乐理论同中国传统声乐理论相比而言，有许多观点，尤其是歌唱的基本原理，比如呼吸、共鸣、咬字归韵的要求都是大同小异的。但艺术风格上又存有很多差异，比如腔调、语言风格、韵味，但不变的是歌唱的基本原则如气息、声腔、吐字归韵及审美。本文试图通过上述部分的分析，将美声学派与中国传统唱派的演唱特点作以比较，来探求其中的异曲同工之妙。 　　一、“美声”概念分析 　　“美声”Bel Canto在《辞海》被释义为：“ 17世纪产生于意大利的一种演唱风格。它以音乐优美、发声自如、音与音连接平滑匀净、花腔装饰乐句流利、灵活为特点。” 　　意大利作曲家罗西尼认为美声歌手应具备3个条件[1]： 　　1、嗓音听起来自然而优美； 　　2、音域中的每个音都非常均匀，在唱高度技巧性的乐段时毫不费力； 　　3、只有通过聆听最优秀的意大利歌手才能学到的风格。 　　从以上可以看到美声唱派的歌唱要求。歌手首先具备一种舒展流畅、平滑圆润、轻松饱满的嗓音，而不是喊叫的、僵硬的、带有鼻音或喉音的嗓音。母音必须纯正，子音不过分夸张，感情表现适度，不粗俗。歌唱的艺术在于松弛、自然，在发声过程中，脖子、下巴、喉咙等胸部以上的任何部位都不能是僵硬的。这种演唱风格防止了声嘶力竭的大喊大叫，从而有利于保护声带，也延长了演唱寿命。为了满足这??条件，歌手必须经过充分的声区训练，才能使高音不会过于虚弱，低音不会过于沉重，嗓音在声区的转换中才能过渡得自然圆滑，没有痕迹。 　　美声唱派的审美标准也并非一成不变。随着时代的发展，美声声乐的艺术风格也不断地发生着变化。美声唱法随着歌剧一起诞生，早期的意大利歌剧作品中，由于大量爱情主题的表现需要，演唱风格柔美、恬静、亲切、委婉、放松。19世纪中期，进入了辉煌的历史时期。在这个时期，歌剧作品反映了欧洲社会在资产阶级大革命时期尖锐的阶级矛盾和激烈的斗争，原来温文尔雅的演唱风格同英雄的主题与悲剧的题材不相适应，演唱风格与技巧发生了巨大的变化，出现了戏剧男高音的“关闭”唱法，以辉煌、雄伟的男声代替了旧美声学派阉人歌手以假声为主的纤细、清纯的唱法。它既保留了旧美声唱法声音松弛、灵活自如、音质优美的特点，又使新美声唱法的歌声增加了饱满的力度，表现出男子汉的英雄气魄。既有朴素平易的朗诵风格的宣叙调，又有丰富多彩的抒情风格的咏叹调。同时，作曲家也有着鲜明的创作风格，在这些创作风格的影响下，歌唱者要用不同的演唱方式进行演绎。如威尔第的作品充满着爱国主义的热情和英雄气概，对声音的要求要铿锵有力、慷慨激昂，富有男子气概的威力，于是逐渐发展出华丽激昂的“辉煌唱法” ，给人以“吐字铿锵、发生果断有力的印象”。在演唱威尔第的作品时，除了要求声音的连贯，更要求声音的集中、任性和富有金属色彩。唯有声音共鸣集中，声音才能挺拔有劲、有韧性，否则就容易虚空、松散、暗淡；唯有有了韧性，声音才会柔中有刚、刚中有柔。而普契尼，这位真实主义与浪漫主义相结合的歌剧大师，他的作品旋律优美、流畅感人，在《蝴蝶夫人》、《托斯卡》、《艺术家的生涯》中，描绘了美丽善良而又遭受欺骗、凌辱的女性，对于演唱的要求要深切、感人、含蓄优美，同威尔第式的辉煌、华丽有着强烈的对比。 　　邹本初先生曾在他所著《歌唱学》中将美声的特点概括为八个字：“通、实、圆、亮、纯、松、柔、活”[2]，这八个字形象地解释了美声学派的风格特点，也是鉴赏美声的重要标准： 　　“通”——指声音通畅。歌唱者掌握歌唱技巧水平的高低，第一个重要标志就是“声音通畅”。从美学欣赏的角度来看，通畅的声音可以给人心情舒畅的感觉，同时通畅的声音增加了歌唱旋律的律动感，这种音乐律动的美感使人陶醉和激动。 　　“实”——指声音结实，具有穿透力和致远力。 　　“圆”——指声音圆润。美声唱派尤其强调声音的连贯和圆滑。 　　“亮”——指音色明亮，明亮的音色，是歌声中泛音频率的体现。由于泛音频率很快、很高，所以，音色明亮的歌声具有强而有力的、穿透乐队“音墙”的致远能力，能使剧场里所有的观众都能听到优美的歌声。 　　“纯”——指音色纯净。